Características y descripción de la pintura de Bryullov "El último día de Pompeya". Secretos del "Último día de Pompeya": ¿Cuál de los contemporáneos Karl Bryullov representó cuatro veces en la imagen? El autor de la imagen es la muerte de Pompeya.
La famosa pintura de Karl Bryullov "El último día de Pompeya" fue pintada en 1830-1833. En este lienzo épico, el pintor plasmó la muerte de la ciudad de Pompeya a causa de la erupción del Monte Vesubio en el año 79 d.C.
En busca de autenticidad, Bryullov visitó las excavaciones de la ciudad fallecida. Las figuras y los rostros de las personas fueron creados por el pintor a partir de la naturaleza, de los habitantes de Roma. Casi todos los elementos representados en la imagen, el artista escribió a partir de cosas genuinas almacenadas en el Museo Napolitano.
Bryullov representa una imagen verdaderamente infernal. En la distancia, arde un volcán, desde cuyas profundidades se extienden en todas direcciones corrientes de lava ardiente. Los reflejos de la llama de la lava ardiente iluminan el reverso del lienzo con un resplandor rojizo. Un relámpago, atravesando una nube de cenizas y ardiendo, ilumina el frente de la imagen.
En su pintura, Bryullov usa un esquema de color audaz para su época. El pintor presta mucha atención a la perspectiva aérea: logra crear una sensación de espacio profundo.
Ante nosotros hay todo un mar de sufrimiento humano. En la hora de la verdadera tragedia, las almas humanas quedan expuestas. Aquí hay un hombre que protege a sus seres queridos, levantando la mano desesperadamente, como si tratara de detener los elementos. La madre, abrazando apasionadamente a sus hijos, mira al cielo con una súplica de misericordia. Aquí están los hijos sobre sus hombros tratando de llevar al débil padre lejos del peligro. Un niño persuade a su madre caída para que reúna fuerzas y huya. En el centro de la imagen hay una mujer muerta y un bebé tratando de alcanzar el cuerpo sin vida de su madre.
La pintura "El último día de Pompeya" le recuerda al espectador que el principal valor del mundo es una persona. El artista contrasta su belleza física y grandeza espiritual con las fuerzas destructivas de la naturaleza. La imagen provocó una explosión de admiración y admiración, tanto en Italia como en Rusia. El trabajo fue recibido con entusiasmo por A.S. Pushkin y N.V. Gogol.
Además de la descripción de la pintura de K. P. Bryullov "El último día de Pompeya", nuestro sitio web ha recopilado muchas otras descripciones de pinturas de varios artistas, que pueden usarse tanto en preparación para escribir un ensayo sobre una pintura como simplemente para un conocimiento más completo del trabajo de maestros famosos del pasado.
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Gráfico
En el lienzo: una de las erupciones volcánicas más poderosas de la historia de la humanidad. En el 79, el Vesubio, que había estado en silencio durante tanto tiempo que se había considerado extinto, de repente "despertó" y obligó a todos los seres vivos de la zona a quedarse dormidos para siempre.
"El último día de Pompeya". (wikimedia.org)
Se sabe que Bryullov leyó las memorias de Plinio el Joven, quien fue testigo de los eventos en Mizena, que sobrevivieron durante el desastre: escenas. Los carros, que nos atrevimos a sacar, se sacudían tan violentamente de un lado a otro, aunque estaban parados en el suelo, que no podíamos detenerlos, ni siquiera colocando grandes piedras debajo de las ruedas. El mar parecía retroceder y ser arrancado de las orillas por los movimientos convulsos de la Tierra; ciertamente la tierra se expandió considerablemente, y algunos animales marinos terminaron en la arena... Finalmente, la terrible oscuridad comenzó a disiparse poco a poco, como una nube de humo; reapareció la luz del día, y hasta salió el sol, aunque su luz era lúgubre, como sucede antes de un eclipse próximo. Cada objeto que aparecía ante nuestros ojos (que estaban extremadamente debilitados) parecía haber cambiado, cubierto con una gruesa capa de ceniza, como si fuera nieve.
Pompeya hoy. (wikimedia.org)
Un golpe demoledor en las ciudades ocurrió entre 18 y 20 horas después del inicio de la erupción: la gente tuvo tiempo suficiente para escapar. Sin embargo, no todos fueron prudentes. Y aunque no fue posible establecer el número exacto de muertes, la cifra asciende a miles. Entre ellos se encuentran en su mayoría esclavos, a quienes los dueños dejaban para cuidar la propiedad, así como ancianos y enfermos, que no tenían tiempo de irse. También hubo quienes esperaban esperar a que pasaran los elementos en casa. De hecho, todavía están allí.
En el lienzo, la gente está en pánico, los elementos no perdonarán ni a los ricos ni a los pobres. Y lo notable es que Bryullov usó un modelo para escribir personas de diferentes clases. Estamos hablando de Yulia Samoilova, su rostro se encuentra en el lienzo cuatro veces: una mujer con una jarra en la cabeza en el lado izquierdo del lienzo; una mujer muerta en el centro; una madre atrayendo a sus hijas hacia ella, en la esquina izquierda de la imagen; una mujer que cubre a sus hijos y ahorra con su esposo. El artista buscaba rostros para el resto de héroes en las calles romanas.
Sorprende en esta foto y como se resuelve el tema de la luz. “Un artista ordinario, por supuesto, no dejaría de aprovechar la erupción del Vesubio para iluminar su cuadro; pero el señor Bryullov descuidó este remedio. Genius le inspiró una idea audaz, tan feliz como inimitable: iluminar todo el frente del cuadro con un rápido, diminuto y blanquecino relámpago, atravesando la espesa nube de ceniza que envolvía la ciudad, mientras la luz de la erupción, rompiendo a duras penas la oscuridad profunda, arroja al fondo una penumbra rojiza”, escribieron entonces los diarios.
Contexto
Cuando Bryullov decidió escribir La muerte de Pompeya, se lo consideraba talentoso, pero aún prometedor. Para la aprobación en el estado de maestro, se necesitaba un trabajo serio.
En ese momento en Italia, el tema de Pompeya era popular. En primer lugar, las excavaciones se llevaron a cabo de manera muy activa y, en segundo lugar, hubo un par de erupciones más del Vesubio. Esto no podía dejar de reflejarse en la cultura: en los escenarios de muchos teatros italianos, se representó con éxito la ópera L "Ultimo giorno di Pompeia" de Paccini.No hay duda de que el artista la vio, y tal vez más de una vez.
Autorretrato de Bryullov. (wikimedia.org)
La idea de escribir la muerte de la ciudad surgió en la propia Pompeya, que Bryullov visitó en 1827 por iniciativa de su hermano, el arquitecto Alejandro. Se necesitaron 6 años para recolectar el material. El artista fue escrupuloso en los detalles. Entonces, las cosas que se cayeron de la caja, las joyas y otros artículos diversos en la imagen fueron copiados de los encontrados por los arqueólogos durante las excavaciones.
Digamos algunas palabras sobre Yulia Samoilova, cuyo rostro, como se mencionó anteriormente, se encuentra cuatro veces en el lienzo. Para la imagen, Bryullov buscaba personajes italianos. Y aunque Samoilova era rusa, su apariencia correspondía a las ideas de Bryullov sobre cómo deberían verse las mujeres italianas.
Retrato de Yu. P. Samoilova. (wikimedia.org)
Se conocieron en Italia en 1827. Bryullov adoptó la experiencia de los maestros principales allí y buscó inspiración, mientras que Samoilova quemó su vida. En Rusia, ya había logrado divorciarse, no tenía hijos y, por una vida bohemia demasiado tormentosa, Nicolás I le pidió que se alejara de la corte.
Cuando se completó el trabajo en la pintura y el público italiano vio el lienzo, comenzó un boom en Bryullov. ¡Fue un éxito! Todos en una reunión con el artista consideraron un honor saludarlo; cuando aparecía en los teatros, todos se ponían de pie, ya la puerta de la casa donde vivía, o del restaurante donde cenaba, siempre se reunía mucha gente para saludarlo. Desde el Renacimiento, ningún artista en Italia ha sido objeto de tanta adoración como Karl Bryullov.
En la patria del pintor también aguardaba un triunfo. La euforia general sobre la imagen se hace evidente después de leer las líneas de Baratynsky:
Trajo trofeos pacíficos
Contigo a la sombra del padre.
Y estaba "El último día de Pompeya"
Para el pincel ruso, el primer día.
Karl Bryullov pasó la mitad de su vida creativa consciente en Europa. Por primera vez viajó al extranjero después de graduarse de la Academia Imperial de las Artes en San Petersburgo para mejorar sus habilidades. ¿Y dónde, si no en Italia, hacer esto? Al principio, Bryullov pintó principalmente aristócratas italianos, así como acuarelas con escenas de la vida. Estos últimos se han convertido en un recuerdo muy popular de Italia. Se trataba de cuadros de pequeño tamaño con composiciones de figuras pequeñas, sin retratos psicológicos. Tales acuarelas glorificaban principalmente a Italia con su hermosa naturaleza y representaban a los italianos como un pueblo que preservaba genéticamente la antigua belleza de sus antepasados.
Fecha interrumpida, 1827. (wikimedia.org)
Bryullov escribió simultáneamente con Delacroix e Ingres. Fue una época en la que el tema del destino de grandes masas humanas pasó a primer plano en la pintura. Por lo tanto, no sorprende que Bryullov eligiera la historia de la muerte de Pompeya para su lienzo del programa.
La imagen causó una impresión tan fuerte en Nicolás I que exigió que Bryullov regresara a su tierra natal y tomara el lugar de profesor en la Academia Imperial de las Artes. Al regresar a Rusia, Bryullov conoció y se hizo amigo de Pushkin, Glinka, Krylov.
Frescos de Bryullov en la Catedral de San Isaac. (wikimedia.org)
Los últimos años que el artista pasó en Italia, tratando de salvar su salud, se socavaron durante la pintura de la Catedral de San Isaac. Horas de trabajo duro y prolongado en una catedral húmeda e inacabada tenían un efecto negativo en el corazón y agravaban el reumatismo.
El artista ruso Karl Bryullov fue, sin duda, bastante respetado por su artesanía mucho antes de la creación de esta obra maestra. Sin embargo, fue "El último día de Pompeya" lo que le dio a Bryullov, sin exagerar, fama mundial. ¿Por qué la imagen del desastre tuvo tanto impacto en el público y qué secretos aún oculta a la audiencia?
¿Por qué Pompeya?
A finales de agosto del 79 dC, como resultado de la erupción del Monte Vesubio, las ciudades de Pompeya, Herculano, Stabiae y muchos pequeños pueblos se convirtieron en tumbas para varios miles de residentes locales. Las excavaciones arqueológicas reales de áreas que se han hundido en el olvido comenzaron solo en 1748, es decir, 51 años antes del nacimiento del propio Karl Bryullov. Está claro que los arqueólogos trabajaron no por un día, sino por varias décadas. Gracias a esta circunstancia, el artista logró visitar personalmente las excavaciones y deambular por las antiguas calles romanas, ya liberadas de lava solidificada. Es más, en ese momento fue Pompeya la que resultó ser la más despejada.
Junto con Bryullov, también caminó allí la condesa Yulia Samoilova, por quien Karl Pavlovich tenía sentimientos cálidos. Más tarde, jugará un papel muy importante en la creación de una obra maestra de un amante, e incluso más de uno. Bryullov y Samoilova tuvieron la oportunidad de ver los edificios de la ciudad antigua, los artículos para el hogar restaurados, los restos de los muertos. Todo esto dejó una huella profunda y vívida en la naturaleza sutil del artista. Fue en 1827.
Desaparición de personajes.
Impresionado, Bryullov se puso a trabajar casi de inmediato, además, muy en serio y a fondo. Visitó los alrededores del Vesubio más de una vez, haciendo bocetos para el futuro lienzo. Además, el artista se familiarizó con los manuscritos que han sobrevivido hasta el día de hoy, incluidas las cartas de un testigo presencial de la catástrofe, el antiguo político y escritor romano Plinio el Joven, cuyo tío Plinio el Viejo murió durante la erupción. Por supuesto, tal trabajo requería mucho tiempo. Por lo tanto, la preparación para escribir una obra maestra le llevó a Bryullov más de 5 años. El lienzo en sí, con una superficie de más de 30 metros cuadrados, lo creó en menos de un año. Por agotamiento, el artista a veces no podía caminar, literalmente lo sacaron del taller. Pero incluso con una preparación tan cuidadosa y un trabajo arduo en la obra maestra, Bryullov cambió continuamente la idea original de una forma u otra. Por ejemplo, no usó un boceto que mostraba a un ladrón quitándole las joyas a una mujer caída.
caras identicas
Uno de los principales misterios que se pueden encontrar en el lienzo es la presencia de varios rostros femeninos idénticos en el cuadro. Esta es una niña con una jarra en la cabeza, una mujer tendida en el suelo con un niño, así como una madre abrazando a sus hijas y una persona con su esposo e hijos. ¿Por qué Bryullov los dibujó tan similares? El hecho es que la misma dama fue amable con todos estos personajes: la misma condesa Samoilova. A pesar de que el artista pintó a otras personas en la imagen de los residentes comunes de Italia, al parecer, a Samoilov Bryullov, abrumado por ciertos sentimientos, simplemente le gustaba escribir.
Además, en la multitud representada en el lienzo, puedes encontrar al propio pintor. Se retrató a sí mismo como era, un artista con una caja llena de materiales de arte en la cabeza. Este método, como una especie de autógrafo, fue utilizado por muchos maestros italianos. Y Bryullov pasó muchos años en Italia y fue allí donde estudió el arte de la pintura.
cristiano y pagano
Entre los personajes de la obra maestra también hay un adherente de la fe cristiana, que es fácilmente reconocible por la cruz en su pecho. Una madre con dos hijas se acurruca junto a él, como si buscara protección del anciano. Sin embargo, pintó a Bryullov y a un sacerdote pagano, que huye rápidamente, sin prestar atención a la gente asustada del pueblo. Sin duda, el cristianismo en ese momento fue perseguido y no se sabe con certeza si alguno de los adherentes de esta fe podría estar entonces en Pompeya. Pero Bryullov, tratando de adherirse a la autenticidad documental de los eventos, introdujo un significado oculto en su trabajo. Por medio de los sacerdotes antes mencionados, mostró no solo el cataclismo mismo, sino la desaparición de lo viejo y el nacimiento de lo nuevo.
Sin duda, fue lo suficientemente respetado por su artesanía mucho antes de la creación de esta obra maestra. Sin embargo, fue "El último día de Pompeya" lo que le dio a Bryullov, sin exagerar, fama mundial. ¿Por qué la imagen del desastre tuvo tanto impacto en el público y qué secretos aún oculta a la audiencia?
¿Por qué Pompeya?
A finales de agosto del 79 dC, como resultado de la erupción del Monte Vesubio, las ciudades de Pompeya, Herculano, Stabiae y muchos pequeños pueblos se convirtieron en tumbas para varios miles de residentes locales. Las excavaciones arqueológicas reales de áreas que se han hundido en el olvido comenzaron solo en 1748, es decir, 51 años antes del nacimiento del propio Karl Bryullov. Está claro que los arqueólogos trabajaron no por un día, sino por varias décadas. Gracias a esta circunstancia, el artista logró visitar personalmente las excavaciones y deambular por las antiguas calles romanas, ya liberadas de lava solidificada. Es más, en ese momento fue Pompeya la que resultó ser la más despejada.
Junto con Bryullov, también caminó allí la condesa Yulia Samoilova, por quien Karl Pavlovich tenía sentimientos cálidos. Más tarde, jugará un papel muy importante en la creación de una obra maestra de un amante, e incluso más de uno. Bryullov y Samoilova tuvieron la oportunidad de ver los edificios de la ciudad antigua, los artículos para el hogar restaurados, los restos de los muertos. Todo esto dejó una huella profunda y vívida en la naturaleza sutil del artista. Fue en 1827.
Desaparición de personajes.
Impresionado, Bryullov se puso a trabajar casi de inmediato, además, muy en serio y a fondo. Visitó los alrededores del Vesubio más de una vez, haciendo bocetos para el futuro lienzo. Además, el artista se familiarizó con los manuscritos que han sobrevivido hasta el día de hoy, incluidas las cartas de un testigo presencial de la catástrofe, el antiguo político y escritor romano Plinio el Joven, cuyo tío Plinio el Viejo murió durante la erupción. Por supuesto, tal trabajo requería mucho tiempo. Por lo tanto, la preparación para escribir una obra maestra le llevó a Bryullov más de 5 años. El lienzo en sí, con una superficie de más de 30 metros cuadrados, lo creó en menos de un año. Por agotamiento, el artista a veces no podía caminar, literalmente lo sacaron del taller. Pero incluso con una preparación tan cuidadosa y un trabajo arduo en la obra maestra, Bryullov cambió continuamente la idea original de una forma u otra. Por ejemplo, no usó un boceto que mostraba a un ladrón quitándole las joyas a una mujer caída.
caras identicas
Uno de los principales misterios que se pueden encontrar en el lienzo es la presencia de varios rostros femeninos idénticos en el cuadro. Esta es una niña con una jarra en la cabeza, una mujer tendida en el suelo con un niño, así como una madre abrazando a sus hijas y una persona con su esposo e hijos. ¿Por qué Bryullov los dibujó tan similares? El hecho es que la misma dama fue amable con todos estos personajes: la misma condesa Samoilova. A pesar de que el artista pintó a otras personas en la imagen de los residentes comunes de Italia, al parecer, a Samoilov Bryullov, abrumado por ciertos sentimientos, simplemente le gustaba escribir.
Además, en la multitud representada en el lienzo, puedes encontrar al propio pintor. Se retrató a sí mismo como era, un artista con una caja llena de materiales de arte en la cabeza. Este método, como una especie de autógrafo, fue utilizado por muchos maestros italianos. Y Bryullov pasó muchos años en Italia y fue allí donde estudió el arte de la pintura.
cristiano y pagano
Entre los personajes de la obra maestra también hay un adherente de la fe cristiana, que es fácilmente reconocible por la cruz en su pecho. Una madre con dos hijas se acurruca junto a él, como si buscara protección del anciano. Sin embargo, pintó a Bryullov y a un sacerdote pagano, que huye rápidamente, sin prestar atención a la gente asustada del pueblo. Sin duda, el cristianismo en ese momento fue perseguido y no se sabe con certeza si alguno de los adherentes de esta fe podría estar entonces en Pompeya. Pero Bryullov, tratando de adherirse a la autenticidad documental de los eventos, introdujo un significado oculto en su trabajo. Por medio de los sacerdotes antes mencionados, mostró no solo el cataclismo mismo, sino la desaparición de lo viejo y el nacimiento de lo nuevo.
Es difícil nombrar una imagen que hubiera tenido el mismo éxito entre los contemporáneos que El último día de Pompeya. Tan pronto como se completó el lienzo, el taller romano de Karl Bryullov fue sometido a un verdadero asedio. "ENtoda Roma acudió a ver mi cuadro", - escribió el artista. Expuesto en 1833 en Milán"Pompeya" literalmente sorprendió a la audiencia. Críticas elogiosas estaban llenas de periódicos y revistas,Bryullov fue llamado el Tiziano revivido, el segundo Miguel Ángel, el nuevo Rafael...
En honor al artista ruso, se organizaron cenas y recepciones, se le dedicaron poemas. Tan pronto como apareció Bryullov en el teatro, la sala estalló en aplausos. El pintor fue reconocido en las calles, colmado de flores, y en ocasiones los honores terminaron con el hecho de que los fanáticos con canciones lo llevaron en sus brazos.
En 1834 una pintura, opcionalcliente, industrial A.N. Demidov, se exhibió en el Salón de París. La reacción del público aquí no fue tan fuerte como en Italia (¡envidia! - explicaron los rusos), pero "Pompeya" recibió la medalla de oro de la Academia Francesa de Bellas Artes.
Es difícil imaginar el entusiasmo y el entusiasmo patriótico con que se recibió la imagen en San Petersburgo: ¡gracias a Bryullov, la pintura rusa dejó de ser un estudiante diligente de los grandes italianos y creó una obra que deleitó a Europa!La pintura fue donada. Demidov Nicolás yo , quien lo colocó brevemente en el Hermitage Imperial, y luego lo presentó academias letras.
Según las memorias de un contemporáneo, "muchas de visitantes, se podría decir, irrumpieron en los pasillos de la Academia para mirar a Pompeya". Hablaron sobre la obra maestra en los salones, compartieron opiniones en correspondencia privada, tomaron notas en diarios. Se estableció el apodo honorífico "Carlomagno" para Bryullov.
Impresionado por la imagen, Pushkin escribió seis líneas:
“Vesuvius zev abrió - humo brotó en un club - llama
Ampliamente desarrollado como un estandarte de batalla.
La tierra está preocupada - de las columnas tambaleantes
¡Los ídolos están cayendo! Un pueblo impulsado por el miedo
Bajo la lluvia de piedras, bajo las cenizas inflamadas,
Multitudes, viejos y jóvenes, salen corriendo de la ciudad.
Gogol dedicó un artículo notablemente profundo a El último día de Pompeya, y el poeta Yevgeny Baratynsky expresó el júbilo general en un conocido improvisado:
«
Trajiste trofeos pacíficos
Contigo en la sombra paterna,
Y se convirtió en "El último día de Pompeya"
Para el pincel ruso, el primer día!
Hace tiempo que el entusiasmo desmesurado se ha calmado, pero aún hoy la pintura de Bryullov deja una fuerte impresión, yendo más allá de los límites de esas sensaciones que la pintura, incluso muy buena, suele evocar en nosotros. ¿Qué pasa aquí?
"Calle de las Tumbas" Al fondo, la Puerta de Herculano.
Foto de la segunda mitad del siglo XIX.
Desde que comenzaron las excavaciones en Pompeya a mediados del siglo XVIII, el interés por esta ciudad, que fue destruida por la erupción del Vesubio en el año 79 d. C., ha ido en aumento. es decir, no se desvaneció. Los europeos acudieron en masa a Pompeya para vagar por las ruinas liberadas de la capa de ceniza volcánica petrificada, admirar los frescos, esculturas, mosaicos, maravillarse con los hallazgos inesperados de los arqueólogos. Las excavaciones atrajeron a artistas y arquitectos, los grabados con vistas a Pompeya estaban muy de moda.
bryullov , quien visitó por primera vez las excavaciones en 1827, transmitió con mucha precisiónsentimiento de empatía por los acontecimientos de hace dos mil años, que cubre a cualquiera que venga a Pompeya:“La vista de estas ruinas involuntariamente me hizo retroceder a una época en que estas murallas aún estaban habitadas /…/. No puedes atravesar estas ruinas sin sentir un sentimiento completamente nuevo en ti mismo, haciéndote olvidar todo, excepto el terrible incidente con esta ciudad.
Para expresar este "nuevo sentimiento", para crear una nueva imagen de la antigüedad, no un museo abstracto, sino holístico y completo, el artista se esforzó en su imagen. Se acostumbró a la época con la meticulosidad y el cuidado de un arqueólogo: de más de cinco años, tardó solo 11 meses en crear el lienzo en sí con un área de 30 metros cuadrados, el resto del tiempo lo tomó. por trabajos preparatorios.
“Tomé este escenario completamente de la naturaleza, sin retirarme en absoluto y sin agregar, de pie de espaldas a las puertas de la ciudad para ver parte del Vesubio como la razón principal”, compartió Bryullov en una de sus cartas.Pompeya tenía ocho puertas, peroademás el artista mencionó “las escaleras que conducen a Sepolcri SC au ro "- la tumba monumental del eminente ciudadano Skavr, y esto nos da la oportunidad de establecer con precisión la escena elegida por Bryullov. Se trata de las Puertas Herculanas de Pompeya ( Puerto de Ercolano ), detrás de la cual, ya fuera de la ciudad, comenzaba la "Calle de las Tumbas" ( Vía dei Sepolcri) - un cementerio con magníficas tumbas y templos. Esta parte de Pompeya fue en la década de 1820. ya bien despejado, lo que permitió al pintor reconstruir la arquitectura sobre lienzo con la máxima precisión.
Tumba de Skaurus. Reconstrucción del siglo XIX.
Recreando la imagen de la erupción, Bryullov siguió los famosos mensajes de Plinio el Joven a Tácito. El joven Plinio sobrevivió a la erupción en el puerto marítimo de Miseno, al norte de Pompeya, y describió con detalle lo que vio: casas que parecían haberse movido de sus lugares, llamas que se extendían ampliamente a lo largo del cono del volcán, piedras pómez calientes que caían del el cielo, una fuerte lluvia de cenizas, una oscuridad negra impenetrable, zigzags ardientes, similares a un rayo gigante ... Y todo esto Bryullov transfirió al lienzo.
Los sismólogos están asombrados de lo convincente que retrató el terremoto: mirando las casas que se derrumban, puedes determinar la dirección y la fuerza del terremoto (8 puntos). Los vulcanólogos señalan que la erupción del Vesubio fue escrita con toda la precisión posible para esa época. Los historiadores argumentan que la pintura de Bryullov se puede utilizar para estudiar la antigua cultura romana.
Para capturar de manera confiable el mundo de la antigua Pompeya destruido por la catástrofe, Bryullov tomó objetos y restos de cuerpos encontrados durante las excavaciones como muestras, hizo innumerables bocetos en el museo arqueológico de Nápoles. La forma de restaurar las poses de muerte de los muertos vertiendo cal en los vacíos formados por los cuerpos se inventó solo en 1870, pero incluso durante la creación de la imagen, los esqueletos encontrados en las cenizas petrificadas atestiguan las últimas convulsiones y gestos de las victimas. Madre abrazando a dos hijas; una mujer joven que murió aplastada al caer de un carro que chocó contra un adoquín, volcado del pavimento por un terremoto; personas en los escalones de la tumba de Skaurus, protegiéndose la cabeza del desprendimiento de rocas con taburetes y platos; todo esto no es un producto de la fantasía del pintor, sino una realidad recreada artísticamente.
En el lienzo, vemos personajes dotados de rasgos de retrato del propio autor y su amada, la condesa Yulia Samoilova. Bryullov se retrató a sí mismo como un artista que lleva una caja de pinceles y pinturas en la cabeza. Los hermosos rasgos de Julia se reconocen cuatro veces en la imagen: una niña con un recipiente en la cabeza, una madre que abraza a sus hijas, una mujer que abraza a un bebé contra su pecho, un noble pompeyano que cayó de un carro roto. Un autorretrato y retratos de una novia son la mejor evidencia de que en su penetración en el pasado, Bryullov realmente se relacionó con el evento, creando un "efecto de presencia" para el espectador, haciéndolo, por así decirlo, un participante en lo que está sucediendo.
Fragmento de la imagen:
autorretrato de Bryullovy un retrato de Yulia Samoilova.
Fragmento de la imagen:
"triángulo" compositivo: una madre abrazando a sus hijas.
La pintura de Bryullov complació a todos, tanto a académicos estrictos, fanáticos de la estética del clasicismo como a aquellos que valoraban la novedad en el arte y para quienes "Pompeya" se convirtió, según Gogol, en "una brillante resurrección de la pintura".Esta novedad fue traída a Europa por un viento fresco del romanticismo. La dignidad de la pintura de Bryullov suele verse en el hecho de que el brillante alumno de la Academia de las Artes de San Petersburgo estaba abierto a las nuevas tendencias. Al mismo tiempo, la capa clasicista del cuadro suele interpretarse como una reliquia, un inevitable homenaje al pasado rutinario del artista. Pero parece que también es posible otro giro del tema: la fusión de dos “ismos” resultó fructífera para el cuadro.
La lucha desigual y fatal del hombre con los elementos: tal es el patetismo romántico de la imagen. Está construido sobre agudos contrastes de oscuridad y la luz desastrosa de la erupción, el poder inhumano de la naturaleza sin alma y la alta intensidad de los sentimientos humanos.
Pero hay algo más en la imagen que se opone al caos de la catástrofe: un núcleo inquebrantable en un mundo que se estremece hasta sus cimientos. Este núcleo es el equilibrio clásico de la composición más compleja, que salva la imagen de la trágica sensación de desesperanza. La composición, construida según las "recetas" de los académicos -los "triángulos" ridiculizados por las generaciones posteriores de pintores, en los que encajan grupos de personas, masas equilibradas a derecha e izquierda-, se lee en el vivo contexto tenso del cuadro en una forma completamente diferente a la de los lienzos académicos secos y muertos.
Fragmento de la imagen: una familia joven.
En primer plano, un pavimento dañado por un terremoto.
Fragmento de la pintura: pompeyano muerto.
"El mundo aún es armonioso en sus cimientos": este sentimiento surge en el espectador de manera subconsciente, en parte contrario a lo que ve en el lienzo. El mensaje esperanzador del artista se lee no al nivel de la trama del cuadro, sino al nivel de su solución plástica.El elemento romántico violento es subyugado por la forma clásicamente perfecta, y en esta unidad de opuestos reside otro secreto del atractivo del lienzo de Bryullov.
La película cuenta muchas historias emocionantes y conmovedoras. Aquí hay un joven desesperado mirando el rostro de una niña con una corona de bodas, que ha perdido el conocimiento o ha muerto. Aquí hay un joven tratando de convencer de algo a una anciana exhausta. Esta pareja se llama “Plinio con su madre” (aunque, como recordamos, Plinio el Joven no estuvo en Pompeya, sino en Miseno): en una carta a Tácito, Plinio le transmite su disputa con su madre, quien instó a su hijo a irse. ella y, sin demora, se escapó, y él no accedió a dejar a la débil mujer. Un guerrero con casco y un niño llevan a un anciano enfermo; un bebé, que sobrevivió milagrosamente a una caída de un carro, abraza a una madre muerta; el joven levantó la mano, como para desviar el golpe de los elementos de su familia, el bebé en los brazos de su esposa, con curiosidad infantil, alcanza al pájaro muerto. La gente trata de llevarse las cosas más preciosas: un sacerdote pagano, un trípode, un cristiano, un incensario, un artista, pinceles. La muerta portaba joyas, que, inútiles, ahora están tiradas en el pavimento.
Fragmento del cuadro: Plinio con su madre.
Fragmento de la imagen: terremoto - "caída de ídolos".
Una carga de trama tan poderosa en la imagen puede ser peligrosa para la pintura, convirtiendo el lienzo en una "historia en imágenes", pero el carácter literario de Bryullov y la abundancia de detalles no destruyen la integridad artística de la imagen. ¿Por qué? La respuesta la encontramos en el mismo artículo de Gogol, quien compara la pintura de Bryullov “en términos de su vastedad y la combinación de todo lo bello en sí mismo con la ópera, si la ópera es realmente una combinación del triple mundo de las artes: pintura, poesía. , música” (por poesía, Gogol obviamente se refería a la literatura en general).
Esta característica de "Pompeya" se puede describir en una palabra: sintética: la imagen combina orgánicamente una trama dramática, entretenimiento vívido y polifonía temática, similar a la música. (Por cierto, la base teatral de la pintura tenía un prototipo real: la ópera El último día de Pompeya de Giovanni Paccini, que durante los años del trabajo del artista en el lienzo se representó en el teatro napolitano de San Carlo. Bryullov estaba bien familiarizado con el compositor, escuchó la ópera varias veces y tomó prestados trajes para sus modelos).
Guillermo Turner. Erupción del Vesubio. 1817
Entonces, la imagen se asemeja a la escena final de una monumental representación de ópera: el escenario más expresivo se reserva para el final, todas las líneas argumentales están conectadas y los temas musicales se entretejen en un todo polifónico complejo. Esta representación de imágenes es similar a las tragedias antiguas, en las que la contemplación de la nobleza y el coraje de los héroes frente al destino inexorable lleva al espectador a la catarsis: la iluminación espiritual y moral. El sentimiento de empatía que se apodera de nosotros frente a una imagen es similar a lo que experimentamos en el teatro, cuando lo que sucede en el escenario nos conmueve hasta las lágrimas, y estas lágrimas son conmovedoras.
Gavin Hamilton. Los napolitanos observan la erupción del Vesubio.
Segunda planta. siglo 18
La pintura de Bryullov es increíblemente hermosa: un tamaño enorme: cuatro metros y medio por seis metros y medio, sorprendentes "efectos especiales", personas divinamente construidas, como estatuas antiguas que cobran vida. “Sus figuras son hermosas a pesar del horror de su posición. Lo ahogan con su belleza", escribió Gogol, capturando con sensibilidad otra característica de la imagen: la estetización de la catástrofe. La tragedia de la muerte de Pompeya y, más ampliamente, de toda la civilización antigua se nos presenta como un espectáculo increíblemente hermoso. ¿Qué son estos contrastes de una nube negra presionando sobre la ciudad, una llama brillante en las laderas de un volcán y relámpagos despiadadamente brillantes, estas estatuas capturadas en el momento mismo de la caída y los edificios derrumbándose como cartón...
La percepción de las erupciones del Vesubio como actuaciones grandiosas puestas en escena por la naturaleza misma ya apareció en el siglo XVIII, incluso se crearon máquinas especiales para imitar la erupción. Esta "moda volcánica" fue presentada por el enviado británico al Reino de Nápoles, Lord William Hamilton (esposo de la legendaria Emma, novia del almirante Nelson). Vulcanólogo apasionado, estaba literalmente enamorado del Vesubio e incluso construyó una villa en la ladera del volcán para admirar cómodamente las erupciones. Observaciones del volcán cuando estaba activo (se produjeron varias erupciones en los siglos XVIII y XIX), descripciones verbales y bocetos de sus bellezas cambiantes, escalada al cráter: estos fueron los entretenimientos de la élite napolitana y los visitantes.
Está en la naturaleza humana seguir con gran expectación los desastrosos y bellos juegos de la naturaleza, aunque para ello haya que equilibrarse en la boca de un volcán activo. Este es el mismo "éxtasis en la batalla y el sombrío abismo en el borde", sobre el que Pushkin escribió en "Pequeñas tragedias", y que Bryullov transmitió en su lienzo, que durante casi dos siglos nos ha hecho admirar y horrorizarnos.
Pompeya moderna
