Cerámica: vasija de barro, elaboración y moldes. Cerámica griega Poste de cerámica griega

"Oh estricta novia del silencio,
Niño en la oscuridad de tiempos pasados,
Silencioso, en el que los viejos
¡Se captura un rastro elocuente! ".......

John Keats "Oda al jarrón griego" (traducido por G. Kruzhkov)

Por qué me enamoré de los jarrones griegos, le dije una vez en esta publicación http://liorasun55.livejournal.com/126036.html Pero, al darme cuenta de que los recipientes antiguos no son solo artículos para el hogar, sino también obras de arte antiguo, decidí pregúntales con más detalle y, como suele ser el caso, todo resultó muy difícil. Resulta que los jarrones son muy diferentes entre sí y según el período, el lugar donde se produjeron, el método de dibujo y las formas y, en consecuencia, también tienen muchos nombres. En general, como de costumbre: ¡lo que parece simple para un aficionado resulta ser toda una ciencia! :)

Y para marcar el "y" y, con comprensión, considerar las fotografías del Altes Museum de Berlín, que traje de las últimas vacaciones, decidí organizar la información que pude recopilar sobre este tema.

La variedad de formas se puede demostrar con esta imagen:

En realidad, si lo miras, los jarrones son platos. Los platos siempre son necesarios en el hogar, la necesidad de ellos, aparentemente, apareció cuando Hombre anciano se dio cuenta de la necesidad de almacenar alimentos ... Y luego aprenderá a cocinar alimentos en él. Érase una vez, en el Neolítico, alguien adivinó un objeto moldeado de arcilla para ser arrojado al fuego. Adquirió dureza y nació la cerámica. Hoy usamos con mucho gusto platos de cerámica y parece que la humanidad no se rendirá en mucho tiempo, a pesar de que tenemos una gran cantidad de otros materiales para la producción de platos de todas las formas.

Cualquiera que tenga algún interés en la historia y la arqueología sabe que la cerámica es un marcador importante para la datación de las capas culturales descubiertas durante las excavaciones. Precisamente porque acompañó al hombre durante muchos milenios y porque los científicos saben cómo se desarrolló y cambió a lo largo de estos siglos, dependiendo de su ubicación en la tierra.

¿Por qué los antiguos griegos inventaron tantas formas para sus jarrones? La forma del recipiente se determinó en función del almacenamiento de qué productos estaba destinado. Y los antiguos griegos almacenaban principalmente aceite de oliva, vino y agua, así como productos a granel. Por supuesto, surgió la necesidad tanto de servir comida y bebida en la mesa como de servir vino, y las formas de la cerámica antigua se multiplicaron y mejoraron.

Pero para describir cómo los diferentes recipientes se diferencian entre sí, primero debe dominar cómo se llaman las partes del jarrón. Esta imagen es muy conveniente para esto:

Quizás el más famoso de los jarrones griegos sea ánfora... Apenas hay una persona que no haya oído hablar de ella.
Ánfora (del griego antiguo ἀμφορεύς "Vaso con dos asas"- un recipiente en forma de huevo, a veces con una parte inferior estrecha y una parte superior expandida, con un cuello estrecho, con dos asas verticales, se utilizó para transportar vino y aceite. Las ánforas también adornaban la vida de los antiguos griegos y eran prácticas en la vida cotidiana. Era conveniente almacenar el vino en amophras: cerrar el cuello estrecho con cera o resina, y el vino en la parte ancha inferior no se evaporaba y duraba más. El sedimento se acumuló en la parte inferior estrecha y no tembló cuando se vertió el vino del ánfora. El ánfora, gracias a su parte inferior cónica, era fácil de enterrar en el suelo y así mantener el vino a temperaturas más bajas.

Debido a la forma redondeada oblonga de la amophra, era fácil abanicarlos en las bodegas de los barcos antiguos. En realidad, las ánforas eran recipientes antiguos.

Esta es una ánfora del Museo Antiguo de Berlín (no está prohibido disparar allí, pero todas las exhibiciones están bajo vidrio). Las imágenes en jarrones son un tema separado, muy fascinante y extenso, ya que averiguar qué trama representa el artista en cada uno de ellos, profundizar en la lectura de los Mitos de la Antigua Grecia en paralelo es una actividad increíblemente interesante, pero esto es material. para muchos libros, y no para una historia)

Sería un error creer que las ánforas fueron utilizadas exclusivamente por los griegos. Se encuentran durante las excavaciones en un territorio muy vasto, hay muchos de ellos en la región del Mar Negro y en Crimea, por ejemplo .. y esteporque las ánforas griegas fueron muy apreciadas por los reyes escitas.(Mientras buscaba información para el artículo, he visto estos hechos mencionados muchas veces. Si recuerdas, recientemente incluso Putin tuvo la suerte de bucear y, ¡oh, milagro! Emerger con un ánfora antigua en sus manos :))

Las ánforas a menudo se sellaban con corcho de barro, que se fijaba con resina o yeso de París. En el mango del ánfora, los griegos colocaron un sello que indicaba la ciudad de fabricación (Sinop, Chersonesus Tauric), y los romanos colgaron una etiqueta en el mango, por ejemplo, indicando el tipo de vino.

Hydria(lat. Hydria), de lo contrario Kalpida (lat. - Kalpis) - un recipiente para agua, que tiene tres asas: dos pequeñas horizontales en los lados y una vertical., así como un cuello largo. Son similares a las ánforas, pero las hidria tienen un cuerpo más redondeado.

Las muchachas fueron con ellos al manantial por agua. Las hidrias se llevaban en la cabeza o en el hombro, sujetándolas con la mano. Las imágenes de tales escenas de la vida también se pueden ver en los dibujos representados en los propios jarrones.

A veces, las hidrias también se usaban como urnas para almacenar las cenizas de los muertos.

Personalmente, me gustó mucho la idea de tres asas: para dos es conveniente llevar agua, así como poner el recipiente bajo el chorro de agua, y el tercero es necesario cuando inclinas el recipiente, echando agua por y también es conveniente llevar un recipiente vacío sujetándolo por el asa vertical.

Aquí hay una hidria de la colección del Hermitage, que data del 510 a. C.

Y aquí hay una hidria del Museo Metropolitano, que representa una escena en la que se llena una hidria a partir de una fuente :)

Como podemos ver en la pintura del jarrón, nada ha cambiado desde el siglo VI a.C.: las mujeres, habiendo venido a buscar agua, usan una excusa para charlar a gusto :)

Kanfary- Vasos anchos para beber con dos asas, algo parecido a una copa. La mayoría de las veces con una pierna alta. Los elegantes mangos del kanfar sobresalen más allá de la línea superior del recipiente. Kanfar se consideraba un atributo de Hércules y especialmente de Dioniso: el dios griego del vino a menudo se representaba con canfar en sus manos.

Kanfar del Museo Arqueológico de Atenas

Este es un dibujo que representa al dios Dioniso con un canfar en sus manos. Fue pintado en 500 a. C. en una bandeja guardada en el Louvre.

Kilik (Kylix griego, calix latino - "redondo")- un jarrón del que bebieron vino. Este es un recipiente que parece un cuenco plano sobre una pierna o una base baja con dos asas horizontales. Los kilikas eran bastante comunes. Por fuera y por dentro, las kilikas estaban decoradas con pinturas.En muchas kilikas hay una inscripción:"Chaire kai piei eu" (griego, "Regocíjate y bebe feliz"). Las escenas narrativas se representaron en un círculo en el exterior de los cuencos (en los intervalos entre libaciones, los kilikas se colgaron del asa de la pared y tal los murales eran claramente visibles)

Aquí hay un kilik de Grecia, que data del primer cuarto del siglo VI a.C. y que se exhibe en el Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin.

El mismo kilik por dentro

y el es de abajo

CRÁTER(Krater griego, de kerannymi - "yo mezclo") - un recipiente griego antiguo para mezclar vino con agua. Según la costumbre, los antiguos griegosMezclaban una parte de vino con dos partes de agua: beber vino sin diluir se consideraba una manifestación de desenfreno, inmoderación, aunque la embriaguez era común (recuerde a Baco).Los cráteres son vasos grandes con bocas anchas, como calderos, y dos asas a los lados.

Ejemplos de cráteres:

Ambos cráteres pertenecen a la colección del Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin.

Continúa aquí (parte 2).

ADORNOS DE CORDONES Y DIENTES DE CERÁMICA NEOLÍTICA DE KARELIA

La cerámica pertenece a varios de los materiales arqueológicos más importantes y es objeto de múltiples investigaciones. El estudio tipológico de las vasijas según su forma, composición de la arcilla, la naturaleza del riego, el color, el ornamento, el método de moldeado establece el objetivo principal de resaltar las características de la cultura material de las tribus antiguas, así como establecer la edad de los sitios arqueológicos. . El estudio de la tecnología de la producción de cerámica antigua utilizando un enfoque tipológico difícilmente puede dar resultados completos. Con la ayuda del examen ordinario y la comparación de varias series de fragmentos de cerámica, es posible distinguir de manera confiable un recipiente hecho a mano o en una máquina, restaurarlo por fragmentos, determinar aproximadamente la composición de la arcilla y describir el adorno, y consultar a un grupo tipológico. Surgen muchas más dificultades con este enfoque, cuando se requiere distinguir entre los métodos peculiares de conformado, la tecnología de construcción sintética de la masa, el tipo y temperatura de cocción, los métodos de tratamiento de la superficie por gofrado, ennegrecimiento y pulido, el secuencia de diversas operaciones en el proceso de producción, así como el propósito económico de cada tipo de embarcaciones en diferentes condiciones de vida, entre diferentes tribus, métodos de cocción de alimentos, etc.

Son de gran interés todo tipo de estampados conservados en la superficie de las vasijas: dedos, moldes, tejidos, trenzas, sellos, sellos, fibras vegetales y animales, granos, etc. cierto tipo cultivo de algunos sitios y áreas enteras. Sin embargo, el estudio de las estampas sobre cerámicas antiguas fue de naturaleza accidental, además, fue realizado por muy pocos arqueólogos y sin ningún prerrequisito metodológico. Un ejemplo de un estudio tan aleatorio es el artículo de AS Sidorov "Sobre el enhebrado de sustancias fibrosas", en el que el autor trató de mostrar la técnica de enhebrar cuerdas a partir de impresiones en cerámicas del noreste de Europa. En realidad, el asunto se redujo a descripciones muy escasas de dos tipos de vitya (de derecha a izquierda y de izquierda a derecha) que han existido desde el Neolítico.

De considerable interés es el trabajo de MV Voevodsky "Sobre el estudio de la técnica de cerámica de la sociedad comunista primitiva en el territorio de la zona forestal de la parte europea de la RSFSR". En la obra, construida sobre material etnográfico y arqueológico, se considera de manera integral la producción antigua de cerámica. Los métodos de tratamiento de superficies están correctamente iluminados, se observa, por ejemplo, que un manojo de hierba, un trapo o cuero y una planchadora de dientes se usaron ampliamente como herramientas. El autor ha logrado comparar el adorno de las vasijas con las impresiones en plastilina de los sellos dentados que se encuentran en los estacionamientos.

Las huellas en la cerámica son, sin duda, una fuente de conocimiento más amplia de lo que se pensaba hasta ahora. Para usarlo, necesita un enfoque analítico funcional del material.

El estudio de numerosas impresiones - impresiones en vasijas de arcilla antiguas nos permite estudiar los métodos de moldeo, tratamiento de superficies de vasijas y restaurar la apariencia de las herramientas que sirvieron para este propósito.

Cabe señalar que la aplicación del análisis microscópico al estudio de impresiones sobre productos de arcilla es muy limitada. La estructura porosa relativamente gruesa de la cerámica permite pequeños aumentos que se encuentran dentro de las capacidades de una lupa binocular. Solo la determinación de la composición de la masa de arcilla, cuando la observación se realiza a partir de secciones delgadas, requiere aumentos mayores. Cuando se trata de examinar huellas o huecos formados a partir de fibras animales o vegetales, existe la necesidad de un microscopio binocular. Sin embargo, a menudo, estas impresiones son lo suficientemente grandes, están bien expresadas y, al estudiarlas, puede prescindir del uso de ópticas.

Estudiamos la técnica de tratamiento de superficies y ornamentación utilizando materiales de diferentes épocas y regiones.

El primer trabajo en esta dirección se llevó a cabo en fragmentos de cerámica del sitio neolítico de Kurmoil en Syamozero en Karelia, excavados por N.N. Gurina en 1949. Era típico del norte de Europa del Este cerámicas con patrones textiles y de peine de hoyuelos, bastante rugosas en calidad y composición de masa. Sin embargo, las huellas de cuerdas y sellos dentados en la superficie daban la impresión de elegancia. El adorno, en cuanto a la combinación de elementos - hoyos, estampados de una cuerda, un peine - era diverso, y parecía que aquí se trataba de una técnica relativamente compleja de decorar vasijas. La tarea consistía en averiguar los medios técnicos específicos con los que se aplicaba el adorno.

La observación se realizó con una lupa binocular (12,5 X 1,3). Luego, se realizaron moldes de plastilina a partir de los principales detalles ornamentales, que mostraban técnicas muy sencillas para trabajar con cuerdas y sellos dentados. Basándose en observaciones y moldes, no fue difícil recrear estos sellos y, con su ayuda, reproducir patrones similares en plastilina.

El sello más simple fue un trozo de encaje, de 3-4 mm de grosor, que se presionó sobre la superficie exterior del recipiente. Presentamos una imagen de un fragmento de una vasija con un adorno hecho de hoyos redondos exprimidos palo de madera en el borde, y debajo de él hay impresiones horizontales de un cordón de dos hilos en varias filas (Fig. 52-1). El cordón se retorció de dos hebras de fibra vegetal moviendo los dedos de izquierda a derecha. Está torcido relativamente débilmente, ya que las huellas de los giros no se cierran entre sí (Fig. 52-3).

El segundo tipo de sello de cordón fue un flagelo hecho de cordón. Una hebra de fibras retorcidas algo más apretada fue enrollada en la misma cuerda, dando como resultado un flagelo con siete vueltas. Sujetando el flagelo con los dedos, el alfarero presionó este sencillo sello en la superficie húmeda de la vasija (fig. 52-8). La prueba de que el cordón no fue enrollado en un palo, sino que se usó en forma de flagelo blando, puede ser un molde de plastilina de este tipo de adorno (fig. 52-6). En el molde, se puede ver, primero, que los giros extremos están mal impresos aquí, y esto solo puede ser si el eje del sello está curvado de manera arqueada; en segundo lugar, las vueltas estaban arrugadas y ligeramente dispersas por la presión, lo que no habría sucedido si el cordón estuviera enrollado en un palo.

Arroz. 53. Técnica de aplicación de un adorno: 1 - un fragmento de un recipiente con un adorno que se asemeja a un mimbre; 2 - plastilina moldeada del adorno; 3 - un sello en forma de palo envuelto con un cordón de algodón; 4 - impresión de sello en plastilina; 5 - un fragmento de un recipiente decorado con un adorno; 6 - plastilina moldeada de un adorno de cordón; 7 - un sello de un cordón enrollado en un palo; 8 - impresión de un sello de cordón en plastilina; 9 - imitación de un adorno "textual" sobre plastilina mediante un sello de cordón.

El tercer tipo de sello de cuerda, que tiene varias variantes, es una cuerda enrollada en un palo, de sección transversal redonda. Las impresiones de las vueltas, aplicadas por dicho sello, están dispuestas en una fila en forma de hendiduras, cuya forma depende de la naturaleza del cordón y del método de enrollado. En algunos casos, se enrolla alrededor de la varilla una hebra de fibras ligeramente torcida con un intervalo pequeño o grande entre vueltas. Si las distancias entre los giros son importantes, las impresiones en el recipiente a veces crean una falsa impresión de rastros de la "canasta" (Fig. 53-2). A menudo, las impresiones de este tipo se combinan con filas de hoyos. Los sellos de un cordón fuertemente retorcido en dos hebras, con espirales estrechamente espaciados uno al lado del otro en un palo (Fig. 53-3), producen impresiones de un patrón más complejo, que recuerda a un adorno aplicado por un "flagelo", pero con una forma más clara y regular. El número de vueltas enrolladas en un palo varía de 4 a 10. Este tipo de sello es interesante porque hace que sea muy fácil crear la apariencia de una impresión de tela rugosa presionando el sello uniformemente en una fila para que no haya espacios entre cada sello. A modo de comparación, presentamos una instantánea de la textura "textil" de la impresión de nuestro sello de cuerda en plastilina (Fig. 53 - 9). Es muy probable que muchas muestras de cerámica neolítica del noreste de Europa, en las que los arqueólogos han visto huellas de tejidos hasta ahora, lleven las huellas de un sello de cuerda obtenido de esta manera.

Así, el estudio del adorno de cuerdas sobre vasijas de barro permite, además de restaurar con precisión la técnica de aplicación, dar algo de luz a un tema tan importante como el origen del tejido. ¿Cuándo y cómo surge en el norte de Europa? Después de todo, el hecho de hilar hilos, torcer cuerdas y sogas, de lo que estamos hablando con certeza, aún no significa la existencia ni siquiera de los rudimentos del tejido. El tejido no debe confundirse con el tejido, que surgió muy temprano, posiblemente ya en el Paleolítico.

La producción de cuerdas más simple está plenamente justificada en el norte por la industria pesquera, la necesidad de redes, líneas de pesca para cañas de pescar, etc. Pero la población de esta zona en el Neolítico e incluso más tarde continuó en masa para vestirse con pieles de animales, cuero y cestería.

También es de destacar que el enhebrado de hilos, cordeles y sogas, a juzgar por las impresiones de las cerámicas estudiadas, se realizó a partir de fibra no de origen animal, pero, muy probablemente, de origen vegetal. Las impresiones de fibras grandes, hebras y espirales muestran que la fibra no era elástica, las espirales se arrugaban y se movían fácilmente y adquirían una apariencia dispersa. Tales signos son especialmente característicos de las fibras vegetales que han absorbido humedad.

Aplicar adornos dentados (peine de hoyuelos) a las vasijas era un asunto muy elemental, quizás más simple que decorar platos con un sello de cordón.

De un vistazo rápido a la cerámica de peine de pozo, muchas cosas parecen incomprensibles, ya que las herramientas (sellos) se reflejan aquí en forma negativa. Además, cierta simetría de la disposición de los detalles ornamentales en la superficie de la vasija da la impresión de una obra compleja. Pero después de que se tomaron los moldes de plastilina del adorno deprimido, la forma del sello salió muy claramente, al menos su parte de trabajo, que es de la mayor importancia para nosotros. En algunos ejemplos (Fig. 54) se puede ver que incluso un sello de hueso o piedra, similar a los presentados en la obra de MV Voevodsky, no es necesario para obtener imágenes irregulares. Un trozo de madera, una astilla con cortes ligeros o cortes a lo largo de la culata (que puede ser cuestión de uno o dos minutos) puede convertirse fácilmente en un sello, lo que da impresiones muy claras y distintas en el material plástico. No hay duda de que los sellos de madera fueron muy utilizados, pero solo han sobrevivido los sellos de piedra y hueso, según los cuales emitimos juicios sobre la técnica de aplicación del adorno.

RECONSTRUCCIÓN DE SUPERFICIES DENTADAS PARA PLANCHAR SUPERFICIES Y ORNAMENTAR VASOS ILURATE Y OLVIA

Muy a menudo, al fabricar vasijas sencillas, los cazadores y pescadores del Neolítico y los alfareros de sociedades relativamente desarrolladas que se habían adelantado mucho al Neolítico, procesaban la superficie de las vasijas y aplicaban el adorno con una sola herramienta. La planchadora en sus manos también sirvió como sello, que, bajo la observación ordinaria, escapa a la atención de un arqueólogo, quien cree que en este caso podrían haberse utilizado dos o incluso varias herramientas.

Estos ejemplos son numerosos. Nos limitaremos a considerar en un primer momento el caso más simple, utilizando cerámicas de un asentamiento neolítico descubierto por NN Gurina cerca de la ciudad de Narva en 1951. Fragmentos de vasijas cubiertas con frecuentes pequeños hoyos en el exterior y surcadas con surcos igualmente frecuentes en el interior. fueron encontrados aquí. Al principio, la superficie exterior parece tener rastros de tejido áspero o tejido. Pero después de un estudio cuidadoso, uno puede estar convencido de que simplemente se "pegó" con un manojo de ramitas cortas, con la ayuda de las cuales se alisó la superficie interna del recipiente. El ancho de las marcas de la ranura y el diámetro de los hoyos (la impresión de las ramitas al final) coinciden completamente, al igual que los contornos de todo el paquete, cuya forma se representa aquí desde diferentes ángulos de visión. El haz de ramitas finas era muy adecuado como paleta o paleta, proporcionando una herramienta flexible muy conveniente para el tratamiento de superficies. Cuando se presionó, su extremo de trabajo se separó ligeramente y no atravesó las paredes blandas del recipiente húmedo. Era especialmente recomendable utilizarlo al procesar la superficie interior.

Un ejemplo más interesante del uso de una llana dentada y como sello lo dan los materiales de Olbia, traídos al laboratorio de SI Kaposhin de las excavaciones en 1951. La superficie gris-marrón de las vasijas estaba revestida con delgadas ranuras paralelas alrededor de 1-1.5 mm de ancho; las ranuras están ubicadas en un orden conocido, son rastros de nivelación de la superficie con una herramienta dentada (Fig. 55 - 1).

El uso de una herramienta dentada no fue accidental. Una espátula con borde dentado tenía sus ventajas: al nivelar las paredes, la masa semilíquida húmeda de arcilla en la superficie no era capturada por el borde de la herramienta, sino que se distribuía uniformemente sobre la superficie, extendiéndose entre los dientes. Aquí sucedió lo mismo que se puede observar al trabajar con un manojo de ramitas: las ramitas no sacan la arcilla del recipiente, no la raspan, solo la mueven de un lugar a otro. Esto fue especialmente importante en la cerámica hecha a mano. En consecuencia, trabajar con una herramienta dentada o un manojo de ramitas o tallos de plantas aún no era el acabado final de las vasijas, sino solo la etapa final de la conformación, después de la cual podía seguir el alisado e incluso el pulido. Este último obviamente se hizo después del secado.

A menudo, los productos de arcilla no se planchaban ni bruñían. Fueron a secar y disparar con una superficie tan rayada. En el caso de las vasijas de Olbia, también se utilizó la herramienta dentada para la ornamentación. Hizo impresiones con un extremo dentado (extremo a tope) a lo largo del borde y en otros lugares (Fig. 55 - 5, 6). Las impresiones se hicieron con la esquina de la herramienta y con todo el borde dentado, pero en todos los casos, en la profundidad de las impresiones, las huellas de las mandíbulas, cuya forma y tamaño eran iguales, son muy claramente visibles. El tamaño de los dentículos correspondió al ancho de las ranuras en toda la superficie. El ancho de la parte de trabajo de la herramienta también podría determinarse a partir de impresiones; en algunos lugares (Fig. 55-2) fue de unos 20 mm. Según las huellas de los extremos, el grosor de la herramienta no superó los 1,5 mm.

Así, la herramienta dentada era una pequeña placa, ligeramente acanalada, en cuyo extremo rectangular se realizaban ligeros cortes en fila, formando dientes pequeños y muy bajos. Al parecer, el material de este instrumento era el hueso tubular de un animal o un trozo de concha. La longitud del instrumento es corta, de lo contrario les sería difícil trabajar dentro de los vasos. Son visibles surcos horizontales paralelos en las superficies exterior e interior de los vasos, principalmente en la parte superior, en el cuello. La reconstrucción de la herramienta, instalada en las huellas del trabajo, según las impresiones, se muestra en la Fig. 55-7.

1888 Nació Gertrude Caton-Thompson- Investigador de la era prehistórica de Zimbabwe, Yemen, Egiptólogo. 1925 Nació Hermann Müller-Karpe- Historiador alemán, especialista en arqueología prehistórica. Se hizo famoso por ser el autor de la obra fundamental ilustrada en varios volúmenes "Una guía para la historia antigua".

En este artículo, queridos lectores, consideraremos los estilos de pintura de jarrones en la Antigua Grecia. Esta es una capa original, brillante e impresionante de cultura antigua. Cualquiera que haya visto un ánfora, un lecítico o un escifos con sus propios ojos conservará para siempre su inigualable belleza en su memoria.

Pintura de jarrón de la antigua grecia

Impresionantes ejemplos de pintura de vasijas griegas antiguas deleitan la atención de los turistas y son un elemento bienvenido en la colección de muchos conocedores del arte. Estos recipientes multicolores se deleitan con una variedad de formas, temas y colores.

En este artículo, consideraremos los estilos de pintura de vasijas, a partir de la periodización de la cultura de Hellas. Los jarrones griegos (las imágenes se muestran a continuación) pasaron de ser una olla simple, quemada en la hoguera, a una obra maestra de pintura antigua en forma de ánfora bilingüe de figuras rojas.

Debido a su excepcional belleza y sofisticación, estos artículos se convirtieron rápidamente en importaciones populares en varias partes de Europa y Asia. Se encuentran tanto en entierros celtas como en tumbas en el Medio Oriente y África del Norte.

El siguiente hecho es interesante. Los primeros ejemplares se encontraron en las criptas etruscas y, al principio, nadie los asoció con los griegos. Sólo a finales del siglo XIX Johann Winkelmann demostró su origen helénico. Después de tal descubrimiento, la pintura de jarrones griegos antiguos se convirtió en uno de los temas más importantes en el estudio de la antigüedad.

Hoy en día, las vasijas permiten no solo restaurar muchas áreas de la vida de este pueblo, sino también fechar varios eventos, así como familiarizarse con los nombres de los maestros.

Centros y tecnólogos de pintura de jarrones

Gracias a los hallazgos de los arqueólogos de hoy, muchos museos del mundo pueden presumir de ejemplos de pintura de vasijas de la Antigua Grecia. También hay cerámicas corintias de la isla de Creta, ánforas de figuras negras y rojas, lecitas y otros tipos de platos.

En el continente del país, los principales centros de producción fueron las metrópolis áticas de Atenas y Corinto. Además de ellos, también hay maestros de Laconia y Beocia. Fue en esta polis donde se inventaron varios métodos para decorar vasijas.

Posteriormente, el centro de producción se traslada al sur de Italia. Como en el período helénico temprano, se trasladó de Creta al continente. Aquí destacan dos ciudades: la Centuripa siciliana y la Canosa, en el sur de Italia.

Por separado, vale la pena detenerse en la tecnología con la que se hicieron los jarrones griegos. Los dibujos dan testimonio del uso del torno de alfarero ya en el segundo milenio antes de Cristo.

La arcilla se seleccionó por color. En algunas áreas, ella era de diferentes colores, desde el amarillo hasta el marrón. Si el material era muy aceitoso, se le agregaba arcilla refractaria y arena. Además, la arcilla fue especialmente "envejecida". El proceso consistía en mantener la materia prima durante mucho tiempo en una habitación húmeda después del lavado. Como resultado, se volvió muy elástica y maleable.

Luego, el material se amasó con los pies y se colocó en un torno de alfarero. El recipiente terminado se secó a la sombra durante varios días, después de lo cual se aplicó la pintura. Solo después de todos estos procedimientos el objeto fue sometido a disparos.

Período egeo

Los primeros ejemplos de esta forma de arte son las vasijas de cerámica minoica, minia y micénica. El primero, en particular, también se llama la pintura del jarrón de Kamares (por el nombre de la gruta en la isla de Creta, donde se descubrieron por primera vez las muestras).

Como dijimos anteriormente, tal pintura de cerámica aparece a mediados del tercer milenio antes de Cristo. El primer período, que corresponde a principios de la era heládica o egea, está dividido por los científicos en varios subperíodos.

El primero duró aproximadamente hasta el siglo XXI antes de Cristo. En este momento, los ornamentos geométricos simples prevalecían en las paredes de un solo color de las vasijas. Además, es reemplazado por el estilo Kamares. Destaca entre las cerámicas contemporáneas. La principal característica distintiva es la espiral blanca y los elementos florales que se aplicaron al fondo mate del recipiente.

En el siglo XVII a.C., el carácter del dibujo cambia significativamente. Ahora predominan los elementos marinos: pulpos, peces, corales, nautilos, delfines y otros. Desde mediados del siglo XV, ha habido un período de declive en la pintura cretense.

Pero en ese momento la llamada "pintura de vasijas arcaicas" se estaba desarrollando en el continente. En primer lugar, esto debería incluir la cerámica Minyan. Tenía paredes delgadas, sin dibujos. Este tipo de alfarería existió desde el siglo XXII hasta mediados del siglo XVI antes de Cristo. Se reemplaza por cerámica micénica.

El siglo XVII aC resultó ser un punto de inflexión tanto en la Grecia continental como en esta época, la cultura micénica se difunde aquí con sus motivos en la pintura de vasijas. Los investigadores lo dividen en cuatro períodos, lo que lleva a la era de la invasión doria del país (en el siglo XI a. C.).

A juzgar por el patrón, en la pintura micénica temprana predominan los patrones oscuros mate simples, que alrededor del siglo XV aC son reemplazados por plantas y representantes del mundo animal. Y en el siglo XIII a.C., aparecen figuras humanas y barcos. Este último se asocia a menudo con lo que perteneció aproximadamente a este período.

Geometría

A mediados del siglo XII, las bellas artes cayeron en decadencia junto con el resto de la cultura. El período hasta el siglo X se considera una "época oscura" en el desarrollo de este pueblo.

Si hablamos de cerámica, entonces en esta época hay tres estilos de pintura. Con la llegada de los dorios desaparecen la mayoría de los logros de la cultura micénica. Hasta mediados del siglo XI, hubo una etapa de la tradición "sub-Mykene", en la que se conservaron las formas de las vasijas, pero los dibujos en ellas desaparecieron.

Después de eso viene el período del ornamento proto-geométrico. Básicamente, la cerámica se caracterizaba por dos franjas circulares horizontales cerca del cuello y en el medio de la vasija. Entre ellos había generalmente círculos concéntricos, que se creaban con una brújula.

La composición se vuelve mucho más complicada en el siglo X antes de Cristo. Ahora aparecen meandros simples y dobles. A menudo, los objetos geométricos desempeñaban el papel de un friso en la pared del recipiente. Debajo de ellos había imágenes estilizadas de personas, plantas y animales.

Poco a poco, la cultura griega antigua progresó. Durante la vida de Homero, existe una tendencia a reducir el área de frisos geométricos, que son reemplazados por procesiones militares con carros o una serie de varios animales extravagantes.

El color predominante de los dibujos fue el negro o el rojo sobre fondo blanco. Durante este período, todas las figuras antropomórficas fueron representadas esquemáticamente. El cuerpo de los hombres tenía la forma de un triángulo invertido, la cabeza era un óvalo con un toque de nariz y las piernas estaban representadas como dos cilindros (muslo y parte inferior de la pierna).

Brisa del este

Poco a poco, la cultura griega antigua está mejorando. Las imágenes se vuelven más complejas, se lleva a cabo el proceso de tomar prestados elementos del arte de los pueblos orientales. Especialmente durante este período, destaca Corinto. En el próximo siglo, esta política se convertirá en el único centro de pintura de jarrones.

Entonces, en el siglo VII a. C., los artesanos griegos comenzaron a adoptar motivos de telas y alfombras importadas. Esfinges, leones, grifos y otros animales "se asientan" en las paredes de las embarcaciones.

También un rasgo característico de esta época es el "miedo al vacío". Así es como los investigadores llamaron a la característica original que distinguía la pintura de vasijas griegas antiguas del estilo corintio. En toda la superficie, intentaron no dejar un solo espacio vacío.

Fueron los alfareros corintios quienes sentaron las bases de toda una era en la cerámica. El triple disparo, que ellos inventaron, se manifestó posteriormente en ánforas de figuras negras, de las que hablaremos más adelante.

Los investigadores dividen el estilo orientalizante en los períodos corintio y ático. En el primero de ellos, la pintura de jarrones se desarrolló desde animales esquemáticos hasta imágenes naturales de animales y representaciones detalladas de criaturas mitológicas. La regla principal de los alfareros era maximizar el uso de la superficie exterior de las vasijas. Estos recipientes se pueden comparar con una pintura de un pintor o un tapiz envuelto alrededor de un jarrón.

El período ático se caracteriza por una trenza de elementos geométricos en el cuello y cerca de la parte inferior. La mayor parte del muro se destinó a las figuras de animales y, en ocasiones, plantas, que se realizaron con pintura negra.

Jarrones de figuras negras

La pintura de jarrones de figuras negras se convirtió en una consecuencia del desarrollo de los estilos corintio y ático temprano. Esta es una de las dos técnicas más famosas y significativas del mundo antiguo, junto con la técnica de la figura roja.

La peculiaridad de esta etapa de producción fue que los alfareros se destacan en una capa separada de maestros. Trabajaron exclusivamente en crear la forma del recipiente y asegurar la muestra terminada. Es decir, estos artesanos esculpían en arcilla y quemaban productos. La cerámica fue pintada exclusivamente por esclavos, que se consideraban significativamente inferiores a los alfareros en su posición.

El recipiente preparado se quemó al estado "crudo". Las paredes no completamente endurecidas permitieron hacer muescas y aplicar una capa de material preparado, que luego se convirtió en una decoración deslumbrante. A continuación, la imagen se creó con arcilla brillante y un cortador especial.

Anteriormente se creía que tales cerámicas estaban barnizadas, sin embargo investigación reciente demostró que es el deslizamiento (tipo de arcilla brillante) después de la cocción lo que forma tal superficie del recipiente.

Así, la pintura de jarrones de figuras negras nació dentro de las paredes de Corinto, en los talleres de artesanos que buscaban traer una pieza del misterioso Oriente a la vida cotidiana de los helenos.

Pero después del estilo orientalizado, en el que predominaban los animales, apareció la cerámica de figuras negras propiamente dicha. Ya está dominado por imágenes de personas. Los motivos principales fueron fiestas, festividades e historias de la guerra de Troya.

Esta producción duró desde el siglo VII hasta mediados del siglo VI antes de Cristo. Es reemplazado por el estilo de figuras rojas en cerámica.

Cuadro jarrón de figuras rojas

Se cree que la pintura de jarrones de figuras rojas apareció en los años treinta del siglo VI a. C. El ateniense Andokides, como alumno del maestro de cerámica de figuras negras, comenzó a experimentar con los colores por primera vez. De hecho, hizo todo lo contrario. No un dibujo negro sobre un fondo de arcilla cruda, sino un fondo negro, en el que emerge una imagen del color natural del material.

Este período es famoso por la competencia tácita entre los pintores de vasijas, a quienes a menudo se les llama "pioneros" en la ciencia. Trabajaban en diferentes ciudades, pero a menudo se dejaban mensajes en floreros. Por ejemplo, en una de las ánforas se encontró la inscripción "Epifanio nunca supo cómo hacer esto". La autoría de los grafitis se atribuye al maestro Euthymides.

Por lo tanto, el estilo de pintura de jarrones de figuras rojas está ampliamente extendido. Ya salió de Grecia. Una técnica similar para pintar vasijas se encuentra en el sur de Italia. También era popular entre los etruscos.

Es de destacar que durante este período hubo una cierta desviación del detalle y la naturalización de las imágenes. El número de héroes en las embarcaciones está disminuyendo, pero la perspectiva, el movimiento y otras técnicas artísticas se están utilizando profesionalmente.

Ahora los maestros no se especializan en una trama o un determinado tipo de imágenes (animales, personas, plantas ...). A partir de ahora, los pintores de vasijas se dividen según el tipo de vasijas. Hubo artistas que trabajaron exclusivamente con ánforas. Los tipos de alfarería más comunes son también cuencos, ampollas, lecitos y dinosaurios.

Dibujo sobre un fondo blanco

La pintura de vasijas griegas antiguas continuó desarrollándose. Los recipientes bilingües rojos y negros están siendo reemplazados por una técnica completamente nueva para decorar productos. Ahora el fondo no es negro ni natural, sino blanco. También durante este período, los capitanes continúan prestando atención exclusivamente a ciertos tipos de embarcaciones.

En particular, se utilizó pintura sobre fondo blanco sobre alabastrones, lecitas y aribales de terracota. Se cree que Psiax fue el primero en utilizar esta técnica. En 510 a. C. creó un lecito de este estilo. Pero el pintor de jarrones más famoso sobre un fondo blanco es Pistoxenus.

Este maestro trabajó con la "técnica de los cuatro colores". Usó barniz, pintura y dorado. El mismo blanco se logró a expensas de la arcilla caliza, que cubría el "crudo".

Tales estilos de pintura de jarrones ya se están alejando de la decoración original de los recipientes de cerámica. Ahora se está creando una dirección completamente nueva en el arte, como la pintura original.

Este período se convirtió en uno de los últimos en la historia de la pintura de vasijas griegas antiguas. Además, la producción ha salido del país a las colonias y estados vecinos. Además, ahora hay una desviación de las escenas con los dioses y los animales. Los nuevos maestros se centraron en la vida cotidiana de los griegos.

Aparecen embarcaciones con mujeres dedicadas a los asuntos cotidianos, se representan teatro, tocando instrumentos musicales, festividades, etc.

Gnafia

Poco a poco, el arte de pintar vasijas se trasladó de las metrópolis griegas a las colonias. Los maestros del sur de Italia fueron especialmente fuertes. El estilo más antiguo y extendido fue el gnafia. Se trata de una técnica pictórica específica y muy colorida que aparece a principios del siglo IV a.C.

Tiene una gran variedad de colores. Había verdes y marrones, rojos y naranjas, amarillos y dorados, blancos, negros y otros. La trama también se caracterizó en la etapa inicial por su diversidad. Cupido, el trabajo diario de las mujeres, las vacaciones en los días de la veneración de Dioniso, representaciones teatrales y otros se encontraban en las embarcaciones.

Sin embargo, en los años treinta del siglo IV a.C., existe una fuerte restricción de los medios de expresión y escenas. Ahora solo se aplican colores blanco y negro, y el adorno se simplifica enormemente. En su mayoría se representan plantas, como uvas, hiedra y laurel, y a veces se encuentran rostros humanos entre brotes y enredaderas.

Así, la pintura de vasijas griegas comenzó a extenderse por toda la región mediterránea durante el período de la cerámica de figuras rojas. Después de todo, fue de esta técnica que nació gnafia, como su continuación.

Canosa y Centuripe

A partir de ahora, la pintura de vasijas griegas, después de haber pasado el período de gnafia, se convierte en un atributo de los rituales. Los ciudadanos romanos estaban más interesados ​​en las armas, y se utilizaron los platos más sencillos y prácticos.

En la etapa final, destacan dos centros de producción: Canosa y Centuripe. En el primero, las vasijas se hicieron pintándolas con pinturas solubles en agua. Este plato no se quemó y no se usó. Simplemente la colocaron en tumbas.

Los artesanos sicilianos de Centuripe fueron más allá. Ni siquiera se molestaron en formar una vasija completa. Se produjeron y pintaron piezas individuales, que fueron pintadas y decoradas con molduras de estuco. Luego, en criptas y sarcófagos, los fragmentos se unieron entre sí, creando la apariencia de una jarra, cuenco o copa completa.

Finalmente, las bellas artes de la Antigua Grecia se trasladaron al territorio de Italia. Ahora los latinos utilizaron la experiencia de los antiguos artesanos para decorar la vida de sus parientes difuntos.

Como podemos ver, la pintura de vasijas después del declive de Hellas se fue desvaneciendo gradualmente y se hundió en el olvido. El Imperio Romano se construyó como un estado de guerreros y patricios, y no como una sociedad filosófica de investigadores e inventores.

Así, en este artículo hablamos de pintura de jarrones antiguos. Esta es una forma de arte original, que adorna más de un museo mundial en dos milenios. Las obras maestras de la pintura de jarrones de la antigua Grecia aún asombran a los investigadores y conocedores de la pintura.

¡Buena suerte, queridos lectores! Viajes largos e impresiones coloridas.

Vaso alargado, redondeado hacia abajo, con cuello plano y ojal, del que se colgaba para su almacenamiento. A menudo estaba hecho de alabastro pintado, arcilla cocida, vidrio o metal. Normalmente se utiliza para almacenar ungüentos de perfume.

Ánfora

Vasija ovalada con dos asas para almacenar aceite y vino, a veces utilizada como urna para entierro o votación. El volumen del ánfora (26,3 litros) fue utilizado por los romanos para medir el líquido. A veces estaba hecho de bronce, plata, madera o vidrio.

Ariball

Vasija pequeña esférica o con forma de pera, a menudo con pintura artística. Se utiliza para almacenar perfumes y ungüentos rituales.

Askos

Un pequeño recipiente ritual plano con una garganta tubular y un asa hueca adjunta; a menudo decorado con pintura rizada.

Balakir

Jarra, krynka, garganta, tarro de leche.

Plato

Un cuenco grande y plano, una especie de plato grande, redondo u oblongo, generalmente con bordes anchos y, a veces, con tapa.

Bo

Una taza china antigua con una boca ancha y un fondo redondeado o plano, por regla general, está decorada con patrones geométricos que representan patrones de peces estilizados.

Hermano, hermano, hermano (según V.I.Dal): un recipiente en el que sirvieron bebidas, cerveza a todos los hermanos y las vertieron en tazas y vasos; valle de semicubo de cobre o de madera, con colapso y puntera;
taza de madera grande.

Botella

Vaso de vidrio o barro de cuello estrecho en el que se guardan y sirven los vinos de uva; por apariencia y capacidad, se distinguen: cantimplora o botellas simples; Rin, champán, Madeira, redondo o hinchado, para vinos dulces;
portero, con un hombro empinado, etc. Una botella plana se llama frasco.

Botella

Vaso grande, redondo, de vidrio o de barro, de cuello estrecho, que contiene medio cubo, un cubo y más.

Jarrón

(según V.I.Dal): un recipiente de una imagen antigua o elegante que se asemeja a una jarra con una intercepción, la mayoría de las veces con una campana hacia arriba
para decorar habitaciones y edificios.

Un recipiente de cerámica (a veces de metal) con dos asas horizontales y una vertical entre el borde y hombros suavemente inclinados que transfieren suavemente el cuerpo del recipiente a su garganta. A menudo, la pintura se aplicó solo a los bolígrafos. Se usa para servir bebidas durante las fiestas.

Gleck

Glek, glechek - krynka, garganta pequeña.

Gorlan (según Dal): kuban o krinka, balakir, una jarra sin pico y asa, una olla de leche de cuello estrecho, una olla alta con pico. Se utilizaba como utensilios de cocina y como recipiente para almacenar sustancias a granel y líquidas.

Patena

(según Dal) - un platillo de la iglesia con un palé en el que se coloca un cordero sacado de la prosfora. Se suponía que debía colocarse un velo en las discotecas: el descubridor.

Endova

(según Dahl): un recipiente ancho con un reflujo o un dedo del pie, para servir bebidas; un recipiente de cobre en forma de hierro fundido, con un estigma.

Vaso para beber griego antiguo en forma de copa con dos asas, principalmente en una pata alta. Se consideró un atributo del dios Dioniso.

Un recipiente en forma de cuenco con un mango largo y curvo, en
pierna o sin ella. Se usa como primicia durante las fiestas y
como medida de líquidos y sólidos a granel (aproximadamente 0,045 l).

Recipiente para beber de cerámica o metal en forma de cuenco plano abierto sobre una pierna (rechoncho o delgado, alargado) con dos asas.

Vasija de boca ancha, cuerpo espacioso y dos asas; para mezclar vino fuerte con agua.

Krinka, krinochka, (según Dal) garganta pequeña, balakir, glock, glechik, tarro de leche alto y estrecho con una campana; guardan la leche cuajada y la leche en borachki.

cubano

Kuban (al otro lado de Dal) - gran krynka, balakir, gorlanchik, gorlach.

Kubatka

lo mismo que la garganta.

Jarra

Una jarra (según V.I.Dal) es una vasija de barro, vidrio o metal, relativamente alta, con forma de barril, con un agarre debajo de la garganta, con asa y punta, a veces con tapa; urna, jarrón.

Kumka

Kumka (de Dal): una taza de té (por sí sola, sin platillo); taza de enjuague.

Lebes

Lebes (caldero griego) es un recipiente grande en forma de cuenco sobre un trípode o soporte. Usado típicamente para lavar y cocinar
comida). El cisne nupcial de mango largo desempeñaba el papel de un florero.

Lekith es un recipiente griego antiguo para el aceite. Inicialmente se hizo cónica, luego cilíndrica con mango vertical, cuello estrecho, convirtiéndose en campana y se utilizó en ceremonias funerarias. En los lugares de enterramiento se colocaron grandes lekiths de mármol decorados con una rica ornamentación.

Lutrophore: un recipiente con un cuerpo alto, un cuello largo y estrecho,
batidor ancho y dos asas. Según el ritual de la boda, se traía agua para lavar a la novia. Si la novia moría antes de la boda, el loutrophore se colocaba en su tumba. Más tarde, este recipiente se volvió tradicional.
decoración de las tumbas.

Misa

Misa, cuenco, cuenco (según Dahl) - cuenco, taza; platos en los que se sirve sopa de repollo, estofado en la mesa; un cuenco para un samovar, un kumka, una bandeja debajo de un cuenco, sobre la mesa.

Misnik

Misnik (al otro lado de Dal) - - postavts, vasija, estanterías o armario.

Oinohoya

Oinokhoya: una jarra con un pico original, que se usa para verter líquidos en las fiestas, generalmente vino. El proceso se aceleró mediante tres desagües en el cuello, que permitieron llenar tres cuencos a la vez.

Okrin

Okrin (según Dahl) - vasija de iglesia, cuenco; jarra, garganta; jarrón.

Patera

Una patera es un cuenco profundo o plano que se usa para beber en un ritual de sacrificio.

Pelica es un recipiente que se expande hacia abajo con dos asas verticales, que se utiliza principalmente para almacenar pequeños volúmenes de sustancias líquidas y a granel.

Pixida (boj griego) es una caja redonda u ovalada para joyas, ungüentos o especias. Originalmente hecho de madera, marfil u oro, los cristianos antiguos lo usaban como recipiente ritual para una hostia, un sacrificio expiatorio.

Alfiler

Pin - - una antigua botella japonesa con cuello redondeado

Vajilla

Platos (según V.I.Dal): hogar, embarcación cotidiana, barco, utensilios domésticos, especialmente comedor; en general, guardan, preparan y sirven larvas, alimentos en ella: utensilios de cocina y comedor.

Psycter es un recipiente sobre una pata cilíndrica alta, que permitía colocar el psycter en otro recipiente lleno de agua fría o hielo. Se usa para enfriar bebidas.

Rhyton

Rhyton (cuerno para beber griego) es un recipiente de cerámica o metal en la antigua Grecia, con forma de embudo con cuello y asa contorneada. A menudo se hacía en forma de cabeza de animal o humana, y se usaba en fiestas o en rituales sagrados.

Skyphos (o kotila) es un recipiente para beber en forma de cuenco con dos asas horizontales. A veces se usaba llanta
lians como medida de líquido (0,27 l).

Embarcación

Recipiente (según Dahl) - - vajilla, vajilla, utensilios de sujeción, cada cosa espaciosa, cada concha, producto, para sostener, almacenar algo,
especialmente líquidos. Todo lo que contiene o lleva algo en sí mismo. La vasija es de madera, escasa, de barro o cobre. Vasijas de iglesia, cáliz o cáliz y diskos.

Stamnos es un recipiente con cuello corto y apertura amplia, a menudo equipado con dos asas horizontales y utilizado para almacenar vino. Inicialmente, fue redondeado y convexo, con el tiempo, cada vez más ovalado y plano.

Pie

Detente, konob: una taza, un vaso grande que gira en forma circular.

Lámina

Plato (según Dal - el plato es antiguo, cuento (y) rka) vajilla para comer. Los campesinos tienen una jarra de madera sobre la que se desmoronan
carne.

Urna

Urna: vasijas romanas antiguas para recoger y enterrar las cenizas de los difuntos. Para entierros especialmente nobles, se hicieron rostros y figuras
urnas, cofres caseros para las cenizas. A menudo, una urna exquisitamente elaborada se colocaba en una urna más tosca.

Fiala

Fiala es un recipiente en forma de botella redonda con cuello estrecho, que se usa para libaciones a los dioses. Los alquimistas lo usaban como aparato de destilación.

Matraz

Matraz, matraz (según Dahl) - botella, frasco, berenjena; a menudo, recipiente de viaje plano, para beber.

Hu

Hu es una antigua jarra china de cuello alto con cuerpo convexo, generalmente decorada con dibujos de peces.

Quiste

Cyst (canasta latina) es una caja cilíndrica para guardar artículos de tocador.

cuenco

Cuenco (según Dahl): un recipiente con un hemisferio más o menos; hermano; misa.

taza

Una taza es un recipiente pequeño y redondeado con asa para beber o pan. Taza de madera, mis (k) a, duelas.

El contenido del artículo

CERÁMICA GRIEGA. Cerámica (en griego keramike - arte de cerámica, de keramos - arcilla) es el nombre de cualquier producto doméstico o artístico hecho de arcilla o mezclas que contengan arcilla, horneados o secados al sol. Hacer cerámica es una artesanía versátil. A pesar de las profundas diferencias en las culturas de los pueblos antiguos en los que se practicaba, las técnicas y el uso de la cerámica son notablemente similares. La alfarería de los antiguos griegos, especialmente los atenienses, es uno de los mayores logros de este arte. Afortunadamente, la literatura griega describe algunos de los detalles de la producción de cerámica, y una extensa excavación e investigación proporciona una imagen clara de todo el proceso.

Alfareros.

Durante la era neolítica temprana, cada familia hizo su propia cerámica. Me gusta más tarea, que en las sociedades primitivas fue realizada por mujeres, lo más probable es que la alfarería también la hicieran ellas; los hombres cazaban y tenían que proteger a la tribu. Con la llegada del torno de alfarero y la mejora del horno, un especialista, un alfarero profesional, comenzó a ocuparse de este trabajo. No cabe duda de que a raíz de la invención del torno alfarero, la alfarería se convirtió en un oficio masculino, ya que el uso del mecanismo generalmente no se consideraba un trabajo de mujer.

El tamaño de los talleres de alfarería en Atenas en la antigüedad probablemente era muy diferente, como lo es hoy. También había pequeñas tiendas de alfareros pobres o independientes que trabajaban junto con un aprendiz que dio la vuelta al círculo. Su trabajo fue numeroso y variado: extraer y refinar arcilla, amasarla, moldear vasijas en un torno de alfarero, unir piezas, tornear vasijas y terminar el molde, decorar vasijas, extraer leña o carbón para una estufa, quemar una estufa y vender productos terminados... Los propietarios exitosos reclutaron un equipo de trabajadores, aprendices y artesanos calificados en su gran taller, y ellos mismos actuaron como capataces o supervisores senior. En Ática, algunos alfareros empleaban hasta una docena de trabajadores, pero el taller promedio empleaba de cuatro a cinco personas.

A veces, el propio alfarero se dedicaba a pintar jarrones, pero por lo general estas dos profesiones estaban separadas. El estudio cuidadoso de la forma de los jarrones permite asignar grupos de vasijas similares al mismo alfarero. Por ejemplo, el estilo y las peculiaridades del trabajo de alfarería de un maestro para la producción de lekyths (jarrones cilíndricos altos) permite combinarlos en un grupo. Sin embargo, este método de comparación no permite identificar al mismo alfarero con el creador del grupo de ánforas (jarras con dos asas). Un estudio de la forma de las vasijas indica que al menos tres alfareros crearon los lecitas para un artista anónimo llamado el pintor de vasijas de Berlín. Está comprobado que el taller de cerámica de Kahrilion fabricó cuencos para al menos diez artistas diferentes, al igual que el ceramista y pintor Euphronius.

Había una tendencia al trabajo conjunto de un alfarero y un pintor de vasijas. No está claro si los dos alfareros pudieron haber contribuido a la creación del mismo vaso; tal vez uno estaba moldeando un jarrón en un círculo, mientras que el otro estaba haciendo el acabado final de la forma. En casos raros, dos pintores podrían trabajar en un jarrón. Se desconocen las razones de esta cooperación, pero el hecho en sí no está en duda.

Algunos jarrones griegos tienen firmas. A veces es la firma del alfarero, seguida de la palabra epoiesen que significa "hecho". Así firmó Eufronio su cerámica. Si la firma la aplicó un pintor, su nombre iba acompañado de la palabra egrapsen, o "pintado", como hizo el pintor de vasijas Hermonax. Las firmas dobles como: "Hieron hizo, Macron pintó" son comunes. Este tipo de firma indica el trabajo sucesivo de dos artesanos y el mismo significado de moldura y pintura. Una conocida serie de firmas dobles muestra que el pintor de vasijas Oltos trabajó con al menos cuatro alfareros diferentes y Epicteto con al menos seis. Varios jarrones están firmados "Fulano de tal hecho y pintado", enfatizando la doble profesión del mismo ceramista; uno de estos maestros fue Duris. Desafortunadamente, no todos los alfareros y pintores de jarrones dejaron firmas en sus productos. Muchos de los artistas de primera clase nunca firmaron sus obras, y algunos lo hicieron solo de forma ocasional. Un pintor excelente podría firmar una obra inexpresiva y dejar una obra maestra sin firmar. Por tanto, el motivo de la firma de las obras sigue sin estar claro. Se cree que, en algunos casos, la firma puede pertenecer realmente al propietario del taller en el que se fabricó la embarcación.

En última instancia, son las características de calidad de la artesanía las que permiten identificar con precisión las obras no firmadas de alfareros y artistas cuyos nombres desconocemos. Los investigadores y coleccionistas dan a estos maestros anónimos nombres convencionales para facilitar su clasificación. Así, un determinado grupo está formado por las obras de un artista llamado pintor de vasijas berlinés, ya que una de sus principales obras se conserva en la colección de los Museos Estatales de Berlín. Los nombres dados a los alfareros a menudo indican el estilo de su trabajo. Por ejemplo, el Maestro de Hidrias Pesadas se llama así porque en sus obras no se siente el deseo de un equilibrio rítmico más sutil de formas y contornos; gravitan hacia formas densas masivas.

Formas de jarrones.

El propósito del jarrón dictaba su forma, que a su vez determinaba el método de moldeado. Casi todos los jarrones áticos se hicieron para contener tres líquidos diferentes, los más importantes en la vida de los griegos: vino, agua y aceite de oliva. La mayoría de las veces, se requería una cristalería para almacenar vino. Para este propósito, el tipo de recipiente más común era un ánfora, un jarrón con dos asas resistentes. La hidria, una jarra grande con tres asas, se utilizó para transportar y almacenar el agua. Los griegos rara vez bebían vino sin diluir; generalmente se mezclaba con agua en un vaso especialmente diseñado llamado cráter. Los tazones para beber constituyen una categoría amplia porque los griegos bebían vino mezclado con agua de diferentes tipos de vasijas. El más elegante y común fue el kilik. El Lekith, un jarrón cilíndrico alto con un cuello estrecho, una boca ahuecada y un solo asa, se usaba comúnmente para el aceite de oliva. El cuello estrecho permitió verter aceite en una fina corriente; la boca tenía un borde afilado en dentro para que el aceite no gotee al verter.

Durante los siglos 6-4. ANTES DE CRISTO. las formas de los jarrones áticos evolucionaron de pesadas y sólidas a elegantes, igualmente cómodas y hermosas, y luego a demasiado complejas y sofisticadas. Curiosamente, los griegos prefirieron mejorar los tipos existentes en lugar de buscar nuevas formas. Parecería que la constante repetición de tipos estándar de vajilla podría conducir a la producción en masa de artículos desprovistos de mérito artístico. Sin embargo, fue esta implacable repetición de formas y la búsqueda de la perfección en el marco de la tradición existente lo que provocó el desarrollo de un estilo tan notable de cerámica ática. El hecho de que estas cerámicas estuvieran destinadas al uso cotidiano dio sentido y practicidad a sus formas. Por lo tanto, estaba protegida de convertirse en algo innecesario, de la degeneración en baratijas vacías.

Métodos para hacer un recipiente.

Casi todos los jarrones del ático están hechos en un torno de alfarero; los cuerpos de las vasijas se colocaron sobre las bases en forma de cilindro o círculo. Todos los jarrones, sin excepción, son simétricos y equilibrados con respecto al eje central, verticalmente estables debido a una base confiable, tienen boca y, a veces, tapa. Las curvas suaves, los agarres cómodos y las bocas espaciosas aprovechan la plasticidad, la elasticidad y otras características naturales de la arcilla Attic. Su textura de grano fino, viscosidad y otras propiedades de trabajo se reflejan en las formas que los alfareros podrían finalmente lograr gracias al uso de esta arcilla.

Los jarrones se moldearon a mano en un torno de alfarero, usando solo un compás y una regla. No hay evidencia sobre el uso de una plantilla para moldear recipientes o para verificar las medidas de sus elegantes y perfectas proporciones. Ha habido intentos de demostrar que estas proporciones se basan en elaboradas relaciones matemáticas. Estas proporciones existen, pero obviamente solo se lograron con la habilidad del alfarero.

Algunos jarrones áticos de formas más simples, como skyphos y pelica, se hicieron en un torno de alfarero a partir de una sola pieza de arcilla y se finalizaron de inmediato. Sin embargo, muchos otros tipos de vasijas, como kilik, lecythus, crater e hydria, se hicieron en partes, que luego se unieron con un yeso de arcilla húmeda y se refinaron en un torno de alfarero. La unión de las partes generalmente dependía del tipo y la forma de la embarcación. En un kilik, por ejemplo, este es el punto de unión del tallo del tallo y el cuenco en sí; el cuello y el cuerpo atracan en el cráter. Cambiar la forma en estos puntos ayuda a ocultar las articulaciones. Sin embargo, el cuerpo de una gran hidria o cráter no se podía moldear a partir de una sola pieza y tenía que hacerse en partes. El gran volumen en forma de copa y las partes anulares tenían que estar conectados en una superficie lisa y continua, en la que no había ningún lugar para ocultar la junta. Por lo tanto, las partes sólidas terminadas se recogieron en su forma final y se dejaron durante un día en un lugar húmedo para evitar un secado y agrietamiento demasiado rápido. Luego se cubrieron con una capa de arcilla húmeda, y se refinó y planchó todo el cuerpo de la vasija con tanta habilidad que la unión no fue visible.

Decoración.

La cerámica del ático de la era clásica se divide en figura negra y figura roja. La pintura de jarrones de figuras negras más antigua se remonta a finales del siglo VII. ANTES DE CRISTO. Hacia principios del siglo V. ANTES DE CRISTO. fue reemplazado gradualmente por cerámicas de figuras rojas, pero la pintura de figuras negras continuó usándose para decorar jarrones Panatenaicos al menos desde el período helenístico.

En jarrones de figuras negras, la imagen se aplicó con barniz negro con un pincel y representó solo siluetas; los detalles del dibujo estaban rayados o dibujados sobre el barniz. La pintura de figuras negras proviene de diseños primitivos en vasijas del estilo geométrico más antiguo; la cerámica clásica de figuras negras fue precedida inmediatamente por el estilo protótico con imágenes de contorno. Las figuras negras contrastan con el fondo rojo de la arcilla con la que está hecha la vasija.

La técnica de la figura roja da la impresión opuesta a la técnica de la figura negra. Las imágenes se han dejado sin pintar y el fondo del jarrón está cubierto con laca negra. Luego, los detalles de las imágenes se realizaron con finas líneas en relieve. Esto le dio a la pintura un aspecto más natural que en la técnica de la figura negra, ya que las imágenes se destacaban en un color claro (rojo) sobre un fondo negro. La línea de relieve se creó extruyendo el esmalte de un tubo pequeño. Los primeros elementos de figuras rojas se remontan a los años treinta del siglo VI. ANTES DE CRISTO.; se produjeron hasta finales del siglo IV. ANTES DE CRISTO. A lo largo del siglo IV. el estilo de la pintura y la calidad de los productos de la obra cayeron gradualmente en decadencia, hasta que finalmente la técnica de la figura roja desapareció por completo.

El tema y el estilo de la pintura de los jarrones del ático evolucionó durante los siglos IX y IV. ANTES DE CRISTO. En la era del estilo geométrico, que floreció en el siglo IX. BC, prevaleció la decoración que cubría casi toda la embarcación: patrones de ajedrez, meandro, cruces, esvásticas, lunares, cintas, sombreados, etc. Rara vez se utilizaban motivos estilizados de plantas y animales. En grandes jarrones Dipylon del siglo VIII. BC, que se instalaron en las tumbas, se incluyeron composiciones más complejas en las cintas del adorno.

La decoración de los jarrones protóticos del siglo VII. ANTES DE CRISTO. los artistas comenzaron a dominar los temas mitológicos. La mayor parte de la superficie del jarrón se reservó para imágenes de monstruos y héroes, y se utilizaron patrones decorativos como marcos para escenas.

Cerámica de figuras negras del siglo VI. ANTES DE CRISTO. Hizo pleno uso de las tramas de la más rica mitología griega. Se representaron dioses y diosas, héroes y monstruos en escenas de la vida de los olímpicos y episodios de la guerra de Troya. Los motivos decorativos se utilizaron con moderación para diferenciar escenas con figuras pintadas en laca negra. Poco a poco se introdujeron tramas de la vida cotidiana de la gente corriente, por ejemplo, un guerrero armado para la batalla o ejercicios en un gimnasio; tales imágenes comenzaron a suplantar a las mitológicas.

En los siglos V y IV. ANTES DE CRISTO. esta tendencia continuó desarrollándose en la decoración de jarrones de figuras rojas. La imagen de una persona se convirtió en la principal, aunque todavía se utilizaban algunos temas mitológicos. Representaron batallas, fiestas y competiciones de atletas, gente común y sus actividades diarias. Los motivos decorativos jugaron un papel secundario; palmetas, lotos, meandros se usaban generalmente para enmarcar la imagen.

Barniz.

Después de ser moldeados en un torno de alfarero, los jarrones griegos se guardaron en una habitación húmeda hasta que estuvieran listos para decorarlos. La pintura se aplicó a la superficie semiseca endurecida. Cuando los jarrones estuvieron completamente secos, se quemaron, pero no de una vez. El proceso de tostado se dividió en tres etapas distintas: oxidación, reducción y oxidación secundaria.

Se utilizaron dos colores en la decoración de la mayor parte de los jarrones áticos: naranja rojizo y negro metálico. El naranja rojizo era el color natural de la arcilla ática quemada con la que estaban hechos los jarrones; se intensificó cuando el artículo se cubrió con ocre amarillo. Se obtuvo un lustre o barniz negro metálico de la misma arcilla roja ática; el revestimiento brillante se volvió negro como resultado de la cocción. El óxido de hierro contenido en la arcilla le dio al producto un color rojo si se horneaba en un ambiente oxidante y negro si se horneaba en un ambiente reductor. La arcilla que se utilizó tanto para dar forma a la vasija como para pulirla contenía los mismos óxidos de hierro. Durante la primera etapa de cocción oxidativa, tanto el vaso como el barniz se tornaron rojos. Durante la cocción de reducción, tanto el vaso como el barniz se volvieron negros. Tras la cocción oxidativa repetida, la arcilla cocida porosa se volvió roja nuevamente y el barniz ya no pudo oxidarse nuevamente, ya que la incrustación formada separó firmemente el óxido de hierro negro incluido en su composición del contacto con el oxígeno atmosférico. Así, el jarrón salió rojo de la cocción y el barniz quedó negro.

Hay ejemplos aún más antiguos del uso de la cocción oxidativa y de reducción para obtener patrones en rojo y negro en jarrones. Durante el Neolítico temprano, se descubrió que la arcilla rojiza que contiene hierro, como resultado de la cocción, puede adquirir un color rojo amarillo intenso o negro grisáceo, dependiendo de si los productos fueron cocidos con una llama pura o envueltos en humo. . Los primeros ejemplos del uso deliberado de ambos colores en la misma vasija son los elementos egipcios en negro y rojo del tercer milenio antes de Cristo. El método egipcio consistió en enterrar parcialmente el recipiente en arena durante el disparo; esta técnica en particular se introdujo en la isla de Chipre, donde también se fabricaron cerámicas negras y rojas de un tipo similar. En Creta, cerca del pueblo moderno de Vasiliki, se descubrieron vasijas, hechas alrededor del 3000 a. C., decoradas con manchas que se crearon al quemar la superficie de una vasija previamente disparada con una varilla al rojo vivo.

Por supuesto, no toda la cerámica antigua estaba decorada con laca negra y roja con óxido de hierro. Por ejemplo, los productos de Dimini (un asentamiento neolítico en Tesalia, Grecia), algunos tipos de cerámica del período helénico medio (Edad del Bronce) de la isla de Egina y las cerámicas cretenses de estilo geométrico están pintadas con líneas marrones y negras. Para este tipo de decoración se utilizaron tintes minerales naturales como el manganeso; estos elementos, a diferencia de la cerámica ática vidriada en negro, solo necesitaban una cocción en una fase. Las áreas pintadas con estos tintes naturales suelen tener un acabado mate inexpresivo.

La fabricación de barniz negro griego requería un alto grado de habilidad profesional y estandarización de las operaciones de fabricación. En el siglo IV. ANTES DE CRISTO. Atenas perdió mercados extranjeros; El interés de los artistas por formas de expresión distintas de la cerámica, así como la creciente popularidad de las vasijas de metal y vidrio, llevaron a un declive en la producción y la calidad de las vasijas áticas. Aunque todavía se usaba laca negra para decorar jarrones de superficie plana o para vasijas decoradas con dibujos en relieve moldeados en matrices, su calidad se deterioró. La cerámica esmaltada en negro, gracias al comercio y los colonos griegos, llegó al sur de Italia, donde los etruscos comenzaron a producirla, y más tarde, los alfareros de Apulia, Campania, etc. En la época romana, tanto la laca negra como la roja se usaban en todo el Mediterráneo. , quema de vasos en un ambiente oxidante.

TENNESSE. Cuencos megarianos, que se produjeron en muchas zonas del Mediterráneo oriental desde finales del siglo III. Antes de Cristo, en un principio estaban decoradas con pintura esmaltada en negro. Sin embargo, cada vez se cubrieron más y más vasijas con laca roja. Le siguieron las cerámicas de Pérgamo y Samos lacadas en rojo, que se elaboraron en diversas localidades. La más famosa del Mediterráneo oriental fue la cerámica aretiniana de alta calidad, que se produjo en Arretium (Arezzo actual) a partir del 30 a. C. al 30 d.C. Este tipo de cerámica lacada en rojo con decoración en relieve se denomina terra sigillata (arcilla estampada o arcilla decorada con imágenes figuradas).

La técnica de fabricación de cerámica de engobe negra y roja se extendió por toda Europa hasta la Galia y la Gran Bretaña romana. Uno de los principales centros de producción del siglo II. era la ciudad de Lesu en el centro de la Galia. Con el colapso del Imperio Romano, la laca negra griega fue olvidada y eventualmente reemplazada por esmaltes cerámicos traídos del Mediterráneo Oriental. El esmalte vítreo comúnmente utilizado por los alfareros hoy en día está compuesto de sílice y fundente coloreado con cargas minerales. Desde la antigüedad hasta el presente, el esmalte cerámico se ha utilizado ampliamente porque es simple y confiable en la producción y ofrece una elección ilimitada de paleta de colores.