Schubert. Sinfonía n.º 8 en si menor, "Inacabada"

La música de Beethoven, en la que todavía se escuchaban ecos de la Revolución Francesa, fue suplantada por obras de géneros de entretenimiento. El trasfondo externo de la vida de Franz Schubert, contemporáneo de Beethoven, era una Viena alegre y “danzante”. El interés por el destino de la humanidad, la armonía de la razón y la realidad quedaron relegados a un segundo plano. Los planes creativos de Schubert, la necesidad de comunicación espiritual encontraron simpatía y apoyo solo en un pequeño círculo de amigos, personas dedicadas al arte. En la música de Schubert, por primera vez, se revelaron los rasgos de carácter, la estructura emocional de una persona que era nueva entonces en el siglo XIX. El artista expresa su actitud ante la vida, el mundo que lo rodea a través de las letras de los sentimientos y experiencias de una persona real y común. Y para ello se necesitan otras formas y otros medios de expresión que transmitan la inmediatez del enunciado.

Una sensación viva del ritmo de la música, una melodía de duración continua se puede comparar con el habla de una persona, una sensación de su respiración. Siempre escuchamos si está tranquilo o emocionado, feliz o triste, cómo cambia su estado. Al escuchar la entonación musical, siempre puedes comprender el significado de la música, sentir su expresividad, el poder de la influencia.

Franz Schubert es un autor insuperable de sonatas, sinfonías, cuartetos de cuerda y más de seiscientas canciones. Schubert fue uno de los fundadores de la música romántica alemana. La vida de Schubert fue corta y llena de decepciones. Pero dejó un legado musical de una expresividad y riqueza de melodías sin precedentes.

Biografía

Franz Peter Schubert nació en los suburbios de Viena, la ciudad de Lichtental. La familia era numerosa: catorce hijos, de los cuales solo cinco sobrevivieron. Su padre, Franz Theodor Schubert, era maestro de escuela, y en su juventud, el futuro compositor probó suerte con la pedagogía. Pero pronto quedó claro cuál era su verdadera vocación. Schubert cantó en el coro de la Capilla Imperial de Viena, donde su maestro fue el Kapellmeister Antonio Salieri, antiguo rival de Mozart.

Los años de la juventud estuvieron llenos de promesas y esperanzas. Rechoncho y feo, a Schubert todavía no le faltaban amigos y admiradores, personas que abrían las puertas de sus casas, brindaban patrocinio en círculos musicales e interpretaban su música.

Luego comenzaron las famosas Schubertiades en los salones vieneses o cuando viajaba fuera de la ciudad, en las que se interpretaron por primera vez muchas de las obras del compositor. Esto ayudó a que su nombre ganara popularidad en la sociedad vienesa, incluso en los círculos artísticos. Sin embargo, en todos los demás aspectos, Schubert fue perseguido por fracasos. Trabajó diligentemente en varias óperas y otras obras escénicas, en particular en la música de Rosamund, pero pocas fueron ampliamente reconocidas. Su salud se estaba deteriorando rápidamente. En un estado de profunda desesperación, escribió de sí mismo como "la criatura más condenada y desafortunada del mundo".

giros del destino

A través de conocidos mutuos en la sociedad vienesa, Schubert conoció al barítono Johann Michael Vogl. Gracias a su hermosa voz y su imponente apariencia, ya era una estrella de la Ópera de Viena, y el joven compositor inexperto y torpe no lo impresionó de inmediato. “Estás dando vueltas a tus pensamientos”, le gruñó a Schubert. Pero pronto reconoció el genio del joven y se convirtió en su más ferviente partidario.

Vogl contribuyó a la producción de varias óperas de Schubert y cantó en algunas de ellas. Aún más significativo fue su apoyo a Schubert como pionero y primer maestro de la canción artística alemana.

Fogl cantó muchas de las canciones del compositor de las Schubertiades y también llevó a un amigo de gira.

La gira de 1819 fue especialmente feliz para el compositor. Ella y Vogl se establecieron en el campo con su amigo Albert Stadler. En este momento, Schubert compuso un encantador quinteto de piano, en el que incluyó la melodía de su canción "Trout", probablemente cantada con frecuencia y con placer por Vogl. Tras la muerte del compositor, Fogl siguió interpretando sus canciones durante muchos años.

Fama en círculos estrechos

Viena era famosa por la tradición de hacer música casera, común entre personas de todas las clases. Sin embargo, a pesar del éxito de su música entre los aficionados y la continuación de las Schubertiades, por lo demás la suerte le sonreía cada vez menos. Varias óperas seguidas, "Alfonso y Estrella", "Conspiradores o Guerra doméstica", "Ferrabras", no se representaron (principalmente, los libretistas tienen la culpa de su desafortunado destino). La interpretación exitosa de la música para Rosamund recompensó un poco al compositor. Los trabajos se imprimieron, pero con mayor frecuencia, pequeños, que no generaron tarifas significativas. Pasó el verano de 1824 como profesor en la familia Esterhase, y en 1825, junto con Vogl, volvió a la Alta Austria.

El año 1826 trajo otra decepción más: no se accedió a la petición de Schubert de que se le concediera el puesto de maestro de capilla de la capilla de la corte, donde una vez cantó de niño y, hablando por última vez, dejó un registro en la parte contralto de la obra de Peter Winter. misa: “Schubert, Franz, cantó por última vez el 26 de julio de 1812.

muerte prematura

Los viajes de conciertos pronto también se volvieron imposibles para él debido al deterioro de su salud. El estilo de vida del compositor, por naturaleza muy sociable, involuntariamente se volvió cada vez más retraído, a menudo se vio obligado a pasar tiempo encerrado.

Schubert estaba asombrado por Beethoven, quien también vivía y trabajaba en Viena. Estuvo en el estreno de la Novena Sinfonía del gran compositor. Parecía que Schubert tenía una premonición de su propia desaparición y trabajó febrilmente para completar sus últimas y mejores composiciones: el ciclo vocal "Winter Road", la Novena Sinfonía y el Quinteto de cuerdas en do mayor.

Inspiradora fue la noticia que llegó a Schubert sobre la aprobación de su talento por parte del propio Beethoven. Según Schindler, el amigo de Beethoven, quien le presentó las canciones de Schubert, Beethoven no se separó de ellas durante mucho tiempo y exclamó repetidamente: "Verdaderamente, una chispa divina vive en Schubert".

La timidez de Schubert, por la que sólo se atrevía a mirar de lejos a su deidad, la sordera total de Beethoven, su aislamiento impedían su acercamiento.

1828, el último año de vida del compositor, le trajo finalmente el reconocimiento del público vienés. El concierto del autor organizado en Viena provocó un gran éxito largamente esperado. Pero los éxitos parciales de los últimos tiempos ya no podían restaurar el cuerpo, socavado por la tensión interna y la privación prolongada. Desde el otoño de 1828, la salud de Schubert se deterioró.

Franz Schubert murió el 19 de noviembre de 1828 y fue enterrado junto a Beethoven. El amigo del compositor, el dramaturgo Franz Grillparzer, escribió en su tumba: "La música enterró aquí un rico tesoro y aún más bellas esperanzas".

Schubert. Sinfonía n.º 8 en si menor, "Inacabada"

Gracias a Schubert, apareció un nuevo tipo de sinfonía lírico-dramática. Una de las primeras obras maestras de la cultura musical mundial fue su sinfonía n.º 8. “Canté canciones y las canté durante muchos años. Cuando canté sobre el amor, me trajo sufrimiento, cuando canté sobre el sufrimiento, se convirtió en amor. Así el amor y el sufrimiento desgarraron mi alma., - escribió F. Schubert. Esta idea determinó el contenido de la Sinfonía No. 8. Fue una generalización de las imágenes de las obras vocales del compositor, que creció hasta el significado de los problemas vitales: el hombre y el destino, el amor y la muerte, el ideal y la realidad.

En 1865, uno de los directores de orquesta vieneses compiló un programa para un concierto de música vienesa antigua. Para hacer esto, clasificó montones de manuscritos antiguos. En un archivo desordenado, descubrió una partitura previamente desconocida de Schubert. Era una sinfonía en si menor. Se representó por primera vez en diciembre de 1865, 43 años después de su creación.

En el momento en que Schubert escribió esta sinfonía, ya era conocido como autor de hermosas canciones y piezas para piano. Pero ninguna de las sinfonías que escribió fue interpretada públicamente. La nueva sinfonía en si menor se creó primero como un arreglo para dos pianos y luego como una partitura. En la versión para piano se han conservado esbozos de tres movimientos, pero el compositor registró solo dos en la partitura. Por lo tanto, más tarde se llamó "Inacabado".

Hasta ahora, hay disputas en todo el mundo sobre si está incompleto o si Schubert encarnó completamente su plan en dos partes en lugar de las cuatro aceptadas en ese momento.

Existe la opinión de que el compositor iba a escribir una sinfonía ordinaria de cuatro movimientos. Su ideal, al que buscaba acercarse, era Beethoven. La Gran Sinfonía en do mayor de Schubert lo demostró. Y habiendo escrito estas dos partes, podía asustarse, eran tan diferentes de todo lo escrito en este género antes que él. Probablemente, el compositor no entendió que lo que creaba era una obra maestra, abriendo nuevos caminos en el desarrollo de la sinfonía, consideró la sinfonía un fracaso y abandonó la obra.

Sin embargo, las dos partes de esta sinfonía dejan la impresión de una asombrosa integridad, agotamiento. La sinfonía inacabada es una palabra nueva en este género, que abrió el camino al romanticismo. Con él, un nuevo tema ingresó a la música sinfónica: el mundo interior de una persona que siente agudamente su discordia con la realidad circundante.

La sinfonía, casi cuarenta años después de la muerte del compositor, ganó una inmensa popularidad. Schubert logró lo imposible: hablar increíblemente armoniosamente sobre la melancolía y la soledad, convertir su desesperación en hermosas melodías. Se hicieron muchos intentos para terminar la sinfonía "inacabada", pero estas versiones no echaron raíces en la práctica del concierto.

El primer movimiento de la sinfonía está escrito en forma de sonata allegro.

La sinfonía comienza con una introducción sombría, una especie de epígrafe. Este es un tema pequeño y conciso: una generalización de todo un complejo de imágenes románticas: languidez, una pregunta "eterna", ansiedad secreta, reflexiones líricas. Nace de algún lugar profundo al unísono de violonchelos y contrabajos.

Se congela como un problema sin resolver. Y luego, el susurro tembloroso de los violines y, en su contexto, el canto del tema principal. Esta melodía expresiva e implorante es interpretada por oboe y clarinete. De acuerdo con la imagen y el estado de ánimo musical y poético, el tema de la parte principal es cercano a obras como el nocturno o la elegía.

Gradualmente, la cinta de la melodía se desarrolla, volviéndose cada vez más tensa. Se reemplaza por el tema de vals suave de la parte lateral. Parece una isla de paz serena, un idilio luminoso. Pero este idilio es interrumpido por un tutti orquestal. (La palabra tutti en italiano significa "todo". Este es el nombre de un fragmento de una pieza musical interpretada por toda la orquesta). El drama entra en juego. El tema de la parte lateral parece estar tratando de romper los acordes aplastantes hacia la superficie. Y cuando este tema finalmente regresa, cuánto ha cambiado: roto, teñido de tristeza. Al final de la exposición, todo se congela.

El desarrollo se basa en el tema de la introducción. El desarrollo musical alcanza un clímax colosal. Y de repente, devastación total, solo queda una nota triste y solitaria. Comienza la repetición. Otro círculo de desarrollo dramático cae sobre la coda. Contiene la misma tensión, el patetismo de la desesperación. Pero ya no hay fuerzas para luchar. Los últimos compases suenan a epílogo trágico.

La segunda parte es un mundo de otras imágenes. Esta es la búsqueda de nuevos lados brillantes de la vida, la reconciliación con ella. Como si el héroe, que ha experimentado una tragedia espiritual, estuviera buscando la paz. Ambos temas de este movimiento destacan por su asombrosa belleza: tanto el amplio canto principal como el secundario, imbuidos de sutiles matices psicológicos.

El compositor completa la sinfonía con mucha eficacia: el tema inicial se desvanece y se disuelve gradualmente. Vuelve el silencio...

"La música de Schubert", escribió B. Asafiev, "puede decir mucho más que cualquier memoria y nota, porque en sí misma suena como un diario inagotablemente significativo y emocionalmente objetivo".

Preguntas:

1. ¿En qué año se escribió la sinfonía? ¿Cuándo fue su primera actuación?
2. ¿Por qué la sinfonía se llama "Inacabada"?
3. ¿Cuántas sinfonías escribió Schubert?
4. ¿Cuál es el tema de la sinfonía?
5. ¿Cómo afecta la naturaleza de la obra a la orquestación?
6. Describe la estructura de las partes de la sinfonía.

Presentación:

Incluido:
1. Presentación - 10 diapositivas, ppsx;
2. Sonidos de la música:
Schubert. Sinfonía n.° 8 en si menor "Inconclusa":
I. Allegro moderado, mp3;
II. Andante con moto, mp3;
Fragmentos de la primera parte de la sinfonía:
Introducción, mp3;
Parte principal, mp3;
Parte lateral, mp3;
3. Artículo adjunto, docx.

Franz Schubert (1797-1828)

Schubert, un brillante compositor austriaco que sentó las bases del romanticismo musical europeo, es una de las figuras más trágicas de la historia de la cultura musical mundial. Su vida, corta y sin alegría, no rica en acontecimientos, se truncó cuando estaba en la flor de la vida y el talento. El gran músico murió sin escuchar la mayoría de sus composiciones. En muchos sentidos, el destino de su música también fue trágico: manuscritos de valor incalculable, en parte guardados por amigos, en parte donados a alguien y, a veces, simplemente perdidos en viajes interminables, no pudieron armarse durante mucho tiempo. Algunos desaparecieron para siempre, el destino de otros no está claro. Los investigadores siguen discutiendo sobre el legado de Schubert. Contemporáneo de Beethoven, que le sobrevivió sólo un año, Schubert pertenece sin embargo a una generación completamente diferente. Si la obra de Beethoven se formó bajo la influencia de las ideas de la Gran Revolución Francesa y encarnó su heroísmo, sus ideales, entonces el arte de Schubert nació en una atmósfera de decepción y fatiga. En su tiempo ya no se hablaba de problemas humanos universales, de la reorganización del mundo. La lucha por todo esto parecía inútil. Lo más importante parecía ser preservar la honestidad, la pureza espiritual, los valores del mundo espiritual de uno.

Así nació un movimiento artístico, llamado romanticismo. Este es el arte, en el que por primera vez el lugar central lo ocupó una persona, una personalidad separada con su singularidad, con sus búsquedas, dudas, sufrimientos. Las obras de los románticos a menudo se convierten en una especie de diario lírico, su héroe es el propio artista, revelan claramente las características de la autobiografía. La obra de Schubert es el amanecer del romanticismo musical. Schubert es básicamente un letrista. Además, el letrista, tanto en una nueva forma, introducido por él en el círculo de géneros musicales "superiores": una canción-romance (Lied) y en una sinfonía.

Durante su vida, el compositor no tuvo el reconocimiento que merecía. A veces se le llamó "compositor de canciones", enfatizando que no creó nada significativo en los géneros "serios". Mientras tanto, su legado creativo es enorme. En cuanto a la intensidad de la creatividad y el significado artístico de la música de Schubert, puede compararse con Mozart. Sus composiciones para piano, incluidas hermosas sonatas marcadas por una profunda originalidad, sus cuartetos y otras obras instrumentales de cámara, misas, cantatas, oratorios, conjuntos vocales, óperas, singspiel, constituyen una riqueza que realmente comenzó a dominarse solo en el siglo XX. Se convirtió en el mayor innovador en el género sinfónico, creando un tipo de sinfonía fundamentalmente diferente en comparación con la clásica. Es cierto que él mismo no se dio cuenta de esto y consideró que su obra maestra, "Inacabada", no tuvo éxito. Las sinfonías de Schubert reflejaron varios géneros de la música folclórica del imperio austriaco multinacional: yodels tiroleses, terratenientes austríacos, valses vieneses, canciones campesinas: checa, eslovaca, morava, italiana, húngara. Surgió un tipo completamente nuevo de sinfonía: el sinfonismo de la canción, que más tarde encontraría su continuación en el trabajo de Bruckner y Mahler. Las sinfonías de Schubert son diferentes en contenido, en una variedad de estados de ánimo, desde letras y pintura sonora de paisajes hasta impulsos heroicos y tragedias profundas. “Es un error presentar a un creador universal en primer lugar como el creador de una canción en la que, por supuesto, es inimitable”, escribió Glazunov sobre Schubert. - No es menos inaccesible (mi distensión. - L. M.) como instrumentista y sinfonista. Sus obras de cámara y orquestales asombran con la grandeza y grandeza de la idea.

La coincidencia de la trayectoria creativa de Schubert y Mozart es asombrosa. Al igual que Mozart, se separó muy pronto: Schubert vivió incluso menos que su gran predecesor, pero escribió una cantidad colosal de obras en una amplia variedad de géneros. Y, como Mozart, el sinfonista Schubert completó su obra con dos brillantes sinfonías, de las cuales "Inacabada" es una menor, continuación de lo que Mozart esbozó en su Cuadragésima, y ​​la última, como la de Mozart en do mayor, es una continuación de " Júpiter".

Schubert nació el 31 de enero de 1797 en las afueras de Viena, Lichtental, en la familia de un maestro de escuela pública en uno de los barrios más pobres. Alrededor vivían artesanos, jornaleros, obreros que aparecían como hongos en las fábricas. El maestro de escuela era casi tan pobre como los padres de sus alumnos: en el año en que nació el futuro compositor, una familia en la que nacieron doce hijos (solo cuatro de ellos sobrevivieron) apiñados en un apartamento que constaba de una habitación con cocina. . En 1801, Schubert Sr. logró comprar una pequeña casa que, sin embargo, sirvió no solo como vivienda, sino también como escuela.

Ya en la primera infancia, el futuro compositor mostró habilidades musicales sobresalientes. “En el octavo año de mi vida, le inculqué los conceptos básicos de la interpretación del violín y me aseguré de que interpretara bastante bien los dúos ligeros”, recordó mi padre. - Entonces lo envié a las lecciones de canto del Sr. Michael Holzer - el regente de Lichtental. Este último me aseguró repetidamente con lágrimas en los ojos que nunca antes había conocido a un discípulo así. "Cuando quería mostrarle algo nuevo", dijo, "él ya sabía lo que se iba a discutir. Por lo tanto, no le di, de hecho, lecciones, sino que solo hablé con él y me pregunté en silencio".

A la edad de nueve años, el niño fue enviado a un convicto, un internado que lo preparó para ingresar a la universidad. Además, allí estudiaban los niños del coro de la Capilla de la Corte Imperial. Allí, además de la educación general, enseñaban canto, piano y violín. Posteriormente, el joven Schubert comenzó a dirigir. Durante sus años escolares también se manifestó su don como compositor. Compuso mucho, apenas logrando escribir, sufriendo por la falta de papel. Entre sus primeros experimentos - canciones, bailes de piano, cuartetos de cuerda, cantatas.

Dando a su hijo a condenar, el padre no significaba en absoluto su futuro musical. Por el contrario, estaba preparando su turno, queriendo ver a su hijo como maestro de escuela, un hombre respetado en su barrio. En Austria de esa época, como en Alemania, el título de maestro de escuela era uno de los más deseables para muchos: un maestro que trabajaba con niños no solo en materias generales, sino también en música, y que a menudo era al mismo tiempo un organista o regente de una iglesia parroquial, desempeñó un papel significativo en la vida de su barrio. Es cierto que su trabajo estaba mal pagado, y si en las parroquias ricas, en el centro de una gran ciudad, su vida era bastante digna, en los pueblos pobres o en los suburbios de la ciudad el Maestro apenas podía llegar a fin de mes. Y, sin embargo, era una persona importante. Por lo tanto, el mayor de los Schubert no podía imaginar otro camino para su hijo. Y el hecho de que el niño mostrara habilidades musicales sobresalientes solo contribuyó al camino elegido. Además, la perspectiva de seguir estudiando en la universidad era muy tentadora. La disciplina en los convictos era muy estricta. A los estudiantes se les prohibió salir del edificio excepto en grupos y bajo la supervisión de un alcaide. Los castigos recaían sobre los desobedientes. En ellos prevalecían el castigo y la flagelación. Schubert más tarde llamó a esta institución una prisión. Sin embargo, la educación, incluida la música, se brindó de manera excelente allí. Se fomentó la creación musical en las horas libres, y luego sonó la música de cámara -canciones, cuartetos; una orquesta estaba compuesta por estudiantes que tenían un buen dominio de los instrumentos, y todas las noches sonaban sinfonías de Haydn, Mozart e incluso Beethoven.

Distinguido por sus habilidades musicales, el joven Schubert pronto se convirtió en acompañante y luego en asistente del director de la orquesta estudiantil de V. Ruzicka. Músico experimentado, organista de la corte y violista de la orquesta del teatro, Ruzicka apreciaba plenamente a Schubert y tranquilamente permitió que lo reemplazara. A. Salieri, que vio las lecciones musicales en el convicto, notó el deseo del niño por la composición. Empezó a estudiar contrapunto con el chico, pero sus ideales estéticos eran completamente diferentes: Salieri inculcó en el alumno los principios de la escritura de ópera italiana, mientras que Schubert ya buscaba a tientas el camino que había seguido toda su vida -el género de la canción alemana-. Mintió. Sin embargo, trató al maestro con mucho respeto e incluso compuso una cantata para su aniversario. Y Salieri, según los contemporáneos, estaba complacido con el estudiante. Además, Schubert lo asombró. Entonces, después de familiarizarse con la ópera de su alumno de 16 años El castillo del placer del diablo, Salieri exclamó: “Pero él puede hacer cualquier cosa; es genial! Compone canciones, misas, óperas, cuartetos de cuerda, en fin, cualquier cosa”.

Dado que Schubert, a pesar del comienzo de la mutación de su voz, quedó encarcelado, esto solo podría significar una cosa: su talento se toma en serio. Y el padre se vio obligado a aceptar esto, aunque en sus sueños vio a su hijo como su sucesor. El joven tenía diecisiete años cuando tuvo lugar su primer estreno: el 16 de octubre de 1814, en relación con el centenario de la iglesia de Lichtental, se realizó en ella la misa en fa mayor de Schubert. El autor dirigía, uno de sus hermanos se sentaba al órgano, y el papel de primera soprano lo interpretaba la hija del dueño de una pequeña fábrica, Teresa Grab, amor de juventud del compositor.

Unos años más tarde, Schubert escribió: “.. yo amaba sinceramente, y ella también me amaba. Ella estaba<…>algo más joven que yo, y maravillosamente, con profundo sentimiento, cantó el solo de soprano en la Misa que yo escribí. Era imposible llamarla hermosa: la viruela dejó marcas en su rostro, pero su alma era maravillosa. Durante tres años esperó que me casara con ella, pero no pude encontrar un trabajo que nos mantuviera a los dos. Luego ella, siguiendo los deseos de sus padres, se casó con otro, lo que me causó un gran dolor. Todavía la amo, y desde entonces nadie me ha gustado tanto como ella. Pero no estábamos destinados a estar juntos".

Quizás el amor floreciente fue tan inspirador: incluso antes del comienzo de 1816, aparecieron obras maestras de un compositor muy joven como "Gretchen at the Spinning Wheel", "Songs from Wilhelm Meister", "Forest King" y muchas más canciones basadas en poemas. por Goethe y otros poetas alemanes. Entre los muros del convicto también se escribió la Primera Sinfonía, que el autor dedicó a su director, I. Lang. fue un adios En la última página de la partitura, Schubert escribió: “Finis et fine” - “Fin y fin”, refiriéndose al final de su estancia en el presidio, de donde literalmente huyó, incapaz de soportar más sus órdenes de cuartel. Además, el peligro de una vergonzosa exclusión pendía constantemente sobre él, ya que, al estar dedicado casi exclusivamente a la música, el joven se lanzaba en orden al resto de temas.

A la edad de 16 años, Schubert dejó al convicto. Pronto se convirtió en el centro de un círculo de amantes de la música, que incluía representantes de varios estratos sociales, tanto nobles como hijos de burgueses adinerados, funcionarios y artesanos. El rumor sobre un joven inusualmente dotado circuló por Viena. También se conservaron los contactos con los alumnos del konvikt, hasta que su dirección consideró totalmente inapropiada que Schubert acudiera allí. El joven músico escribió sus composiciones con la expectativa de una interpretación amateur que, sin embargo, fue bastante buena. Así que las siguientes sinfonías - de la Segunda a la Sexta (la Primera fue creada con menos de 17 años, la Sexta con 21 años) - fueron escritas para una orquesta amateur, que se reunía primero en la casa del padre, y luego, cuando tanto la orquesta como el número de oyentes aumentaron, en el apartamento de su líder, el violinista y director de orquesta O. Hatwig. Los cuartetos se componían para tocar en su propia familia. De 1812 a 1817 escribió doce de ellos, y él mismo tocaba la viola, sus hermanos los violines y su padre el violonchelo.

Desafortunadamente, hubo una circunstancia que complicó seriamente la vida del músico: lo amenazaron con catorce años de servicio militar, y solo el trabajo pedagógico podría salvarlo. Tuvo que convertirse en el sexto asistente de maestro de escuela en la escuela de su padre. Muy pronto, el trabajo comenzó a abrumarlo: era duro, agotador, a veces humillante y, además, solo le proporcionaba una existencia miserable. Para llegar a fin de mes de alguna manera, Schubert tuvo que dar lecciones de música. Todo esto me distrajo de escribir. Trató de conseguir un puesto como profesor de música en la escuela pública de música de Laibach (ahora Ljubljana), donde se había abierto una vacante. Contó incluso con la recomendación de Salieri. Pero se dio preferencia a otro solicitante. Los intentos de publicar canciones, que en ese momento ya se habían escrito bastante, fracasaron. La carta de Schubert a Goethe, que acompañaba al cuaderno de canciones a los versos del poeta, también quedó sin respuesta. El único éxito de los primeros años difíciles fue la interpretación de la cantata Prometeo, escrita por encargo (es decir, por dinero), que se interpretó el 24 de julio de 1816.

En 1818, el joven decidió finalmente abandonar el trabajo, lo que le quitó fuerzas, agotó el alma. Su padre fue a su encuentro y le dio un año de licencia. Schubert fue a Hungría: el conde Esterhazy von Talant lo invitó a dar lecciones de canto y piano a sus dos hijas. “Aquí estoy libre de toda preocupación... Por fin siento que vivo: gracias a Dios, ya es hora, de lo contrario me habría muerto como músico”, escribe a sus amigos. Pero a finales de noviembre, Schubert está de vuelta en Viena: se siente atraído por los amigos, por la compañía de personas cercanas en espíritu, que aman el arte tanto como él. No quiere ni puede volver a la casa de su padre, porque provoca su ira al negarse a volver a su antiguo trabajo. Comenzaron años de extrema necesidad, que fueron, sin embargo, años de libertad y de intensa creatividad. Schubert ha sido durante mucho tiempo el centro de un círculo de jóvenes unidos por el amor al arte. Poetas y funcionarios, abogados y músicos admiran el talento del compositor, creando un entorno artístico favorable para él. Schubert escribe una cantidad asombrosa de obras: canciones y ciclos vocales, sinfonías y cuartetos, piezas para piano y danzas, óperas y misas. Compone sorprendentemente rápido y fácil. Dicen de él que él mismo no crea música, sino que solo registra "influencias de arriba". No es de extrañar que algunos autores de memorias sobre él utilicen el término "clarividente". Parece que no puede evitar crear y escribe literalmente siempre y en todas partes: en un café, con amigos, mientras camina, en cualquier trozo de papel. Sin embargo, una obra tan verdaderamente fantástica no salva al compositor de la pobreza. A menudo vive al día, a veces, a expensas de amigos que lo apoyan desinteresadamente. No tiene un hogar permanente y deambula, ya sea alquilando una pequeña habitación miserable o viviendo con uno de sus amigos. Afortunadamente, las canciones de Schubert pronto encontraron un intérprete digno: el cantante de Court Opera M. Vogl. Inicialmente predispuesto contra la música de un joven desconocido, Fogl pronto se convierte en el más ferviente admirador del compositor y contribuye mucho a la difusión de sus canciones. Algunas de las obras para piano del compositor, diseñadas para la creación de música casera, también están ganando popularidad: marchas, bailes, piezas para tocar a cuatro manos. También aparecieron los primeros pedidos: para la ópera "Adrast", el singspiel "The Twin Brothers", "el cuento de hadas con música" "Magic Harp". La música de estas representaciones ha caído en el olvido: los géneros teatrales no eran el punto fuerte del compositor. Recurrió a ellos porque eran pedidos, es decir, una oportunidad real de obtener el dinero que siempre necesitó, o en un intento de hacerse un "nombre": ¡solo el autor de óperas podía recibir reconocimiento oficial en Viena! Gradualmente, entre los amigos de Schubert, se desarrolló una tradición de "schubertiads" (reuniones periódicas con el compositor). En las Schubertiades se recitaron nuevos poemas, incluidos los presentes, entre los que se encontraban poetas bastante importantes. Según las memorias de uno de los miembros del círculo de amigos, hubo conversaciones "en el campo de la política, el arte, la ciencia, la religión ...", "sobre el socavamiento de los sentimientos patrióticos por parte de la iglesia", temas de " arte, matemáticas, política, jurisprudencia y mucho más”. Esto da una idea de la amplitud de intereses tanto de los amigos del compositor como, por supuesto, de él mismo. “... En literatura, estaba lejos de ser un profano, y su capacidad para captar espiritualmente la esencia de las más diversas individualidades poéticas..., llenarlas de nueva vida y encarnar las características de cada una en bellas y nobles imágenes musicales. .. aparentemente habla bastante de cuán profundo llegaba su sentimiento, qué alma tierna había detrás de estas obras”, escribe uno de los biógrafos del compositor.

Por supuesto, la música sonaba en las Schubertiades: la interpretación de las nuevas obras del compositor se alternaba con la lectura de poesía, acompañada de representaciones de charadas y bailes. Todos los miembros del círculo eran jóvenes, y sus reuniones vespertinas también eran jóvenes en espíritu. Esto no significa que la vida siempre haya fluido sin preocupaciones. Schubert pudo elaborar un calendario claro que le permitió escribir una cantidad enorme. Por la mañana nadie se atrevía a molestarlo: la primera mitad del día siempre se dedicaba a componer. Escribió extremadamente rápido, a veces aparecían hasta ocho canciones por día. La lista completa de sus obras incluye alrededor de mil números, y después de todo, ¡le dieron un poco más de treinta años de vida! Pequeño de estatura, feo, con una cabeza desproporcionadamente grande, evitaba los salones seculares y desconfiaba de las nuevas amistades. Su vida personal no se desarrolló. Después de una espera inútil de tres años, Teresa Grub se casó con otro. Esto fue un golpe para Schubert. Pero unos años más tarde, surgió un nuevo sentimiento, aún más desesperado: se enamoró de su alumna Carolina Esterhazy, representante de una de las familias húngaras más nobles. Junto con la salud minada por la necesidad constante, esto provocó los pensamientos más sombríos. “... Me siento la persona más miserable, más miserable del mundo. Imagine un hombre cuya salud nunca se recuperará y que, desesperado por esto, solo empeora el asunto en lugar de mejorarlo; imagina a un hombre, digo, cuyas más brillantes esperanzas se han reducido a nada, a quien el amor y la amistad no le traen más que el más profundo sufrimiento, cuya inspiración de belleza (al menos la que induce a la creatividad) amenaza con desaparecer, y te pregunto si tal una persona miserable, infeliz? - estas son las líneas de una de las cartas a un amigo, que revelan la vida espiritual del compositor. No es de extrañar que sus obras maestras vocales a menudo estén imbuidas no solo de tristeza, sino también de una verdadera tragedia: basta con recordar el ciclo vocal "Winter Way", canciones como "City", "Double" y algunas otras en el ciclo "El Canto del Cisne".

Las canciones de Schubert se publican tal y como se escriben, al igual que los bailes más populares entre el público. Sin embargo, los honorarios de los editores son descaradamente injustos y solo permiten una vida casi empobrecida. Entonces, se sabe que por las canciones de "The Winter Road", uno de los mejores ciclos vocales en toda la historia de este género, ¡el editor pagó al compositor que necesitaba desesperadamente un florín por canción! Grandes obras que no tenían demanda comercial no se publicaron en absoluto.

En 1822-1823, Schubert vuelve a dedicarse a la ópera. "Alfonso y Estrella" es su novena experiencia de este tipo. Pero la dirección del teatro, a la que el compositor ofreció su obra, la rechazó. Solo se representó la obra "Rosamund" con su música. Los constantes fracasos operísticos de Schubert no son solo los culpables de la inercia de las figuras teatrales: estaba obsesionado por los fracasos con el libreto: todos eran "trabajos miserables, ineptos y nacidos muertos", como los describió uno de los amigos del compositor. Quizás, si hubiera logrado obtener un libreto realmente brillante, entonces, a pesar de la diferente orientación de su genio, la ópera habría resultado. Pero estos mismos dos años dan a luz a dos obras maestras del compositor: la Sinfonía inacabada y el ciclo vocal "La bella molinera" a los versos de V. Muller.

En el verano de 1824, Schubert fue nuevamente a la finca de los condes Esterhazy Zeliz. Durante su primera estancia allí, Schubert vivía y cenaba con la servidumbre, pero ahora le dieron una habitación en la casa solariega, se sentó a la mesa con la familia del conde. Sin embargo, aunque esto era evidencia de un mayor respeto por él como artista que había ganado autoridad, se sentía avergonzado y se quejaba en cartas de que “sentado solo en el desierto de la tierra húngara... y no hay ni una sola persona conmigo con con quien podría intercambiar palabras inteligentes". Al mismo tiempo, estar al aire libre fortaleció su salud. Regresó a Viena con renovado vigor y se instaló con su padre, con quien se produjo la reconciliación, pero en febrero de 1825 lo abandonó una vez más y se instaló de nuevo por separado. El verano del mismo año es significativo para un viaje con Vogl a la Alta Austria, que duró cinco meses completos. Pasaron seis semanas en Gmunden, donde Schubert trabajó de manera muy productiva. Hay evidencia de que fue allí donde escribió una sinfonía en Do mayor, a la que llamó Bolshoi en sus cartas. Luego, el viaje continuó, los amigos pasaron un tiempo en el famoso balneario de Gastein, donde, aparentemente, se completó la sinfonía. Entre los especialistas, todavía hay disputas sobre qué tipo de sinfonía se trata. Sin embargo, está claro que Schubert estaba lleno de energía creativa y trabajó fructíferamente. Se inspiró en la naturaleza majestuosa y hermosa de los lugares que visitó. “Este viaje me hace sumamente feliz”, le escribe a su padre, “porque veré los lugares más bellos, y de regreso visitaremos Salzburgo, famosa por su maravillosa ubicación y entorno... Difícilmente regresaré a Viena antes de finales de octubre.

Los intentos de Schubert por llevar una vida más serena y ordenada no cesan. Con todo su amor por los amigos, la vida junto a uno de ellos, que tuvo que conducir por razones materiales, lo cansó. Y en la primavera de 1826, Schubert hace otro intento desesperado por lograr la independencia material. Presenta una petición dirigida al emperador para que le conceda, en relación con la jubilación de Salieri, el puesto de vicemaestro de capilla de la corte. A pesar de que se adjuntó a su solicitud el testimonio del propio Salieri, escrito en 1819, se le negó el puesto: el asesor musical imperial decidió ahorrar dinero e invitó al jubilado Josef Weigl al puesto vacante. Y para Schubert continuaba una vida inestable, con incertidumbre sobre el futuro. Su actividad creativa no se debilita: continúa escribiendo mucho, en diferentes géneros. Aparecen obras maestras que lo glorificarán después de la muerte. Mientras tanto, ninguna de sus sinfonías ha sido interpretada, continuos fracasos acechan a las óperas. Y solo las canciones son reconocidas por todos.

La muerte de Beethoven en marzo de 1827 causó una impresión deprimente en Schubert. Fue uno de los que acompañaron al gran compositor en su último viaje. Tras el funeral, él y varios amigos se dirigieron a un restaurante, donde, tras un primer recuerdo del difunto, levantó su segunda copa "por el de los presentes que será el primero en seguir a Beethoven". Tal vez ya sintió que sería él mismo.

En el verano de 1827, Schubert fue a Estiria; desde su capital, Graz, recibió una invitación del pianista M. Pichler, quien aprecia mucho su arte. Allí descansa su alma y escribe algunas de sus mejores canciones. En septiembre, participa en un concierto benéfico de la Styrian Musical Union, en el que se interpreta su "Canción de Norman", el coro femenino y el cuarteto masculino "Power of Love". Su música también se escucha en casas particulares. La estancia en Graz dejó una profunda huella en el alma del compositor. En una carta que envió a Pichler tres días después de su regreso a Viena, dice que "pasó días tan agradables en Graz como yo no los había pasado en mucho tiempo". El año termina con un gran despegue creativo. La segunda parte de "The Winter Road" aparece en los versos de Muller, el trío de piano, la Misa alemana, Fantasía para violín y piano. Sin embargo, ni la colosal capacidad de trabajo, ni todo el creciente reconocimiento de Schubert cambian nada en las circunstancias de su vida. Los editores le roban descaradamente y sin Dios. Se quejan hipócritamente de que no hay demanda para las canciones de Schubert y, por lo tanto, pagan tarifas exiguas. Un ejemplo es suficiente: cuando Schubert estaba completamente sin un centavo, su amigo, tomando un montón de canciones nuevas y recién escritas, fue al editor. Dio 15 florines por ellos. Quince años después de la muerte de Schubert, el mismo editor se jactó de que las transcripciones para piano de las canciones de Schubert realizadas por Liszt, a quien se le pagaron 500 florines por ellas, eran excelentes. No es de extrañar que en ocasiones el compositor se sintiera abrumado por la desesperación. En el verano de 1828, nuevamente quiso visitar Graz, pero sus recursos materiales le permitieron pasar solo unos días en Baden, y aun así solo porque fue invitado por el editor de uno de los periódicos vieneses. Después de visitar el Monasterio de la Santa Cruz, donde se encontraba el famoso órgano, Schubert compuso fugas a cuatro manos, que él y su amigo interpretaron al día siguiente en presencia del abad del monasterio. El compositor salió de Viena por segunda vez en otoño: visitó Eisenstadt en la tumba de Haydn. A finales de año estaba previsto el concierto de su autor en Budapest. Este fue un gran evento para un compositor que de ninguna manera fue mimado por tales cosas. Sin embargo, el concierto no estaba destinado a realizarse. Una enfermedad que progresaba rápidamente se cobró Schubert en unas pocas semanas.

Murió el 19 de noviembre de 1828. El funeral tuvo lugar el 21 de noviembre. El funeral se llevó a cabo en la iglesia de St. Joseph en las afueras de Viena Margarethen. Se suponía que debía enterrar al compositor en el cementerio local. Pero el hermano de Schubert, recordando que en uno de los últimos días de su vida, en el delirio, el compositor pronunció las palabras: "No, no es verdad, Beethoven no está aquí", vio en ellas el deseo de descansar junto a Beethoven. Por lo tanto, después del servicio conmemorativo, el ataúd fue trasladado a la iglesia de St. Lawrence, donde tuvo lugar el segundo servicio conmemorativo, y el ataúd fue enterrado cerca de la tumba de Beethoven. Pero este no se convirtió en el último lugar de descanso: dos veces, en 1863 y en 1888, los restos de Schubert fueron perturbados. La segunda vez fueron enterrados en el Cementerio Central de Viena, junto a la tumba de Beethoven, no lejos del monumento a Mozart, las tumbas de Gluck, Brahms, G. Wolf, J. Strauss: así fue el gran compositor. finalmente plenamente reconocido.

Sinfonía No. 1

Sinfonía n. ° 1 en re mayor (1813)

Composición orquestal: flauta, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas, timbales, cuerdas.

historia de la creacion

En 1808, el pequeño Schubert fue enviado a condenar, una institución educativa similar a un gimnasio y que se preparaba para ingresar a la universidad, pero cerrada, con un internado en el que los estudiantes vivían bajo la más estricta disciplina. Al mismo tiempo, el presidiario entrenaba cantantes para el coro de la corte, por lo que la enseñanza de la música estaba muy bien organizada. El mismo A. Salieri, uno de los compositores más autorizados de Viena, observó los estudios musicales de los alumnos del convicto. Llamando la atención sobre el extraordinario talento de un alumno de Schubert, comenzó a estudiar contrapunto con él. Ya un año después del inicio de los estudios profesionales con Salieri, en 1813, Schubert escribió su Primera Sinfonía. Fue creado para el cumpleaños del director del convicto, Innocent Lang, y estaba dedicado a él. Pero al mismo tiempo, esta sinfonía era una protesta contra la vida en prisión. No sin razón, en la última página de la partitura, el joven compositor escribió: “Finis et fine” - “Fin y fin”, refiriéndose al final de su estancia en esta institución educativa. Schubert pronto simplemente se escapó de él. Sin embargo, es posible que si no hubiera hecho esto, hubiera sido expulsado por mal progreso: dedicar todo el tiempo y la diligencia a la música, el joven músico no prestó atención a otros temas en absoluto, y el director, lo mismo. Lang, lo amenazaba constantemente con la expulsión.

Es posible que la sinfonía fuera interpretada por la orquesta de la escuela. Era bastante bueno, lo dirigía un excelente músico, el checo V. Ruzicka, organista de la corte y violista de la orquesta del Burgtheater. Schubert era concertino de esta orquesta y, en ocasiones, Ruzicka confiaba en él para la dirección. Pero no se ha conservado información fiable sobre este rendimiento. En cualquier caso, no se consideraría pública, y el estreno oficial de la Primera Sinfonía se produjo recién el 19 de febrero de 1881, más de medio siglo después de la muerte del compositor, en Londres bajo la batuta de Augustus Mann.

La primera experiencia sinfónica de Schubert todavía respira con clásicos vieneses, melodías de baile juveniles y despreocupadas, el humor bonachón de Haydn, la ligereza y la gracia de Mozart dominan.

Música

La primera parte se basa en una yuxtaposición típica del estilo clásico de una introducción lenta enérgica y de voluntad fuerte, un tema principal de pasaje ligero y un tema secundario de baile. Toda la exposición está llena de pura diversión. Fragmentos menores aparecen solo en el desarrollo: el tema lateral en el timbre de los vientos adquiere un colorido elegíaco, creando un contraste con el tema valiente de la introducción, cuyo regreso abre una repetición que repite la exposición casi sin cambios.

El segundo movimiento, al ritmo de una siciliana antigua y suave, recuerda el movimiento lento de la Sinfonía de Linz de Mozart. Variando, la melodía ligera del almacén pastoral está coloreada por matices, pero no cambia su carácter. De vez en cuando, frases elegíacas destellan con acentos repentinos y un cambio de sonoridad. El joven compositor se esfuerza por impregnar toda la textura orquestal con melodía: todas las voces "cantan", tejiendo el tema principal. En la sección media de la parte, el estado de ánimo tranquilo se reemplaza por uno más agitado, y los impulsos románticos, llenos de tristeza, recuerdan que esta es la primera, aunque todavía imperfecta, pero la experiencia del futuro autor de Unfinished.

El tercer movimiento es un minué clásico. Las secciones extremas, sonoras y enérgicas, alejadas de la galante danza cortesana, se contraponen a un trío más camerístico y elegante, cuya melodía recuerda a un vals vienés. Ella está a cargo de los violines y el fagot en octava, un dispositivo haydniano favorito tomado prestado por Schubert. El final también es cercano en espíritu a Haydn. Ambos temas de la sonata allegro son similares en el estado de ánimo: alegre, despreocupado, con un tempo conmovedor y un carácter bailable, con giros melódicos comunes. La escala del finale, con abundancia de repeticiones y ausencia casi total de contrastes, da la impresión de cierta monotonía de esta primera experiencia sinfónica del joven músico.

Sinfonía No. 4

Sinfonía n.° 4, en do menor, trágica (1816)

Composición orquestal: 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetas, timbales, cuerdas.

historia de la creacion

En 1816, Schubert, de 19 años, se ha desempeñado como asistente de un maestro de escuela durante dos años. Un salario de un centavo no permite una vida digna, y el joven músico busca cambiar la situación: al enterarse de la vacante de un maestro de escuela de música en Laibach (Ljubljana), presenta una solicitud, respaldada por el testimonio de Salieri, el más grande. autoridad musical en Viena, con quien estudió contrapunto y composición en convicto. Sin embargo, se dio preferencia a otro, y Schubert tuvo que permanecer en su antiguo lugar. Sin embargo, una carga escolar grande y agotadora no desalentó el deseo de componer: la música literalmente brotó del joven. Y el año 1816 trajo al compositor, además de una gran cantidad de piezas para piano, un trío de cuerdas y una sonata para piano, una obra maestra como la balada "El rey del bosque" a los versos de Goethe, y además, dos sinfonías a la vez, escrito en abril y octubre. El motivo de escribirlos fue el deseo de ampliar el repertorio de la música casera tradicional en Viena. Los amantes de la música se reunían regularmente en la casa del padre de Schubert, tocando cuartetos de cuerda y transcripciones de pequeñas sinfonías. El joven Schubert mismo interpretó el papel de viola. El número de participantes aumentó gradualmente, de modo que tuvieron que mudarse de la casa de Schubert a la vivienda más espaciosa de uno de los músicos de la ópera, donde tocaron sinfonías más grandes: Haydn, Mozart e incluso las dos primeras sinfonías de Beethoven. Para esta orquesta amateur, Schubert, de 19 años, escribió la Cuarta y la Quinta Sinfonía, pero los miembros de la orquesta encontraron que la música de la Cuarta era demasiado complicada y el compositor nunca la escuchó en un concierto. El estreno de la Cuarta Sinfonía tuvo lugar más de veinte años después de la muerte de Schubert, el 19 de noviembre de 1849, en el concierto Euterpe de la Sociedad Musical de Leipzig.

Entre las primeras obras sinfónicas del compositor, destaca por primera vez la Cuarta con un tono menor y un carácter dramático. A diferencia de los anteriores, en él se escuchan ecos no solo de los clásicos vieneses, sus temas dramáticos y patéticos, sino también de las arias de ópera de Gluck y Cherubini.

Música

La sinfonía comienza con una introducción lenta, introduciendo al oyente en un círculo de imágenes inusuales: esta música suena majestuosa y lúgubre, con colores cromáticos, armonías audaces. En el contexto de un acompañamiento medido, los violines interpretan una melodía llena de pensamientos. Les contestan violonchelos y contrabajos. El acorde de tutti severo interrumpe el diálogo, pero continúa nuevamente y se silencia en el eco solitario del oboe con la introducción de la parte principal inquietante y agitada de la sonata allegro con acordes agudos - "explosiones" de toda la orquesta. La pintura más clara trae la apariencia de un lado tranquilo. Solo en la parte final en un poderoso fortissimo orquestal se afirma un estado de ánimo alegre. Pero no por mucho tiempo: el desarrollo vuelve a las preocupaciones de la sección inicial. Un enérgico unísono de cuerdas y vientos de madera es respondido por un lúgubre motivo descendente de oboes y fagotes, que conduce a la aparición del tema principal. Toda la elaboración se construye sobre él: el tema cambia, se escinde, al final de la elaboración sólo queda de él un breve motivo, y aquí, no en la tonalidad principal, como debería ser según los cánones clásicos, sino en un nuevo, inestable (sol menor) completamente restaurado en su integridad de la parte principal comienza una repetición. Repite la exposición casi sin cambios, y en el código se afirman una vez más, con más fuerza y ​​en mayor escala, imágenes alegres.

El segundo movimiento es un expresivo andante lírico, anticipando los movimientos lentos de las Sinfonías Inconclusa y Novena. Está construido sobre la alternancia repetida de dos temas (una forma doble de tres partes característica de Schubert). El primero es suave, como una canción, típicamente la melodía interminable de Schubert. El segundo es más tembloroso e impulsivo, calmándose gradualmente en los pases de lista de cuerdas y vientos y se convierte en una melodiosa melodía prolongada, que nuevamente se disuelve en los mismos pases de lista breves. Ambos temas se repiten con cambios menores (el segundo esta vez está en una tonalidad más oscura, si bemol menor en lugar de fa menor). Andante termina con el regreso del primer tema, fundiéndose en el sonido silencioso de las flautas.

El tercer movimiento es un enérgico minueto popular. La primera sección de la forma tripartita está imbuida de un poder que afirma la vida. Esto es, en esencia, un scherzo: el nombre "minueto" es más bien un tributo a la tradición clásica. Su trío es un terrateniente vienés, modesto y sencillo, en el espíritu de aquellas danzas que componía Schubert para hacer música casera, distinguidas por la gracia y sutileza de los colores armónicos.

La final vuelve a las imágenes de la primera parte. Escrita en forma de sonata, básicamente repite el esquema de desarrollo de la sonata allegro del primer movimiento con sus tres imágenes principales. La parte principal combina la melodía con un movimiento animado y emocionante, en el que una melodía reemplaza a otra, fusionándose con ella en una sola corriente. Este flujo incluye naturalmente una parte lateral, en la que la melodía se compone de breves motivos-exclamaciones, alternando entre violines y clarinetes sobre el fondo de pasajes rápidos de cuerdas. La parte final es una variante de la principal, sonando en mayor, ligera y alegre. El desarrollo llega misteriosamente, el tema principal sufre varias modificaciones figurativas, el colorido se espesa cada vez más, volviéndose románticamente sombrío. Pero la repetición entra ligera y afirmativamente, en do mayor. La sinfonía termina con sonidos jubilosos.

Sinfonía No. 5

Sinfonía n.° 5 en si bemol mayor (1816)

Composición orquestal: 2 flautas, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompas, cuerdas.

historia de la creacion

La Quinta Sinfonía, escrita entre septiembre y octubre de 1816, completa los primeros experimentos sinfónicos del compositor, los años de sus estudios con los clásicos. La luz, los estados de ánimo serenos, la gracia de las melodías, el equilibrio de la forma, que caracterizan las tres primeras sinfonías de Schubert, encuentran aquí la encarnación más perfecta y te hacen recordar a Mozart. La sinfonía es de cámara tanto en tamaño como en composición de la orquesta. Incluso faltan clarinetes, trompetas y timbales. Quizás esta limitación se debió a que la orquesta amateur, con la que aún contaba Schubert, no disponía de estos instrumentos. En todo caso, a diferencia de las sinfonías anteriores, la Quinta se interpretó en casa de Otto Hatwig (así se llamaba el músico del teatro de la ópera, a quien pasaban las reuniones de la orquesta amateur después de que ya no cabían en el apartamento de padre de Schubert). Esto sucedió en el otoño del mismo año, 1816. Pero entonces su destino fue el mismo que el de otras partituras de Schubert. Yació durante muchos años antes de esperar una representación pública en Londres el 1 de febrero de 1873.

Música

El carácter de la sinfonía se determina inmediatamente en el primer movimiento, que carece de la tradicional introducción lenta. Pasajes ligeros de violines, motivos de baile, lanzados de violines a violonchelos y de flauta a violines, acordes de viento de madera transparentes: todo da lugar a una sensación de alegría de vivir juvenil y despreocupada. Aparecen motivos más enérgicos y resolutivos, son reemplazados por el tema de un almacén lírico-danzario, pero nada perturba el tono jovial general. Y casi nada recuerda a Schubert el romántico -sólo unos trazos presagian el futuro: es como una nube cubrió el sol por un momento- técnica característica del claroscuro, el juego de menor y mayor; aquí hay un efecto colorido - un giro en una tonalidad inesperada. Los partidos principales y secundarios no se oponen: este es un mundo. Otros colores aportan conexiones más enérgicas, asertivas y finales. La elaboración es lacónica y crea un efecto colorista brillante por su introducción en una tonalidad inesperadamente lejana, no preparada de antemano. El tema principal sobre el que se construye el desarrollo adquiere aquí las características de la decisión, incluso la severidad, pero la repetición restaura el estado de ánimo anterior.

Un segundo movimiento lento con una melodía suave y elegante de las cuerdas, giros suaves y redondeados, ecos medidos de cuerdas e instrumentos de viento podría haber sido escrito por Mozart. Pero poco a poco, a través de la regularidad y claridad clásicas, típicamente schubertianas, comienzan a aparecer rasgos románticos, principalmente en el segundo tema, una melodía-diálogo sincera de violines y vientos, como llena de aromas de bosques y praderas e impregnada de folklore. espíritu, con maravillosas transiciones coloridas. Estos dos temas se repiten formando una doble forma tripartita.

En la tercera parte, clásica y romántica, Mozart y Schubert se entrelazan aún más estrechamente. Imágenes del ingenioso terrateniente penetran el minueto; la frescura de la música popular emana de los ecos transparentes de violines y violonchelos, flauta y oboe. Y en la sección central, un trío, finalmente gana la danza folclórica: tanto en la melodía repetitiva sin complicaciones de una auténtica canción ucraniana, presentada por el violín y el fagot, como en los sonidos antiguos de violonchelos y contrabajos que imitan el gaita.

La cuarta parte de baile despreocupado recuerda a otro clásico vienés: Haydn, quien sirvió de modelo para el joven Schubert. Las cuerdas y los instrumentos de madera resuenan alegremente, y el autor no puede separarse de esta melodía, volviendo a ella una y otra vez. Al igual que Haydn, los dos temas principales del final, escritos en forma de sonata, están cerca uno del otro: el mismo ritmo de baile, los mismos pases de lista de violines y flauta. Otro tema trae a la mente el primer movimiento: el final refuerza los estados de ánimo juveniles brillantes y serenos que dominaron desde el comienzo de la sinfonía.

Sinfonía No. 8

Sinfonía n.° 8, en si menor, inacabada (1822)

historia de la creacion

En 1865, el director de orquesta de la corte vienesa, Johann Herbeck, mientras compilaba un programa para un concierto de música vienesa antigua, comenzó a hurgar en montones de manuscritos olvidados. En el archivo desordenado del presidente de la Sociedad Musical Aficionada de Estiria, A. Huttenbrenner, descubrió una partitura previamente desconocida de Schubert. Era una sinfonía en si menor. Bajo la dirección de Herbeck, sonó por primera vez el 17 de diciembre de 1865 en un concierto de la Vienna Society of Music Lovers. El compositor lo creó durante los últimos meses de 1822. Durante estos años ya era ampliamente conocido en Viena como autor de muchas canciones excelentes y piezas para piano populares, pero ninguna de sus sinfonías anteriores había sido interpretada públicamente, y nadie más que sus amigos más cercanos lo conocían como sinfonista. La nueva sinfonía se creó primero como un arreglo para dos pianos y luego como una partitura. En la edición para piano se han conservado esbozos de tres partes de la sinfonía, pero el compositor grabó solo dos en la partitura. No volvió más a esta sinfonía. Es por eso que más tarde recibió el nombre de Inacabado.

Todavía hay debate sobre si esta sinfonía está realmente inacabada o si Schubert encarnó completamente su plan en dos movimientos en lugar de los cuatro generalmente aceptados. Sus dos partes dejan una impresión de asombrosa plenitud, de agotamiento. Esto permitió a algunos investigadores afirmar que el compositor no pretendía continuar, ya que plasmó su idea en dos partes. Sin embargo, se han conservado bocetos de la partitura del tercer movimiento, que por alguna razón quedaron en el boceto. Además, entre la música de la obra "Rosamund", escrita en el mismo período, hay un intermedio, también escrito en si menor -una tonalidad muy raramente utilizada- y de carácter similar al final sinfónico tradicional. Algunos investigadores de la obra de Schubert se inclinan a creer que este intermedio, junto con los bocetos de un scherzo, constituye el ciclo habitual de cuatro movimientos.

No hay conexiones temáticas con la Inconclusa en este intermedio, por lo que no se puede decir con certeza que debería haber sido el final de la sinfonía. Al mismo tiempo, tales conexiones son visibles en los bocetos de la tercera parte. Quizás la más probable parece ser la opinión también expresada en las páginas de los libros dedicados a Schubert: iba a escribir una sinfonía corriente en cuatro movimientos, pero, a diferencia de la canción, en la que era un maestro soberano y seguro de sí mismo, no se sentía confiado en el género sinfónico. Después de todo, todavía no ha podido escuchar ninguna de sus sinfonías en un sonido orquestal profesional. Y no aspiraba en absoluto a ser un innovador: su ideal, al que soñaba acercarse, era Beethoven, lo que demostró con la siguiente Gran Sinfonía en do mayor. Y habiendo escrito estas dos partes, podría estar asustado: eran tan diferentes a todo lo escrito en este género antes que él.

Por cierto, esta no fue su primera sinfonía que resultó inacabada: antes de eso, en agosto de 1821, escribió una sinfonía en mi mayor (condicionalmente considerada la Séptima), cuya partitura estaba escrita en bocetos. Ya muestra los acercamientos a los próximos dos ciclos sinfónicos - como parte de una orquesta, escala, un sabor romántico distinto. Quizás el compositor no comenzó a terminarlo, ya que aún no había encontrado un nuevo camino por el que pensara moverse. Además -uno solo puede adivinar sobre esto- el camino de lo Inacabado tampoco le pareció fructífero: sin darse cuenta de que lo que había creado era una obra maestra que abría caminos completamente nuevos en la sinfonía, Schubert lo consideró un fracaso y dejó el trabajo. Además, no hay motivo para considerarla un ciclo completo en dos partes, ya que no sólo Schubert, sino también compositores posteriores, hasta el siglo XX, suelen mantener las proporciones tonales de las partes: la sinfonía debe concluir con la misma (o la tonalidad homónima) en la que comenzó. La única innovación audaz fue la creación por parte de Mahler del final de la Novena Sinfonía, en re mayor, en re bemol mayor, sin embargo, completamente justificada por la idea misma. En la época de Schubert era completamente impensable crear una obra que comenzara en si menor y terminara en mi mayor, pero la tonalidad de la subdominante bien podría aparecer en una de las partes intermedias del ciclo. Unfinished es una de las páginas más poéticas del tesoro de la sinfonía mundial, una palabra nueva y audaz en el más complejo de los géneros musicales, que abrió el camino al romanticismo. Con él, un nuevo tema ingresa a la música sinfónica: el mundo interior de una persona que es muy consciente de su discordia con la realidad circundante. Este es el primer drama lírico-psicológico del género sinfónico. Desafortunadamente, su aparición en el escenario se retrasó casi medio siglo, y la sinfonía, que sorprendió a los músicos que la descubrieron, no tuvo el impacto que podría haber tenido en el desarrollo de la música en el momento oportuno. Sonaba cuando ya se habían escrito las sinfonías románticas de Mendelssohn, Berlioz, Liszt.

Música

Primera parte. En algún lugar de las profundidades, al unísono de violonchelos y contrabajos, aparece un tema de apertura cauteloso, que desempeña el papel de una especie de leitmotiv de la sinfonía. Se congela como un problema sin resolver. Y luego, un susurro tembloroso en los violines y contra su fondo, el canto del tema principal. La melodía es sencilla y expresiva, como si rezara por algo, entonada por oboe y clarinete. Un fondo agitado, estremecido y exteriormente sereno, pero lleno de tensión interior crea la cantilena más expresiva, la imagen típicamente romántica. Poco a poco, la cinta de la melodía se desarrolla. La música se vuelve cada vez más tensa, llegando a fortissimo. Sin el Linker, obligatorio para los clásicos vieneses, separado solo por una transición lacónica (sonido de cuernos que se estira) de la parte principal, comienza una parte lateral. Los violonchelos cantan a sus anchas una suave melodía de vals. Hay una isla de paz serena, un idilio luminoso. Balanceo medido, como arrullador, acompañamiento. Este tema adquiere un carácter aún más brillante cuando es recogido y trasladado a un registro más alto del violín. De repente, el canto-danza libre y sin restricciones se interrumpe. Después de un completo silencio (pausa general) - una explosión de tutti orquestal. Otra pausa, y otro estallido de trémolo de trueno. El idilio se interrumpe, el drama cobra vida. Acordes aplastantes se elevan violentamente, fragmentos del acompañamiento de un tema secundario responden con gemidos quejumbrosos. Parece estar tratando de salir a la superficie, pero cuando finalmente regresa, su apariencia ha cambiado: está rota, pintada con dolor. Al final de la exposición, todo se congela. Vuelve, como destino inevitable, el motivo misterioso y siniestro de la entrada. El desarrollo se basa en el motivo de apertura y las entonaciones del acompañamiento de la parte lateral. El drama se intensifica, convirtiéndose en un patetismo trágico. El desarrollo musical alcanza un clímax colosal. De repente hay una postración completa. Fragmentos agotados de motivos se disipan, sólo queda una nota triste y solitaria. Y de nuevo, el tema introductorio se cuela desde las profundidades. Comienza la repetición. La coda, en la tradición de Beethoven, fue creada como un segundo desarrollo. Contiene la misma tensión dolorosa, el patetismo de la desesperación. Pero la lucha ha terminado, ya no quedan fuerzas. Los últimos compases suenan a epílogo trágico.

La segunda parte de la sinfonía es un mundo de otras imágenes. Aquí: reconciliación, la búsqueda de otros lados más brillantes de la vida, contemplación. Como si el héroe, que ha vivido una tragedia espiritual, buscara el olvido. Los pasos de bajo (contrabajo pizzicato) suenan medidos, se superponen con una melodía de violín simple, pero sorprendentemente hermosa, soñadora y sincera. Repetido repetidamente, varía, cubierto de cánticos expresivos. Aumento dinámico a corto plazo de tutti, y nuevamente un movimiento tranquilo. Tras una breve conexión, aparece una nueva imagen: la melodía es ingenua y, al mismo tiempo, profunda, más individual que el primer tema, triste, cálida, que recuerda a una voz humana, reemplazando los timbres del clarinete y el oboe. llena de viva inquietud. Esta es una parte lateral de la forma de sonata lacónica. También varía, adquiriendo a veces un carácter agitado. De repente, hay un punto de inflexión en su fluidez: suena dramático en una poderosa presentación de toda la orquesta. Pero un estallido corto es reemplazado por un desarrollo expresivo, rico en imitaciones: este es un desarrollo breve, que termina con largos acordes de cuerdas, las llamadas misteriosas de los cuernos y maderas individuales. La sutil grabación de sonido orquestal conduce a una repetición. En el código, hay un desvanecimiento gradual, una disolución del tema inicial. Vuelve el silencio...

Sinfonía No. 9

Sinfonía n.° 9, en do mayor (1828)

Composición orquestal: 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas, 3 trombones, timbales, cuerdas.

historia de la creacion

Diez años después de la muerte de Schubert, en 1838, Robert Schumann, que era un apasionado admirador de su obra, encontró la partitura de una gran sinfonía en do mayor entre los papeles del hermano del difunto compositor. Se desconoce el tiempo exacto del trabajo del compositor en él. La mano del compositor en las marcas de partitura: marzo de 1828. Pero esta puede ser la fecha del final de la obra y la fecha de su última edición.

Durante mucho tiempo, los investigadores del trabajo del compositor creyeron que la sinfonía se escribió en los meses anteriores, pero no se conservó información sobre el trabajo en la sinfonía en ese momento en los Documentos supervivientes. Al mismo tiempo, es absolutamente seguro que Schubert estaba trabajando en una sinfonía en el verano de 1825, que él mismo llamó la "Gran Sinfonía en Do". Luego pasó cinco meses en la Alta Austria con el cantante Vogl, su amigo, un brillante intérprete de sus canciones. Seis semanas de este tiempo las pasaron en el balneario de Gmunden, donde el compositor trabajó muy intensamente en la sinfonía, que completó, aparentemente, después de mudarse a otro balneario, Gastein. Unos meses después de la muerte de Schubert, en un esbozo de la biografía del compositor, otro de sus amigos, Bauernfeld, escribió: “Entre las obras más grandes de los últimos años también se incluye la sinfonía escrita en Gastein en 1825, que al autor le encantó especialmente”. Sin embargo, no se pudo encontrar ninguna sinfonía relacionada con esta época. Algunos biógrafos posteriores incluso consideraron que sólo existía una versión para piano, que quedó conocida como la sonata en do mayor para piano a cuatro manos. Solo los estudios más recientes han demostrado de manera suficientemente convincente que fue entonces cuando se escribió la última sinfonía del gran compositor fallecido prematuramente. En marzo de 1828, aparentemente hizo algunos ajustes a su partitura, lo que explica la fecha conservada en el manuscrito. La primera interpretación de la Gran Sinfonía en do mayor, como suele llamarse, tuvo lugar el 21 de marzo de 1839 en Leipzig por la Orquesta de la Gewandhaus bajo la batuta de Felix Mendelssohn y abrió el mundo al sinfonista Schubert. “Una obra gigantesca, que se distingue por su enorme tamaño y el enorme poder y riqueza de la inspiración invertida en ella”, habló Tchaikovsky de esta sinfonía. Schumann dibujó cuadros completos en la música de la sinfonía: "Viena, con sus ojos de San, hace sonar cuerdas que de otro modo nunca habrían sonado en nosotros..."

La sinfonía que completa el camino creativo de Schubert es un amplio lienzo imbuido de poder épico, completamente diferente a todas las demás sinfonías del compositor.

Música

La primera parte se abre con una pensativa melodía de trompeta. Al principio suena sin acompañamiento, como un canto conmovedor, suave y tranquilo. Entonces el fondo la envuelve: entran otros instrumentos, crece la sonoridad, como si se abriera una flor gigante. Tranquilos, como el eco de un bosque, los motivos responden con un poderoso acorde. "Introducción romántica de lujo" (Schumann) conduce a la parte principal. Su música es valiente, decidida. Motivos de fanfarria, ritmo enérgico, rapidez de movimiento lo relacionan con la Séptima Sinfonía de Beethoven. Desarrollándose rápidamente, el tema alcanza una brillante culminación. Un breve momento, y aparece una nueva imagen. Este es un tema secundario: una canción, con ritmos alternados de dos y tres tiempos, con la melodía balanceándose contra el fondo oscilante de las cuerdas. Tiene suavidad, astucia ligera y gracia ilimitada. La canción inherente a Schubert tiene aquí un carácter especial, no lírica, como es habitual en los temas secundarios, sino folk-masa, continuando el movimiento de la principal en una forma de danza algo más relajada con rasgos del folclore húngaro. En la parte final se utiliza el motivo de la introducción, que suena solemne y majestuosa en los trombones. El desarrollo es amplio, se desarrolla libremente, en el que los temas familiares aparecen en otras formas, se colorean con nuevos colores. Suena secretamente la transición a la repetición, prolongada en comparación con la exposición. El código de la parte, que ha crecido hasta un tamaño enorme, es entusiasta y afirma la vida.

La segunda parte es un cuadro amplio en el que se alternan escenas de género con otras líricas, el heroísmo convive con momentos de concentración. Su carácter general es estricto, sereno, subordinado al ritmo de marcha de la procesión de baile. El primer tema, interpretado por un oboe solista con un tacaño acompañamiento de cuerdas, se distingue por un carácter sobrio y ligeramente melancólico. En sus entonaciones también brillan los rasgos del folclore húngaro. El segundo tema es más amplio, cantado y lírico. Todo andante se basa en la alternancia, desarrollo y cambios de estos temas. Al igual que en las sinfonías Cuarta y Quinta, la forma se basa en una combinación de principios tripartitos, de sonata y de variación, pero ambos temas están tan desarrollados que en sí mismos son formas tripartitas complejas.

La tercera parte, el scherzo, tiene un tamaño grandioso. No está dominado por el movimiento rápido, sino por el continuo. La naturaleza de la música está asociada con las entonaciones populares austriacas, los ritmos de vals se captan fácilmente en ella. Hay asociaciones con la imagen de una fiesta nacional, festividades en las calles y plazas de Viena. Las secciones extremas del scherzo se destacan por sus timbres de claroscuro: ligeros reflejos de vientos de madera, melodías de violín simples pero encantadoras se combinan con bajos móviles y al mismo tiempo pesados. La sección central del formulario de tres partes es un landler simple y ligeramente pesado. Los cuadros poderosos, con un toque heroico, que enmarcan al trío son tan significativos que ellos mismos crecen en forma de sonata, aunque los temas principales y secundarios no crean contraste, fusionándose en un movimiento de danza común.

Brillantes fanfarrias de tutti abren el final de la sinfonía. La llamada se repitió dos veces, y ahora todo giraba en una carrera rápida y jubilosa, como si se hubiera desarrollado un resorte fuertemente retorcido. Después de una pausa general, aparece una nueva imagen: una melodía ferviente y ligeramente astuta (parte lateral de la forma de sonata) con un ritmo de paso claro que se escucha primero en voz baja, luego más fuerte, como si una procesión festiva se acercara desde lejos. La música crea la impresión de olas onduladas, desde sonidos apagados apenas audibles hasta clímax poderosos. Un tema reemplaza a otro, como si diferentes escenas pasaran ante nuestros ojos, imbuidas del mismo estado de ánimo: júbilo alegre, triunfo.

Después de la Quinta Sinfonía se inició un sexenio de nuevas búsquedas en el campo de la música instrumental. Durante estos años se escribieron la Sexta Sinfonía en do-dur (1818), próxima a la última sinfonía del compositor, y la inacabada Séptima en e-moll.

Y finalmente, en 1822, apareció "Unfinished", la primera sinfonía lírica, expresada por medios románticos terminados. Manteniendo los principios básicos del sinfonismo de Beethoven - seriedad, dramatismo, profundidad - Schubert mostró en su obra un nuevo mundo de sentimientos. Una atmósfera poética íntima, una triste consideración dominan su estado de ánimo.

Sin embargo, aquí hay un choque: serio, profundo, intenso. El eterno conflicto entre la realidad y el sueño que vive en el alma de todo romántico define el carácter dramático de la música. Todas las colisiones se desarrollan en el mundo interior del héroe.

El carácter profundamente lírico de esta obra, inusual en la música sinfónica, se asocia con las imágenes del romance schubertiano. Por primera vez, las letras vocales románticas se convirtieron en el "programa" de una obra sinfónica generalizadora. Incluso los medios expresivos más característicos de la "Sinfonía Inacabada" parecen directamente trasladados del ámbito del canto*.

* La sinfonía en sol menor de Mozart suele señalarse con razón como la predecesora inmediata de la Inconclusa. Y sin embargo, aunque la sinfonía de Mozart es innegablemente lírica, sin embargo, el depósito entonativo de sus temas, la estructura de la sonata allegro y la dramaturgia de todo el ciclo se asocian a rasgos típicos de la estética del clasicismo.

Las nuevas imágenes líricas y los medios expresivos correspondientes a ellas no encajaron en el esquema de la sinfonía clasicista y llevaron a la transformación de la forma tradicional. La naturaleza en dos partes de la "Sinfonía inacabada" no puede considerarse como una consecuencia de la incompletud. La proporción de sus partes no repite en absoluto los patrones de las dos primeras partes del ciclo clasicista. Se sabe que Schubert, habiendo comenzado a componer el tercer movimiento, el minué, pronto abandonó la idea de continuarlo. Ambas partes se equilibran como dos cuadros lírico-psicológicos equivalentes.

En la peculiar estructura de esta sinfonía, hubo una tendencia a superar el ciclo instrumental multiparte, que sería característico de la sinfonía romántica del siglo XIX.

Desde los primeros sonidos de la sinfonía, el oyente se sumerge en la esfera emocional del romance. En las entonaciones amortiguadas y misteriosas del "discurso" del tema de introducción, las características de la canción de Schubert ya son tangibles (unísono de contrabajos y violonchelos en registros bajos en pianissimo):

Un fondo colorido, como una introducción de piano a un romance, precede a la aparición del tema principal. El persistente tema lastimero de la parte principal, que recuerda a la melodía de una canción, va acompañado de un tembloroso "acompañamiento" de ostinato:

El tema de la parte lateral, que suena en el timbre profundo de los violonchelos, se distingue por un raro encanto melódico. Está conectado con la canción cotidiana vienesa en muchos de sus detalles expresivos (comenzando con un fondo sincopado pulsante y terminando con una simetría estructural según el esquema ABBA):

El tema principal, triste, que fluye libremente, con su estado de ánimo inquietante, se opone directamente a la letra ligera del secundario. Se crea un nuevo efecto de contraste dentro de las imágenes líricas. Esto conduce a una modificación significativa de la estructura interna de la forma sonata.

La parte principal se establece en forma de período completo. No hay partes de conexión de desarrollo dinámico, ni oposiciones tonales agudas, típicas de la sonata allegro de la sinfonía clásica. El tema principal "conecta" con dos acordes secundarios. La relación tonal no es tradicional, sino terciadas (h-moll - G-dur en exposición, h-moll - D-dur en repetición). Pero, por otro lado, se desarrolla un choque tenso dentro del grupo lateral aparentemente idílico y pacificado. Su culminación (antes del final de la exposición en el momento del avance de la parte lateral) es comparable en todo su poder dramático a los picos dinámicos de Beethoven.

Las diversas técnicas colorísticas juegan un papel muy importante en el desarrollo de los temas. Un fondo colorido es un elemento integral de la expresividad de cada tema. El efecto de la "introducción de piano" precede a la aparición no solo de la parte principal, sino también de la parte secundaria. Las entonaciones del fondo se entretejen orgánicamente en el desarrollo de la sonata: el desarrollo marcadamente dramático se basa en el tema de la introducción y en el "fondo" que lo acompaña de la parte lateral.

Schubert encontró muchos efectos coloridos y expresivos sutiles en la textura misma. Pero sobre todo, el colorido de su pensamiento se manifestó en el sonido orquestal. El enorme papel de los instrumentos de viento de madera (tanto como instrumentos solistas principales para mejorar la expresividad vocal de la melodía, como en una nueva combinación tímbrica enriquecida), los registros graves y los sonidos al unísono de las cuerdas, el pianissimo orquestal, las técnicas de pasar lista, los efectos de “pedal” han modificó y enriqueció el sonido de la antigua orquesta.

El segundo movimiento, Andante con moto, está lleno de la misma reflexión poética que el primero, pero sin su dramatismo; la música adquiere un carácter más ilustrado y masculino, incluso con algunos matices heroicos. Supera la ansiedad y la tristeza de la primera parte. De la confusión mental, solo queda un recuerdo.

Los rasgos de entonación y el tipo de desarrollo de la segunda parte están muy relacionados con los rasgos más característicos de Allegro*.

* La forma Andante es una sonata sin elaboración.

Ambos temas se distinguen por su asombrosa belleza: tanto el principal amplio y melodioso, presentado en forma de canción completa de tres partes, como el secundario, imbuido de sutiles matices psicológicos que se enfatizan con modulaciones de maravilloso color. El compositor encontró un notable efecto de desvanecimiento al final de la obra.

Ninguno de los compositores de la primera mitad del siglo XIX conocía la Sinfonía inacabada de Schubert. El manuscrito fue descubierto recién en 1865, después de que Mendelssohn, Berlioz, Schumann y Liszt contribuyeran a la formación del sinfonismo romántico.

1 Obra sinfónica: primeras sinfonías, sinfonías románticas - "Inconclusa" y sinfonía C-dur.

Las primeras sinfonías de Schubert se caracterizan por su cercanía a la escuela clasicista vienesa. De estos, los más significativos son el Cuarto "Trágico" (c-moll, 1816), y el Quinto (B-dur, 1816). Estas obras han tomado un lugar firme en el repertorio sinfónico.

gracias a su encanto melódico, plasticidad de forma, sutileza de instrumentación.

La cuarta, C-moll, que el compositor llamó "Trágica", reproduce las típicas imágenes heroico-trágicas que se desarrollaron en el ambiente público en vísperas de la Revolución Francesa. En música, este tema heroico-trágico fue descubierto por Gluck y desarrollado por Beethoven con una perfección insuperable. En la Cuarta Sinfonía de Schubert, no son sus nuevas entonaciones las que suenan (aunque para entonces ya se habían creado Margarita en la rueca y El zar del bosque), sino el patetismo trágico del estilo clasicista que ya se ha hecho familiar. En el tema principal, en particular, se puede escuchar el Orfeo de Gluck, la obertura de Cherubini a Medea, el cuarteto C-moll de Beethoven (cuya similitud entonativa y temática con la sinfonía de Schubert es simplemente sorprendente), y su Patética Sonata, y ecos de la heroica- sinfonías dramáticas y oberturas.

La introducción golpea con su profundidad emocional, audacia de expresión, prometiendo un alcance casi beethoveniano y un poder apasionadamente trágico:

Ejemplo 118a

Ejemplo 118b

Pero en el futuro, Schubert no se mantiene en este nivel, y la sinfonía en su conjunto se percibe como una imitación algo esquematizada de Beethoven. Solo la segunda parte lírica, con su canto inspirado y su emotividad desenfrenada, anuncia el surgimiento de Schubert, el sinfonista romántico.

La Quinta Sinfonía tiene un carácter cercano a la música instrumental de Mozart. Juguetona, soleada, transparente, poetiza las imágenes del primer clasicismo vienés. divertido en la primera parte

una danza equilibrada al estilo de Mozart es reemplazada por episodios de un almacén de ópera. El ariose cantilena del segundo movimiento reproduce los rasgos del estilo “sensible” del siglo XVIII, y el baile del final recuerda a los finales de danza folclórica de Haydn o de los primeros Beethoven:

Ejemplo 119a

Ejemplo 119b

Ejemplo 119c

Haciendo gala de un impecable sentido de la proporción, Schubert reproduce aquí la "caballería", la simetría, clara disección de la sinfonía clasicista del siglo XVIII, que sigue estando muy asociada a las tradiciones de la suite.

Después de la Quinta Sinfonía se inició un sexenio de nuevas búsquedas en el campo de la música instrumental. Durante estos años se escribieron la Sexta Sinfonía en do-dur (1818), próxima a la última sinfonía del compositor, y la inacabada Séptima en e-moll.

Y finalmente, en 1822, apareció "Unfinished", la primera sinfonía lírica, expresada por medios románticos terminados. Manteniendo los principios básicos del sinfonismo de Beethoven -

seriedad, dramatismo, profundidad - Schubert mostró en su obra un nuevo mundo de sentimientos. Una atmósfera poética íntima, una triste consideración dominan su estado de ánimo.

Sin embargo, aquí hay un choque: serio, profundo, intenso. El eterno conflicto entre la realidad y el sueño que vive en el alma de todo romántico define el carácter dramático de la música. Todas las colisiones se desarrollan en el mundo interior del héroe.

El carácter profundamente lírico de esta obra, inusual en la música sinfónica, se asocia con las imágenes del romance schubertiano. Por primera vez, las letras vocales románticas se convirtieron en el "programa" de una obra sinfónica generalizadora. Incluso los medios expresivos más característicos de la "Sinfonía Inacabada" parecen trasladados directamente del ámbito del canto.

Las nuevas imágenes líricas y los medios expresivos correspondientes a ellas no encajaron en el esquema de la sinfonía clasicista y llevaron a la transformación de la forma tradicional. La naturaleza en dos partes de la "Sinfonía inacabada" no puede considerarse como una consecuencia de la incompletud. La proporción de sus partes no repite en absoluto los patrones de las dos primeras partes del ciclo clasicista. Se sabe que Schubert, habiendo comenzado a componer el tercer movimiento, el minué, pronto abandonó la idea de continuarlo. Ambas partes se equilibran como dos cuadros lírico-psicológicos equivalentes.

En la peculiar estructura de esta sinfonía, hubo una tendencia a superar el ciclo instrumental multiparte, que sería característico de la sinfonía romántica del siglo XIX.

Desde los primeros sonidos de la sinfonía, el oyente se sumerge en la esfera emocional del romance. En las entonaciones amortiguadas y misteriosas del "discurso" del tema de introducción, las características de la canción de Schubert ya son tangibles (unísono de contrabajos y violonchelos en registros bajos en pianissimo):

Ejemplo 120

Un fondo colorido, como una introducción de piano a un romance, precede a la aparición del tema principal. persistente quejumbroso

el tema de la parte principal, que recuerda a la melodía de una canción, va acompañado de un "acompañamiento" de ostinato tembloroso:

Ejemplo 121

El tema de la parte lateral, que suena en el timbre profundo de los violonchelos, se distingue por un raro encanto melódico. Está conectado con la canción doméstica vienesa en muchos de sus detalles expresivos.

(comenzando con un fondo sincopado pulsante y terminando con simetría estructural según el esquema ABBA):

Ejemplo 122

El tema principal, triste, que fluye libremente, con su estado de ánimo inquietante, se opone directamente a la letra ligera del secundario. Se crea un nuevo efecto de contraste dentro de las imágenes líricas. Esto conduce a una modificación significativa de la estructura interna de la forma sonata.

La parte principal se establece en forma de período completo. No hay partes de conexión de desarrollo dinámico, ni oposiciones tonales agudas, típicas de la sonata allegro de la sinfonía clásica. El tema principal "conecta" con dos acordes secundarios. La relación tonal no es tradicional, sino terciadas (h-moll - G-dur en exposición, h-moll - D-dur en repetición). Pero, por otro lado, se desarrolla un choque tenso dentro del grupo lateral aparentemente idílico y pacificado. Su culminación (antes del final de la exposición en el momento del avance de la parte lateral) es comparable en todo su poder dramático a los picos dinámicos de Beethoven.

Las diversas técnicas colorísticas juegan un papel muy importante en el desarrollo de los temas. Un fondo colorido es un elemento integral de la expresividad de cada tema. El efecto de la "introducción de piano" precede a la aparición no solo de la parte principal, sino también de la parte secundaria. Las entonaciones del fondo se entretejen orgánicamente en el desarrollo de la sonata: el desarrollo marcadamente dramático se basa en el tema de la introducción y en el "fondo" que lo acompaña de la parte lateral.

Schubert encontró muchos efectos coloridos y expresivos sutiles en la textura misma. Pero sobre todo, el colorido de su pensamiento se manifestó en el sonido orquestal. El enorme papel de los instrumentos de viento de madera (tanto como instrumentos solistas principales para mejorar la expresividad vocal de la melodía, como en una nueva combinación tímbrica enriquecida), los registros graves y los sonidos al unísono de las cuerdas, el pianissimo orquestal, las técnicas de pasar lista, los efectos de “pedal” han modificó y enriqueció el sonido de la antigua orquesta.

El segundo movimiento, Andante con moto, está lleno de la misma reflexión poética que el primero, pero sin su dramatismo; la música adquiere un carácter más ilustrado y masculino, incluso con

con un aire heroico. Supera la ansiedad y la tristeza de la primera parte. De la confusión mental, solo queda un recuerdo.

Los rasgos de entonación y el tipo de desarrollo de la segunda parte están muy relacionados con los rasgos más característicos de Allegro.

Ambos temas se distinguen por su asombrosa belleza: tanto el principal amplio y melodioso, presentado en forma de canción completa de tres partes, como el secundario, imbuido de sutiles matices psicológicos que se enfatizan con modulaciones de maravilloso color. El compositor encontró un notable efecto de desvanecimiento al final de la obra.

Ejemplo 123a

Ejemplo 123b

Ninguno de los compositores de la primera mitad del siglo XIX conocía la Sinfonía inacabada de Schubert. El manuscrito fue descubierto recién en 1865, después de que Mendelssohn, Berlioz, Schumann y Liszt contribuyeran a la formación del sinfonismo romántico.

La novena sinfonía en C-dur (1828) es una obra tan innovadora como la "Inacabada". Pero si este último era una expresión de estados de ánimo íntimos, entonces el Noveno, brillante, joven, lleno de vitalidad, es la encarnación de imágenes heroicas populares. Incluso en sus "largos divinos" (Schumann) se siente la poesía épica. Para Schumann, responsable del descubrimiento de esta obra, parecía ser la personificación del espíritu de Viena: su cultura popular, su historia, su naturaleza.

En la Novena Sinfonía, uno puede sentir el reflejo del motivo más candente de la modernidad: el motivo de la guerra y la paz, bajo cuyo signo se formó la visión del mundo del artista de la generación de Schubert. Al mismo tiempo, imágenes del folklore nacional viven en esta música. Entonces, la introducción, con su sonido “mágico” de cuernos y la transformación colorida de un tema brillantemente original, está coloreada con el color del “romance del bosque”:

Ejemplo 124

Esta imagen, dominante en el folclore alemán, se volverá típica de la poesía y la ópera románticas del siglo XIX (Eichendorff en poesía, Weber, Marschner, Wagner en música). En la introducción, también hay un efecto que recuerda el acercamiento gradual de una procesión solemne.

El sabor romántico de la sinfonía es palpable en muchos de sus elementos, desde el carácter romántico-doméstico de los temas líricos hasta el sonido de la orquesta, en el que se combina la expresividad casi verbal con el más rico juego de colores.

Pero al mismo tiempo, el elemento de la marcha reina en toda la obra. Los ritmos de la procesión, el sonido de las fanfarrias impregnan toda la música. En la Novena Sinfonía, Schubert encarnó de manera más completa y vívida su idea de los pensamientos heroicos de nuestro tiempo.

En el jubiloso e impetuoso Allegro ma non troppo, domina el brillante tema de la parte principal:

Ejemplo 125

De sus entonaciones parecidas a fanfarrias crece un motivo heroico, que penetra todos los episodios del desarrollo. Las poderosas exclamaciones de los trombones contra el telón de fondo del radiante sonido de los instrumentos de viento de madera, las atrevidas yuxtaposiciones armónicas y las modulaciones le dan al rápido ascenso de Allegro un brillante sabor romántico:

Ejemplo 126

A la imagen heroica se opone un tema que recuerda a un romance sensible cotidiano:

Ejemplo 127

En la interpretación de la sonata allegro hay continuidad con la "Sinfonía Inacabada". Se manifiesta en el principio de yuxtaposición de temas, en la introducción de un elemento de desarrollo dinámico en la esfera de una parte lateral en un tercer plan tonal.

La segunda parte, Andante con moto, destaca por su asombrosa belleza. En sus dos temas ampliamente desarrollados, la semejanza del canto se combina con entonaciones y ritmos heroicos de marcha. Esta es la naturaleza del primer tema:

Ejemplo 128

A pesar de su enorme tamaño, Andante cautiva con la espontaneidad y la sencillez de la canción. A. N. Serov vio en esta parte una conexión con las canciones populares de boda. Característicamente, incluso el desarrollo de Andante, basado en pareados variados, se parece a una forma gigantescamente cubierta de romance schubertiano.

En el primer tema de Andante (así como en el tema de la parte lateral Allegro), se escuchan elementos de la música folclórica húngara. Cabe destacar la característica técnica schubertiana de tocar “claroscuros”, una iluminación mayor inesperada después de un largo crepúsculo menor.

En la tercera parte de la sinfonía, Schubert transforma el scherzo en un vals. La música está saturada de melodías callejeras vienesas, y el episodio intermedio (trío) está escrito con el espíritu de un ingenioso hacendado de pueblo. Pero este landler ahora aparece como un titánico baile de masas.

El uso del vals como parte independiente del ciclo sinfónico se generalizaría más tarde en la literatura sonata-sinfónica del siglo XIX (Schumann, Berlioz, Tchaikovsky).

En su estructura figurativa, el final se relaciona con la imagen.

diversión popular en el último movimiento de la Séptima Sinfonía de Beethoven. Pero a diferencia de Beethoven, Schubert satura su música no con danza, sino con elementos de marcha. El tono elevado de la presentación, los temas impetuosos, la escala del desarrollo musical crean la impresión de una imagen grandiosa del regreso de los ganadores.

En la Novena Sinfonía de Schubert no hay potencia intelectual y la magnífica arquitectura de las obras de Beethoven. Su fuerza reside en otra parte: en el brillo y la novedad de las imágenes, en la cautivadora musicalidad, en la excepcional belleza de los momentos individuales. Esta sinfonía pertenece íntegramente a la nueva escuela nacional-romántica.

Tanto en gran escala como en detalle, se manifiesta tal amplitud y unidad de intención, tal riqueza de imaginación y el poder de los clímax dinámicos que todo esto todavía escandaliza a los oyentes.

"Verdaderamente brillante en inspiración, en fuerza, en impulso, en belleza, en la expresión de "pueblo" y "masas populares" en las primeras tres partes y "guerra" en el final ", escribió V.V. Stasov sobre la Novena Sinfonía de Schubert, argumentando que ella "será por siempre una de las más altas creaciones musicales del mundo".

"Una obra gigantesca, que se distingue por su enorme tamaño, su enorme poder y la riqueza de inspiración invertida en ella..." - escribió PI Tchaikovsky sobre esta sinfonía, destacando su especial originalidad, "el encanto de la armonización" y "la frescura del elemento folclórico que prevalece en un patrón melódico.

25 La sinfonía en sol menor de Mozart suele señalarse con razón como la predecesora inmediata de la Inconclusa. Y sin embargo, aunque la sinfonía de Mozart es innegablemente lírica, sin embargo, el depósito entonativo de sus temas, la estructura de la sonata allegro y la dramaturgia de todo el ciclo se asocian a rasgos típicos de la estética del clasicismo.

La forma de Andante es una sonata sin desarrollo.

"Sinfonía inacabada" en si menor es una de las obras más famosas del compositor austriaco Franz Peter Schubert, dedicada a la sociedad musical amateur de Graz. En 1824 se presentaron las dos primeras partes.

En 1865, el director de orquesta de la corte vienesa, Johann Herbeck, al compilar el programa de un concierto de música vienesa antigua, hurgó entre montones de manuscritos olvidados. En el archivo desordenado del presidente de la Sociedad Musical Aficionada de Estiria, A. Huttenbrenner, descubrió una partitura previamente desconocida de Schubert. Era una sinfonía en si menor. Bajo la dirección de Herbeck, sonó por primera vez el 17 de diciembre de 1865 en un concierto de la Vienna Society of Music Lovers.

Franz Schubert creó la Sinfonía Inacabada durante los últimos meses de 1822. Durante estos añosSchubert fueYa era ampliamente conocido en Viena como autor de muchas canciones hermosas y piezas populares para piano, pero como sinfonista nadie lo conocía excepto sus amigos más cercanos.y ninguna de sus sinfonías ha sido interpretada públicamente. La nueva sinfonía se creó primero como un arreglo para dos pianos y luego como una partitura. En la edición para piano se han conservado esbozos de tres movimientos de la sinfonía, mientras que el compositor grabó solo dos en la partitura. Schubert no volvió a ella más, porquela sinfonía se llamaba: "Inconcluso"

Gustav Klimt "Schubert al piano" 1899

Los debates aún continúan sobre si esta sinfonía está realmente inacabada o si Franz Schubert encarnó completamente su plan en dos partes en lugar de las cuatro generalmente aceptadas. Sus dos partes dejan la impresión de una asombrosa integridad, agotamiento, lo que permite a algunos investigadores afirmar que el compositor no pretendía continuar, ya que plasmó su idea en dos partes. Sin embargo, se han conservado bocetos de la partitura del tercer movimiento, que por alguna razón quedaron en el boceto. Además, entre la música de la obra "Rosamund", escrita en el mismo período, hay un intermedio, también escrito en si menor -una tonalidad muy raramente utilizada- y de carácter similar al final sinfónico tradicional. Algunos investigadores de la obra de Schubert se inclinan a creer que este intermedio, junto con los bocetos de un scherzo, constituye el ciclo habitual de cuatro movimientos.

Esta no fue su primera sinfonía, que resultó inconclusa: antes, en agosto de 1821, escribió una sinfonía en mi mayor, se considera la Séptima, cuya partitura estaba escrita en boceto. En general, para crear una obra que comience en si menor y termine en mi mayor,en la epoca de Schubertera completamente impensable.

Sobre la vida y obra del destacado compositor austriaco Franz Schubert en 1968, se lanzó el viejo programa de televisión soviético "Sinfonía inacabada".

Schubert Kalyagin es muy orgánico y encantador. Y Vedernikov de la manera más penetrante. cantaentre bastidores

A pesar de cierta ingenuidad y bastante natural para su época y el género elegido didáctica,la pelicula es interesante La conciencia de los autores en la transferencia de la semejanza del retrato de los personajes y su juego es impresionante.

Partes vocales: A. Vedernikov, E. Shumskaya, G. Kuznetsova, S. Yakovenko.

La melodía del primer movimiento es sencilla y expresiva, como si rezara por algo, entonada por el oboe y el clarinete. Un fondo agitado, estremecido y exteriormente sereno, pero lleno de tensión interior crea la cantilena más expresiva, la imagen típicamente romántica. Poco a poco, la cinta de la melodía se desarrolla. La música se vuelve cada vez más tensa, llegando a fortissimo. Sin carpeta, obligatoria para los clásicos vieneses, separada solo por una transición lacónica (sonido de cuernos que se estira) de la parte principal, comienza una parte lateral. Los violonchelos cantan a sus anchas una suave melodía de vals. Hay una isla de paz serena, un idilio luminoso. Balanceo medido, como arrullador, acompañamiento. Este tema adquiere un carácter aún más brillante cuando es recogido y trasladado a un registro más alto del violín. De repente, el canto-danza libre y sin restricciones se interrumpe. Después de un completo silencio (pausa general) - una explosión de tutti orquestal. Otra pausa, y otro estallido de trémolo de trueno. El idilio se interrumpe, el drama cobra vida. Acordes aplastantes se elevan violentamente, fragmentos del acompañamiento de un tema secundario responden con gemidos quejumbrosos. Parece estar tratando de salir a la superficie, pero cuando finalmente regresa, su apariencia ha cambiado: está rota, pintada con dolor. Al final de la exposición, todo se congela. Vuelve, como destino inevitable, el motivo misterioso y siniestro de la entrada. El desarrollo se basa en el motivo de apertura y las entonaciones del acompañamiento de la parte lateral. El drama se intensifica, convirtiéndose en un patetismo trágico. El desarrollo musical alcanza un clímax colosal. De repente hay una postración completa. Fragmentos agotados de motivos se disipan, sólo queda una nota triste y solitaria. Y de nuevo, el tema introductorio se cuela desde las profundidades. Comienza la repetición. La coda, en la tradición de Beethoven, fue creada como un segundo desarrollo. Contiene la misma tensión dolorosa, el patetismo de la desesperación. Pero la lucha ha terminado, ya no quedan fuerzas. Los últimos compases suenan a epílogo trágico.

La segunda parte de la sinfonía es un mundo de otras imágenes. Aquí: reconciliación, la búsqueda de otros lados más brillantes de la vida, contemplación. Como si el héroe, que ha vivido una tragedia espiritual, buscara el olvido. Los pasos de bajo (contrabajo pizzicato) suenan medidos, se superponen con una melodía de violín simple, pero sorprendentemente hermosa, soñadora y sincera. Repetido repetidamente, varía, cubierto de cánticos expresivos. Aumento dinámico a corto plazo de tutti, y nuevamente un movimiento tranquilo. Tras una breve conexión, aparece una nueva imagen: la melodía es ingenua y, al mismo tiempo, profunda, más individual que el primer tema, triste, cálida, que recuerda a una voz humana, reemplazando los timbres del clarinete y el oboe. llena de viva inquietud. Esta es una parte lateral de la forma de sonata lacónica. También varía, adquiriendo a veces un carácter agitado. De repente, hay un punto de inflexión en su fluidez: suena dramático en una poderosa presentación de toda la orquesta. Pero un estallido corto es reemplazado por un desarrollo expresivo, rico en imitaciones: este es un desarrollo breve, que termina con largos acordes de cuerdas, las llamadas misteriosas de los cuernos y maderas individuales. La sutil grabación de sonido orquestal conduce a una repetición. En el código hay un desvanecimiento, una disolución del tema inicial. Vuelve el silencio...

L. Mijeeva

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