COMPOSICIÓN DE KANDINSKY 6 QUÉ PENSAMIENTOS Y SENTIMIENTOS. Lo que se dibuja en las imágenes de Kandinsky.

Lo dibujo en 10 minutos.
- Y yo soy cinco.
Meaming, la gente se fue, dejando en un pequeño diálogo del lienzo de Vasily Kandinsky "Composición VI" y "Composición VII". Las imágenes ahora se exhiben en la Galería Tretyakov. La última vez que esto sucedió en 1989.

Vasily Kandinsky formuló la filosofía de abstracción de ojos para ojos. Desde entonces, hemos visto mucho, la experiencia visual se ha enriquecido significativamente. Pero hoy, sus lienzos causan desconcierto, bromea sobre "Mazne" y puntos de vista escépticos. Por qué las pinturas de Candinsky son obras maestras que no podrás repetir, dice Snezhana Petrov.

"Composición VII" Vasily Kandinsky (1913)

Trama

Esta foto se llama la cima de la creatividad de Candinsky en el período anterior a la Primera Guerra Mundial. Para escribirlo, el artista realizó más de 30 bocetos, acuarelas y trabaja con aceite. Un trabajo tan serio se llevó a cabo por una razón: Kandinsky estableció una tarea para conectar varios temas bíblicos en la composición final: resurrección de los muertos, el día, el mundo floral y el parque paraíso.

Para entender a Kandinsky, ni siquiera pienses, ya lo ha descrito todo, lee. En su explicación hay un descifrado de cada mancha, cada punto, cada rotación de la línea. Permanece solo mirar el lienzo y la sensación.

Kandinsky es considerado el padre del abstraccionismo.

"La idea del alma humana se muestra en el centro semántico del lienzo, un ciclo, la punta púrpura y las líneas negras y los accidentes cerebrovasculares junto a él. Inevitablemente se retrasa como un embudo, arrojando algún tipo de formas que se extienden sin innumerables metamorfosis en todo el lienzo. A continuación, se fusionan o, por el contrario, están rotos, lo que se rompen, lo que lleva el movimiento vecino ... Es como el elemento de la vida que surge de Chaos ella misma. Claramente, gracias, Vasily Vasilyevich.

La séptima composición es una continuación lógica del sexto.

"Composición VI" Vasily Kandinsky (1913)

Se cree que inicialmente "Composición VI" Kandinsky quería llamar "inundación". Las líneas y los colores de mezcla deberían haber dicho, incluso gritando al espectador sobre el desastre de la escala universal (aquí y motivos bíblicos, y la guerra de ambulancia). Y, por supuesto, para llevar a cabo en la corriente. Si tiene paciencia y deseo de bombear imaginación, mire el lienzo, ¡y verá (¡garantizado!) Los contornos de la nave, los animales y los objetos que se secan en las olas del mar de la tormenta.

En la séptima composición, el motivo de la inundación se complementa con otras parcelas bíblicas (si olvidó qué, mira nuevamente la "composición VII").

"Espuma rosa y blanca para que parezcan estar acostados fuera del plano del lienzo o algún otro, ideal, plano. Más bien, se están alejando del aire y se ven como el ferry envuelto. Se puede observar una falta de avión similar y la incertidumbre de las distancias, por ejemplo, en el baño de vapor ruso. Un hombre de pie en medio de una pareja no está cerca y no está lejos, él está en algún lugar. La posición del centro principal es "en algún lugar", se determina el sonido interno de la imagen completa. Trabajé mucho por encima de esta parte hasta que llegó a eso, primero tuve mi deseo poco claro, y luego se convirtió en internamente inclusivo y más claro ". Este es él sobre la "composición VI".

Kandinsky era sintetética: escuché los colores, vimos los sonidos.

Por cierto, LifeHak desde el artista: "Usé una combinación de secciones suaves y ásperas, así como muchas otras técnicas para tratar la superficie del lienzo. Por lo tanto, acercarse a la imagen más cerca, el espectador está experimentando nuevas experiencias ".

Contexto

Vasily Kandinsky consideró la composición como las principales declaraciones de sus ideas artísticas. Un formato impresionante, una planificación consciente y trascendencia de la presentación, expresada por el aumento en la imagen abstracta. "Desde el principio", escribió el artista, "una palabra" composición "sonó para mí, como la oración". Las primeras fechas de regreso a 1910, la última - 1939.

Kandinsky es considerado el "padre de la abstracción". Y el punto no es que escribió por primera vez un paño de este tipo. La aparición de la abstracción fue predeterminada: la idea de VITALA en el aire, varios artistas europeos establecieron experimentos inmediatamente y se trasladaron constantemente a la pintura no pigurativa. Vasily Vasilyevich fue el primero en dar una justificación teórica al nuevo flujo.

Como un estiramiento de senos (escuché los colores, vi los sonidos), Kandinsky estaba buscando una síntesis universal de música y pintura. A través del dibujo y el dibujo, imitó el flujo y la profundidad del trabajo musical, la dolor reflejó el tema de la contemplación profunda. En 1912 escribió y publicó un estudio fundamental "en espiritual en el arte", que era la base teórica del abstraccionismo.

En Alianza, el arte abstracto fue anunciado contra las anti-personas.

En la década de 1920, Kandinsky trabajó en una nueva fórmula visual que consiste en líneas, puntos y combinados. figuras geometricasRepresentando su investigación visual e intelectual. Lo que comenzó como la llamada abstracción lírica (formas libres, los procesos dinámicos son todo esto), ganó gradualmente la estructura.

Se considera que es el artista ruso de Kandinsky. Mientras tanto, al menos la mitad del objetivo, llevó a cabo en el extranjero, principalmente en Alemania, y al final de la vida - Francia. Fue el artista que no pasó por alto el tema de las raíces y la separación de la patria de la madre, pero se centró en la creatividad, en la innovación.

Artista del destino

Si Kandinsky era nuestro contemporáneo, entonces su biografía podría publicarse como un caso inspirador para aquellos que decidieron escapar de la oficina y hacer lo que estaba mintiendo el alma.

Según el consejo de los padres, Vasily recibió una educación legal, vivida, no pasó. Mientras que un día no estaba en la exposición y no vio la tela de Claude Monet. "Y ahora inmediatamente vi la foto por primera vez. Me pareció que, sin un catálogo, no supongo que era un pajar. Esta ambigüedad fue desagradable para mí: me pareció que el artista no tenía derecho a escribir tan poco claro. Vitalmente me sentí que no hay tema en esta imagen. Con sorpresa y vergüenza, noté, sin embargo, que esta imagen se preocupa y conquista, se cortó indeleblemente en la memoria y, de repente, se levanta de manera inesperada ante sus ojos a los detalles más pequeños.<...> Pero profundamente bajo la conciencia fue desacreditada por el tema como el elemento necesario de la imagen ", escribió el artista más tarde.

Claude Monet "Sola pila. Fin del verano. Mañana ", 1891

Entonces, en 30 años, un joven abogado prometedor anotó una cartera de lejos y decidió convertirse en un hombre de arte. Y después de un año se mudó a Munich, donde conoció a los expresionistas alemanes. Y su vida bohemia fue hervida: Vernisazhi, fiestas en talleres, disputas sobre el futuro del arte a la ronquera.

En 1911, Kandinsky United Partyers al Grupo Blue Horseman. Creían que cada persona tenía una percepción interna y externa de la realidad, que debería combinarse a través del arte. Pero la unión ha existido durante mucho tiempo.

Mientras tanto, en Rusia, su atmósfera, Vasily Vasilyevich decide volver a casa. Y aquí, en 1914, después de casi 20 años en Alemania, nuevamente se une a la Tierra de Moscú. Al principio, las perspectivas fueron prometedoras: ocupa el cargo de director del Museo de Pintura y Cultura y está trabajando en la implementación de la reforma del museo en un nuevo país; Él enseña en Svomas y Vhowema. Pero el artista apolítico inevitablemente tuvo que encontrar la propaganda en el arte.

Los nazis quemaron públicamente miles de patrones de abstracción.

La energía para construir un futuro brillante no fue suficiente durante mucho tiempo: en 1921, Kandinsky se va a la Alemania, donde se le ofreció a enseñar en Bauhaus. La escuela que llevó a los innovadores fue el lugar para Kandinsky, donde pudo convertirse en un teórico prominente y obtener el reconocimiento mundial como uno de los líderes del arte abstracto.

Después de diez años de trabajo, Bauhaus se cerró, y el lienzo de Kandinsky, Marka Stegal, Paul Clee, Franz Marca y Pita Mondrian declararon "arte degenerativo". En 1939, los nazis ardían públicamente más de mil pinturas y bocetos. Por cierto, aproximadamente el mismo período de la Unión Soviética, el arte abstracto fue declarado anti-personas y privado del derecho a existir.

En 2016, el mundo entero celebra el aniversario de Vasily Vasilyevich Kandinsky, el fundador y el teórico del arte abstracto, uno de los artistas más influyentes del siglo XX. En el 150 aniversario de la abstracción, la Galería de Tretyakov en el eje de Crimea y la Hermitage del Estado prepararon un proyecto, incluida la exposición de dos obras maestras principales del artista "Contrapunto: Composición VI - Composición VII", que puede visitar desde el 13 de abril. al 13 de junio.

El sistema de pintura brizable de Kandinsky incluye tres tipos de pinturas que incorporan tres etapas de eliminación del impulso inicial, lo que le dio un impulso a su escritura: impresiones, improvisación y composición. Mejores trabajos El pintor es reconocido como "composición VI" y "Composición VII". En Rusia, estas obras se demostraron por última vez hace 27 años.

"Untitled (primera acuarela abstracta)", 1910

"Composición X", 1939

¿Qué se dibuja en las imágenes de Kandinsky?

Cuando se trata de abstraccionismo, muchas personas que distinguen de manera inmediatamente traen su veredicto categórico: Maznia. Después de eso, es necesario para la frase que cualquier Karapuz seguramente se basará mejor que estos artistas. Al mismo tiempo, la palabra "artistas" en sí, definitivamente se pronunciará con un desprecio demostrativo, que en algunos casos incluso la frontera.

Como parte de la liberación cultural en este artículo, se describe que una de las abstractivas más famosas, Vasily Kandinsky, se buscó mostrar en sus lienzos.

Imagen "Composición VI"
Año: 1913.
Exhibido en Museo: Hermitage, San Petersburgo

Inicialmente, la imagen "Composición VI" Kandinsky quería nombrar la "inundación", porque en este trabajo el pintor tenía la intención de retratar una catástrofe de escala universal. Y, de hecho, mirando atentamente, podemos ver los contornos de la nave, los animales y los artículos, como si se hundiera en las masas de la materia de Whilapal, como si en las olas del mar de la tormenta.

El mismo Kandinsky, más tarde, hablando de este lienzo, señaló que "no habría nada más malo que meterse con esta imagen de la etiqueta de la trama inicial". El Maestro enfatizó que, en este caso, el motivo original de la imagen (inundación) se disolvió y se movió a la existencia interna, puramente pintoresca y objetiva. "Una catástrofe gruesa, objetivamente comprometida es al mismo tiempo absoluta y posee un sonido independiente de una canción de laudatoria caliente, similar al himno de una nueva creación, que sigue un desastre", explicó Kandinsky. Como resultado, el pintor decidió asignar una matrícula al lienzo, ya que cualquier otra podría causar asociaciones innecesarias de los conocedores que los estropeearían con esas emociones que deberían causar una imagen.

Imagen "Composición VII"
Año: 1913.

"Composición VII" se llama la parte superior de la creatividad artística de Kandinsky en el período anterior a la Primera Guerra Mundial. Dado que la foto fue creada muy cuidadosamente (ella fue precedida por más de treinta bocetos, acuarelas y obras de petróleo), la composición final es una combinación de varios temas bíblicos: la resurrección de los muertos, el Día de los Buques, el mundial de inundación y el jardín del paraíso.

La idea del alma humana se muestra en el centro semántico del lienzo, un ciclo, la punta púrpura y las líneas negras y los trazos junto a él. Inevitablemente se retrasa como un embudo, arrojando algún tipo de formas que se extienden sin innumerables metamorfosis en todo el lienzo. A continuación, se fusionan o, por el contrario, se rompen los unos a otros, lo que lleva al movimiento vecino ... Es como el elemento de la vida que surge del propio caos.

Imagen "Composición VIII"
Año: 1923.
Expuesto en el museo: Solomon Museum R. Guggenheim, Nueva York

"Composición VIII" es fundamentalmente diferente del trabajo anterior de esta serie, porque en él en lugar de los contornos borrosos, están presentes formas geométricas claras. La idea principal está ausente en este trabajo, en lugar de que el artista mismo le da una descripción específica de las figuras y los colores de la imagen. Entonces, según Kandinsky, los sonidos horizontales "Frío y menor", y la vertical, "cálida y alta". Las esquinas afiladas son "cálidas, agudas, activas y amarillas", y rectas, "frío, restringido y rojo". El color verde "está equilibrado y corresponde a los sonidos sutiles del violín", el rojo "puede crear la impresión de una batalla de tambor fuerte", y el azul está presente "en las profundidades del órgano". Amarillo "tiene la capacidad de elevarse arriba y arriba, alcanzando las alturas insoportables por el ojo y el espíritu". Azul "desciende en profundidades sin fondo". El azul "desarrolla el sonido de las flautas".

Imagen "Vloy"
Año: 1917.
Expuesto en el museo: Galería Estatal de Tretyakov, Moscú

El nombre "vague" fue elegido para la imagen, no por casualidad. La ambigüedad y la "preocupación" se muestran en el trabajo de la colisión dramática de Kandinsky de las fuerzas centrípetas y centrífugas, como si se dividiera entre sí en el centro del lienzo. Esto hace que la sensación de ansiedad aumenta como "enfriamiento" en el trabajo. La masa de colores adicionales lleva a cabo una orquestación peculiar de la lucha principal, luego la pacificación, y luego exacerbando la confusión.

Imagen "Improvisación 20"
Año: 1911.
Expuesto en el museo: Museo estatal bellas Artes ellos. A. S. S. Pushkin, Moscú

En sus obras de la serie "Improvisación", Kandinsky buscó mostrar los procesos internos inconscientes que surgen repentinamente. Y el vigésimo trabajo de esta categoría, el artista representa la impresión de su "naturaleza interna" de correr dos caballos bajo el sol del mediodía.

Colección. Vasily Kandinsky

1913

Lienzo, aceite

195.0 × 300.0 cm

Candinsky Comentarios:

En la foto puedes ver dos centros:
1. En la izquierda, suave, rosa, varios centros borrosos con líneas débiles e inciertas,
2. Derecha (algo más alta que la izquierda): áspera, azul roja, hasta cierto punto disonante, con líneas afiladas, parcialmente inacabadas, fuertes, muy precisas.
Entre los dos de estos centros, el tercero (más cerca de la izquierda), que puede ser reconocido por el ladrón gradualmente, pero que es el centro principal. Aquí, las espumas rosadas y blancas para que parezcan estar acostadas fuera del plano del lienzo o algún otro, ideal, avión. Más bien, se están elevando en el aire, y se ven como el ferry está envuelto. Se puede observar una falta de avión similar y la incertidumbre de las distancias, por ejemplo, en el baño de vapor ruso. Un hombre de pie en medio de una pareja no está cerca y no está lejos, él está en algún lugar. La posición del centro principal es "en algún lugar", se determina el sonido interno de la imagen completa. Trabajé mucho por encima de esta parte, hasta que llegó al principio, solo era mi deseo poco claro, y luego se volvió internamente inclusivo y más claro.
Las formas pequeñas en esta imagen requieren algo que le da al efecto al mismo tiempo muy simple y muy amplio ("Largo"). Para esto, usé largas líneas solemnes que ya se han usado en "Composición 4". Estaba muy feliz de ver cómo ya se usaba, la herramienta da un efecto completamente diferente aquí. Estas líneas están conectadas a líneas transversales grasas, diseñadas para ellos en la parte superior de la imagen y se unen a lo último en conflicto directo.
Para suavizar la exposición demasiado dramática a las líneas, es decir, Ocultar demasiado molesto sonando el elemento dramático (colóquelo en su hocico), me permitió jugar en la imagen de un completo fugus de manchas rosas de varios tonos. Suben una gran confusión en una gran calma y dan a la obtención de los eventos. Este es un estado de ánimo solemnemente calmado, por otro lado, violar una variedad de manchas azules que dan la impresión interna de calor. El efecto cálido del color, por naturaleza, su frío, fortalece el elemento dramático, pero la forma en que nuevamente es objetiva y sublime. Las formas marrones profundas (especialmente a la izquierda de arriba) hacen que una nota de sonido compactada y abstracta que recuerde la desesperanza. Verde y amarillo revitaliza este estado de ánimo, dándole la actividad que falta.
Utilicé una combinación de áreas suaves y ásperas, así como muchas otras técnicas para tratar la superficie del lienzo. Por lo tanto, acercarse a la imagen más cerca, el espectador está experimentando nuevas experiencias.
Así, todos, incluidos mutuamente contrarios a los elementos, fueron igualados, para que ninguno de ellos tome la parte superior sobre los demás, y el motivo original de la imagen (inundación) se disolvió y se movió a la interna, puramente pintoresca, independiente y objetiva. existencia. No habría nada más incorrecto que meterse con esta imagen la etiqueta de la parcela inicial.
La catástrofe grandiosa y objetivamente comprometida es al mismo tiempo absoluta y posee un sonido independiente de una canción de laudatoria caliente, similar al himno de una nueva creación, que sigue al desastre.

Más obras del año.

Más obras de la colección San Petersburgo, Hermitage del estado

Comentarios

2019

#cinco. Dmitry, San Petersburgo

10 de febrero
No aprendas de ninguna manera. Kandinsky nos arrojó el hueso. Estaba lanzando exactamente el hueso. Si su idioma está suspendido bien, sobre este hueso puede ser de larga duración. Nada. Hueso, ella es hueso. Con ella no tomes mucho. Lo siento, pero lo percibo todo como un descendientes de uno. Un steb malvado, como si desde la posición de la superioridad intelectual de la superioridad intelectual.

2015

#four. Konstantin, San Petersburgo

23 de noviembre
El abstraccionismo es un agotamiento del componente formal de la composición, y la presentación de esta composición formal como un método de arte completamente nuevo ... aunque ninguna composición es imposible sin un componente formal ...

2013

# 3. Chile

2011

#uno. Alexander, Engels.

28 de julio
soy un color brillante impresionante, así que he adquirido la reproducción de la composición 6 en la ermita, pero ¿cómo aprender a entender el abstractismo?

Lo que más escribí por mi propio placer. Hay varias formas de sujetos, parte de graciosos (tengo un placer mezclar formas serias con expresividad externa divertida): figuras desnudas, arca, animales, palmeras, relámpagos, lluvia, etc. Cuando la imagen en el vidrio estaba lista, yo Tuvo un deseo de reciclar este tema es para la composición, y luego fui más o menos claro cómo hacerlo. Muy pronto, sin embargo, este sentimiento desapareció, y me perdí en las formas materiales que escribieron solo para aclarar y elevar la imagen de la imagen. En lugar de claridad, tengo una ambigüedad. En varios bocetos, disolví formas reales, en otros, traté de lograr impresiones significa puramente abstracta. Pero nada salió. Solo sucedió porque todavía estaba bajo la autoridad de la impresión de la inundación, en lugar de someterse a sí mismo al estado de ánimo de la palabra "inundación". Gestioné no sonido interno, sino una impresión externa. Unas semanas después, hice un nuevo intento, pero de nuevo sin éxito. Aproveché los medios probados, para posponer la tarea de tener la oportunidad de mirar repentinamente los mejores bocetos con nuevos ojos. Luego vi a los fieles en ellos, pero aún no podía separar el kernel de la cáscara. Me recordé a una serpiente que no podía perder la piel vieja. La piel se ve ya infinitamente muerta, y, sin embargo, ella sigue.

Así que se mantiene un año y medio en mi imagen interior del elemento alienígena de la catástrofe, llamado inundación.

La imagen en el vidrio estaba en este momento en exposiciones. Cuando regresó y la vi de nuevo, experimenté el mismo shock interno que sobrevivió después de su creación. Pero ya estaba embarazada y no creía que pudiera hacer una imagen grande. Sin embargo, de vez en cuando miré la foto en el cristal, que colgaba cerca del taller. Cada vez que me sorprendió primero las pinturas, y luego la composición y las formas pintorescas, por sí mismas, sin conexión con el sujeto. La imagen en el vaso se separó de mí. Parecía extraño que lo escribiera, y ella me influyó de la misma manera que algunos objetos y conceptos reales que tenían la capacidad a través de la vibración espiritual para causar ideas puramente pintorescas en mí y, al final, lo que me llevó a la creación de pinturas. . Finalmente, llegó el día cuando una tensión interna tranquila familiar le dio una confianza completa. Rápidamente, casi sin enmiendas, realizé un último boceto decisivo, lo que me trajo una gran satisfacción. Ahora supe que en circunstancias normales podrían escribir una imagen. No he recibido lienzo ordenado, como ya ha participado en los dibujos preparatorios. El caso fue rápido, y casi todo funcionó bien la primera vez. En dos o tres días, la imagen en su conjunto estaba lista. La gran batalla, que superaba a los lienzos. Si por alguna razón, no pude continuar trabajando en la imagen, todavía existiría: todo lo principal ya estaba hecho. Luego comenzó infinitamente delgado, alegre y, al mismo tiempo, un equilibrio extremadamente agotador de partes individuales. Mientras atormentaba antes, ¿si hubiera mal un detalle mal y traté de mejorarlo? Muchos años de experiencia me enseñaron que el error a veces se encuentra en absoluto donde lo están buscando. A menudo sucede que para mejorar el ángulo inferior izquierdo, debe cambiar algo en la parte superior derecha. Cuando el tazón de las escalas izquierdas se hunde demasiado bajo, debe poner un peso mayor a la derecha, y la izquierda aumentará por sí misma. Búsquedas de agotamiento en la imagen de este tazón derecho, encontrando el peso exacto que falta, las fluctuaciones en el tazón de la izquierda debido a tocar el derecho, los más pequeños cambios en el dibujo y los colores en el lugar que hacen que toda la imagen de vibración sea infinitamente. La calidad inmensamente sensible de la pintura correcta es la tercera, hermosa y dolorosa, etapa de pintura. Estos más mínimos pesos que deben usarse aquí y que tienen un impacto tan fuerte en la imagen en su conjunto, la precisión de la precisión de la ley de eliminación, proporcionando la posibilidad de que la acción sea ajustada al unísono, la misma y subordinada para él, al igual que Fascinante, como el embalaje heroico inicial sobre lienzo de masas grandes.

Cada una de estas etapas tiene su propia tensión, y cuántas pinturas inacabadas falsas o restantes están obligadas a ser sus dolorosas porque solo el uso de voltaje incorrecto.

En la foto puedes ver dos centros:

1. En la izquierda, suave, rosa, varios centros borrosos con líneas débiles e inciertas,

2. Derecha (algo más alta que la izquierda): áspera, azul roja, hasta cierto punto disonante, con líneas afiladas, parcialmente inacabadas, fuertes, muy precisas.

Entre los dos, estos centros, el tercero (más cerca de la izquierda), que se puede reconocer solo gradualmente, pero que en última instancia es el centro principal. Aquí, las espumas rosadas y blancas para que parezcan estar acostadas fuera del plano del lienzo o algún otro, ideal, avión. Más bien, se están alejando del aire y se ven como el ferry envuelto. Se puede observar una falta de avión similar y la incertidumbre de las distancias, por ejemplo, en el baño de vapor ruso. Un hombre de pie en medio de una pareja no está cerca y no está lejos, él está en algún lugar. La posición del centro principal es "en algún lugar", se determina el sonido interno de la imagen completa. Trabajé mucho por encima de esta parte, hasta que llegó al principio, solo era mi deseo poco claro, y luego se volvió internamente inclusivo y más claro.

Las formas pequeñas en esta imagen requieren algo que le da al efecto al mismo tiempo muy simple y muy amplio ("Largo"). Para esto, usé largas líneas solemnes que ya se han usado en "Composición 4". Estaba muy feliz de ver cómo ya se usaba, la herramienta da un efecto completamente diferente aquí. Estas líneas están conectadas a las líneas transversales de grasa, diseñadas para ellas en la parte superior de la imagen, y vienen con el último conflicto.

Para suavizar la exposición demasiado dramática a las líneas, es decir, ocultar demasiado molesto sonando el elemento dramático (póngalo en un hocico), me permitió jugar en la imagen toda una fugue de manchas rosas de varios tonos. Suben una gran confusión en una gran calma y dan a la obtención de los eventos. Este es un estado de ánimo solemne y calmado, por otro lado, violar una variedad de manchas azules que dan la impresión interna del calor. El efecto cálido del color, por naturaleza, hace frío, mejora el elemento dramático, pero la forma, de nuevo, objetiva y elevada. Las formas marrones profundas (especialmente a la izquierda de arriba) hacen que una nota de sonido compactada y abstracta que recuerde la desesperanza. Verde y amarillo revitaliza este estado de ánimo, dándole la actividad que falta.

Utilicé una combinación de áreas suaves y ásperas, así como muchas otras técnicas para tratar la superficie del lienzo. Por lo tanto, acercarse a la imagen más cerca, el espectador está experimentando nuevas experiencias.

Entonces, todos, incluyendo mutuamente contradictorios, los elementos estaban equilibrados, para que ninguno de ellos tome la cima sobre los demás, y el motivo original de la imagen (inundación) se disolvió y se movió a la existencia interna, puramente pintoresca, independiente y objetiva. . No habría nada más incorrecto que meterse con esta imagen la etiqueta de la parcela inicial.

La grandiosa, una catástrofe objetivamente comprometida es al mismo tiempo absoluta y posee un sonido independiente de una canción de laudatoria caliente, similar al himno de una nueva creación, que sigue la catástrofe.

El formulario sin contenido no es como mano, pero un guante vacío lleno de aire, afirmó Kandinsky. Su "composición VI" - una historia sobre la superación del caos

Imagen "Composición VI"
Lienzo, aceite 195 × 300 cm
1913 año
Ahora almacenado en la ermita estatal en San Petersburgo

A la pintura libre de Vasily Kandinsky, como él mismo le dijo, lideró el caso. Una vez en la noche en Munich, regresando del cautivo en el taller, el artista vio allí desconocido "indescriptible hermoso, impregnado con la imagen ardiente interior". "Al principio me sorprendió, pero ahora inmediatamente me acercé a esta misteriosa imagen, completamente incomprensible en el contenido externo y consistía exclusivamente en lugares de colores. Y se encontró la llave del enigma: era mi propia imagen, apoyada contra la pared y de pie en el lado ... "

Clementados, sin embargo, no quiere decir el pienso. En la atmósfera ansiosa, en la víspera de la Primera Guerra Mundial, el artista abordó las parcelas bíblicas sobre el fin del mundo. La idea de la "composición VI" apareció cuando escribió una foto en el vaso sobre el tema de la inundación mundial, las bestias, las personas, las palmeras, el arca y una riqueza del elemento de agua. Lo que sucedió, Kandinsky decidió modificar y convertirse en un lienzo grande con aceite. En "Composiciones VI", no solo las imágenes se han vuelto abstractas, pero la idea es más general: la renovación del mundo a través de la destrucción. Kandinsky explicó: "La grandiosa, una catástrofe objetivamente comprometida es al mismo tiempo absoluta y posee un sonido independiente de una canción de laudatoria caliente, similar al himno de una nueva creación, que sigue la muerte del mundo".

1 ondas. Las líneas de bobinado, que convirtieron las aguas, flotando al mundo, crean una sensación de caos, elementos rampantes.

2 mancha rosa. Esto, como escribió Kandinsky, uno de los tres centros de composición, "suave", "con líneas débiles e inciertas". En la imagen original, en este lugar estaba una colina con una mujer y animales que intentaban escapar. Rosa en la comprensión de Kandinsky - Color del cuerpo.

3 mancha azul-roja. El caos en la imagen es imaginario: pensar juntos, el artista balvió los elementos principales. Junto a la rosa amorfa, el segundo centro, según Kandinsky, "áspero", "con líneas afiladas, parcialmente cruel, fuertes, muy precisas" y disonancia de colores fríos y cálidos.

4 manchas blancas y rosadas - Elemento de la imagen central. El pintor explicó que los frotis borrosos deben crear un sentimiento de incertidumbre espacial. "La posición del centro principal es" en algún lugar ", se determina el sonido interno de la imagen completa," el artista escribió.

5 "Barco". La imagen de un barco con contornos similares se encuentra repetidamente en las imágenes de Kandinsky. La investigación del artista Hayo Ducket Artist explora que este es un símbolo por delante.

6 líneas paralelas. Giraron los chorros de la lluvia de la foto de la fuente. El artista usó la oposición de líneas horizontales y verticales para dar el drama de la composición.

7 manchas rosas. "Para ... Ocultar un elemento dramático muy molesto (poner en un hocico), le permití jugar en la foto un completo fugus de manchas rosadas de varios tonos", dijo Kandinsky.

8 marrón. A medida que el artista expresaba, "las formas marrones profundas ... ponen una nota compactada y abstractamente sólida que recuerda el elemento de la desesperanza". En el tratado "en espiritual en el arte", describió un color marrón como "estúpido, duro, poco propenso al movimiento", pero al mismo tiempo capaz de restringir con éxito la dinámica de otras pinturas.

9 puntos amarillos y verdes, Según el comentario sobre la imagen del propio Kandinsky, "este Estado espiritual revive, dándole la actividad que falta". Discutiendo los colores, Kandinsky describió el color amarillo como "típicamente terrenal" y, al mismo tiempo, lo más brillante.

Artista
Vasily Vasilyevich Kandinsky

1866 - Nacido en Moscú en la familia de un comerciante.
1892–1911 - Estaba casado con un primo, Anne Cheyakina.
1893 - Se graduó de la Facultad de Facultad de la Universidad de Moscú.
1895 - Ver la imagen de Claude Monet "Pila de Sen", decidí dejar la carrera de un abogado y convertirse en un artista.
1896 - Dejando a Munich para aprender pinturas en la escuela privada Anton Azhebe.
1910–1939 - Publicado diez "composiciones" (Kandinsky, la más pensativa, esta variedad de pinturas abstractas).
1914 - Regreso a Rusia.
1917 - Se casó con la hija del general Nina Andreevskaya. Una pareja nació el hijo de Vsevolod, tres años después, murió el niño.
1922 - Se convirtió en un maestro en la nueva Escuela de Artes Bauhaus en Alemania por invitación de su fundador.
1933 - Se mudó a Francia, temiendo a la persecución nazi del "arte degenerativo".
1944 - Murió en el suburbio de Paris Nyui-sur-sen de un ataque al corazón. Enterrado en el nuevo cementerio de Neuy.

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